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Nellie Mae RoweUne belle journée1978
1978
À propos de cet article
Une belle journée, 1978
par Nellie Mae Rowe (Américaine, 1900-1982)
Non encadré : 9" x 12".
Encadré : 11,25" x 14,25".
Signé et daté en bas à gauche
Nellie Mae Rowe est une figure prééminente de l'art américain du vingtième siècle.
Grâce à l'exposition rétrospective itinérante Really Free : The Radical Art of Nellie Mae Rowe, actuellement au Brooklyn Museum of Art, sa pratique a été recontextualisée comme un acte radical d'auto-expression et de libération pour une artiste noire vivant et travaillant dans le Sud américain.
The Really Free présente plus de cent œuvres explorant les thèmes de l'enfance, du jeu et de la spiritualité. Des dessins autobiographiques, des sculptures expérimentales et des représentations de la "Playhouse" de Rowe - un environnement que l'artiste a construit et dans lequel elle a vécu pendant des décennies - illustrent l'affirmation de son indépendance et l'accessibilité de ses moyens de production artistique. Au cours des quinze dernières années de sa vie, Rowe était animée par le désir de se réapproprier une vision créative qui avait émergé pendant son enfance et de se libérer dans le climat culturel complexe du Sud de l'ère des droits civiques.
Née dans le comté de Fayette, en Géorgie, au début du vingtième siècle, Mme Rowe a découvert très tôt sa passion pour l'art, produisant des dessins et des poupées en tissu dès son enfance. Cependant, les exigences de la ferme familiale, un mariage précoce et des décennies d'emploi en tant que domestique ont empêché Rowe de créer pendant plusieurs décennies. Après le décès de son second mari et de ses employeurs de longue date dans les années 1960, Mme Rowe s'est remise à fond dans son art, consacrant le reste de sa vie à la réalisation de sa vocation créative. Son dévouement a donné lieu à une pratique immersive, idiosyncrasique et joyeuse.
Née le 4 juillet 1900, l'artiste autodidacte Nellie Mae Rowe était la neuvième des dix enfants de Sam et Luella (Swanson) Williams. La famille vivait dans une ferme louée dans le comté de Fayette, en Géorgie, une communauté rurale située à 30 km au sud d'Atlanta. Sam, né esclave, utilise ses compétences de forgeron et de vannier pour augmenter le revenu familial. Luella était une couturière et une matelassière talentueuse, compétences qu'elle a enseignées à sa fille. La famille se rendait à la Flat Rock African Methodist Episcopal Church, la plus ancienne congrégation active de la région.
L'église abritait une école primaire que Nellie Mae a fréquentée pendant plusieurs années. Elle a épousé Ben Wheat en 1916, et le couple sans enfant s'est installé quatorze ans plus tard à Vinings, une communauté rurale au nord-ouest d'Atlanta. Ben est mort en 1936, et plus tard cette année-là, Nellie Mae a épousé Henry "Buddy" Rowe, un veuf beaucoup plus âgé. En 1939, le couple a construit sa maison dans la rue principale de Vinings, où il a passé le reste de sa vie. En plus de son travail de domestique, Nellie Mae a passé son temps à transformer cette maison, devenue un monument local, en un environnement fantaisiste.
Buddy Rowe meurt en 1948, et Nellie Mae augmente sa production artistique. Elle appelait sa maison sa "maison de jeux" et l'embellissait de manière exubérante, à l'intérieur comme à l'extérieur, avec des dessins colorés, des poupées en peluche, des sculptures, des décorations de Noël, des fleurs en plastique et des objets recyclés. Sa cour balayée, décorée de façon inhabituelle, a attiré une attention positive et négative. Nellie Mae a accueilli les visiteurs curieux pour leur faire visiter sa maison, signer un livre d'or et l'écouter chanter des chansons de gospel. Parmi ses visiteurs figurent des artistes et des collectionneurs qui ont réussi à faire connaître son travail à un plus large public. Nellie Mae a atteint une reconnaissance nationale en tant qu'artiste au cours de la dernière décennie de sa vie, qui a coïncidé avec sa période la plus prolifique sur le plan artistique.
La première exposition dans laquelle le travail de Nellie Mae a été inclus était Missing Pieces : Georgia Folk Art 1770-1976 au Centre d'histoire d'Atlanta. La marchande d'art d'Atlanta Judith Alexander s'est liée d'amitié avec Nellie Mae et a organisé sa première exposition personnelle en novembre 1978. L'année suivante, Rowe se rend pour la première fois hors de Géorgie pour exposer ses œuvres à la Parsons/Dreyfuss Gallery de New York. En 1981, on lui a diagnostiqué un myélome multiple et elle a succombé à cette maladie le 18 octobre 1982. Elle est enterrée dans le cimetière de la Flat Rock African Methodist Episcopal Church.
Femme pieusement religieuse, Nellie Mae attribuait son talent à Dieu, mais ses sujets reflètent sa vision personnelle et les événements contemporains et comprennent souvent des éléments symboliques chrétiens, africains et afro-caribéens. Son style distinctif illustre son sens de la couleur et de la forme, qui est dépourvu d'adhésion à la perspective ou à l'échelle. Nellie Mae préférait utiliser des matériaux modestes - crayons, stylos, carton, récipients alimentaires recyclés, chewing-gum usagés et chutes de tissus.
Elle adorait embellir ses œuvres avec des bibelots, des billes, des fleurs en plastique et des jouets. Sa vision unique de la vie, avec ses insertions de texte et les tracés de ses mains et de ses pieds, est l'héritage que cette artiste autodidacte a laissé derrière elle. Ses œuvres font partie des collections du Morris Museum of Art, du High Museum of Art, de l'Ogden Museum of Southern Art, du Museum of Contemporary Art of Georgia, du Tubman African-American Museum, du Smithsonian American Art Museum, de l'American Folk Art Museum et de l'American Folklife Center de la Library of Congress.
Karen Towers Klacsmann
Conservateur adjoint adjoint/Recherche
Musée d'art Morris
Augusta, Géorgie
- Créateur:Nellie Mae Rowe (1900 - 1982, Américain)
- Année de création:1978
- Dimensions:Hauteur : 22,86 cm (9 po)Largeur : 30,48 cm (12 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Missouri, MO
- Numéro de référence:1stDibs : LU747311446372
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5,0
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Dong Kingman, artiste et enseignant de renommée mondiale, est mort dans son sommeil le 12 mai 2000 à l'âge de 89 ans dans sa maison de Manhattan. La cause était un cancer du pancréas.
Reconnu depuis longtemps comme un maître américain de l'aquarelle, il a reçu un nombre extraordinaire de prix et de distinctions au cours de ses 70 ans de carrière artistique. Il a notamment reçu deux bourses Guggenheim en 1942 et 1943, le San Francisco Art Association First Purchase Prize en 1936, l'Audubon Artist Medal of Honor en 1946, la Philadelphia Watercolor Club Joseph Pennel Memorial Medal en 1950, le Metropolitan Museum of Art Award et le National Academy Design 150th Anniversary Gold Medal Award en 1975.
En 1987, l'American Watercolor Society a décerné à Dong Kingman sa plus haute distinction, la Dolphin Medal, "pour avoir apporté une contribution exceptionnelle à l'art, en particulier à l'aquarelle".
Ses œuvres figurent dans les collections permanentes de 50 musées et universités, dont le Boston Museum of Fine Arts, le M.H. deYoung Memorial Museum of Art, le Metropolitan Museum of Art, le Whitney Museum, le Museum of Modern Art, l'Art Institute of Chicago, la Pennsylvania Academy of Fine Arts, la Sheldon Memorial Art Gallery and Sculpture Garden, le Des Moines Art Center, le Columbus Columbus Museum et le Hirshhorn Museum.
Né à Oakland, en Californie, en 1911, d'origine chinoise, Kingman s'est installé à Hong Kong à l'âge de cinq ans. Il a étudié l'art et la calligraphie pendant ses années de formation à l'école Lingnan. Le maître de la peinture Szeto Wai a récemment étudié l'art à Paris et s'intéresse de près aux talents précoces du jeune Dongs. Il lui a enseigné les styles de peinture classique chinois et impressionniste français. Kingman est rentré chez lui à Oakland à l'âge de 18 ans, au plus fort de la dépression. Il a travaillé comme livreur de journaux et plongeur pour joindre les deux bouts.
Lorsqu'il est employé comme domestique par la famille Drew à San Francisco, il peint dès qu'il en a l'occasion. En un an, il a créé suffisamment d'images pour organiser une exposition individuelle au Centre d'art. Elle a attiré l'attention des critiques d'art de San Francisco qui se sont extasiés sur le style unique de Kingman. Junius Cravens, du San Francisco News, a écrit : "Ce jeune artiste chinois présente 20 des aquarelles les plus fraîches et les plus satisfaisantes que l'on ait vues ici depuis longtemps. Kingman a déjà développé cette qualité universelle qui peut placer le travail d'un artiste sincère au-dessus des limites des caractéristiques raciales ou des écoles. L'art de Kingmans appartient au monde d'aujourd'hui". Dong Kingman a connu le succès du jour au lendemain.
De 1936 à 1941, il est artiste de projet pour la WPA et devient un pionnier d'une nouvelle école de peinture, le "style californien". Ses deux bourses Guggenheim lui permettent de parcourir le pays pour peindre des scènes américaines. Sa première exposition personnelle à New York, à la Midtown Galleries en 1942, a été bien accueillie par les médias, notamment Time, Newsweek, le New Yorker et American Artist. Le M.H. de Young Memorial Museum de San Francisco a organisé une grande exposition de ses aquarelles en 1945.
En 1951, Midtown a présenté une rétrospective de 10 ans de son travail. Time Magazine a écrit : "À 40 ans, Kingman est l'un des meilleurs aquarellistes du monde". D'autres rétrospectives, notamment au Corcoran à A.I.C. et au Witte Memorial Museum à San Antonio, ont été organisées pour l'artiste. Kingman s'installe à Wildenstein (1958-1969) où il expose avec succès à New York, Londres et Paris. Les Hammer Galleries ont exposé ses peintures dans les années 70, puis l'artiste a élargi son champ d'action à la côte ouest et à l'Extrême-Orient.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a servi dans l'OSS à Washington, C.A.C., où il était cartographe. Après sa libération honorable, Kingman quitte San Francisco pour s'installer à Brooklyn Heights où il devient conférencier invité puis professeur d'art à l'université de Columbia (1946-1958). Le Hunter College le nomme également professeur d'aquarelle et d'art chinois (1948-1953). Sa carrière d'enseignant s'est poursuivie à la Famous Artists School, à Westport, CT, en 1953, où il a rejoint des artistes aussi éminents que Will Barnet, Stuart Davis, Norman Rockwell et Ben Shahn.
Il est également devenu membre enseignant pendant 40 ans pour les Hewitt Painting Workshops, qui organisent des tournées de peinture dans le monde entier. Il a enseigné à l'Academy of Art College de San Francisco, a été membre de son conseil d'administration et a reçu un doctorat honorifique de l'Académie.
En 1954, le Département d'État américain a invité Kingman à participer à un programme d'échange culturel à travers le monde pour présenter des expositions et des conférences et rencontrer des artistes locaux. À son retour, il a présenté au département d'État un rapport de 40 pieds de long sur un parchemin, qui a ensuite été publié dans le magazine LIFE.
L'une des expériences les plus précieuses de Kingman a été l'invitation du ministère de la culture de la République populaire de Chine à exposer dans ce pays en 1981. Il est le premier artiste américain à bénéficier d'une exposition individuelle depuis la reprise des relations diplomatiques. Plus de 100 000 visiteurs ont assisté à ses expositions à Pékin, Hangzhou et Guangzhou et la rétrospective a été saluée par la presse chinoise. Selon le China Daily Mail, "tout comme les maîtres peintres de la dynastie Song parcouraient les montagnes et les ruisseaux pour saisir le rythme de la nature, Dong Nature a parcouru le monde pour capturer le dynamisme de la vie moderne. Des scènes familières ont été transformées en une nouvelle vision vibrante de la vie grâce à des combinaisons de couleurs dont les rythmes jouent sur toute la surface de l'image. Les ciels balayés par le vent qui animent ses aquarelles nous rappellent le pleinairisme des impressionnistes français".
Kingman, qui est fasciné par le cinéma depuis qu'il a vu son premier film, "Le voleur de Bagdad", s'est également distingué dans ce domaine. En 1954, le directeur de la photographie James Wong Howe...
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