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Jennifer BartlettPièce océanique : dessins uniques d'études pour la peinture océanique (signés à la main)1975
1975
8 662,88 €
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À propos de cet article
Jennifer Losch Bartlett
Pièce océanique : Études de peinture sans titre, 1975
Encre et pastel, techniques mixtes sur papier millimétré
Signé et daté "Summer 75" par Jennifer Bartlett dans la partie inférieure droite du recto.
Cadre inclus : dans un cadre en bois de qualité muséale avec plexiglas anti-UV
Dessin à l'encre et au pastel sur papier millimétré.
Signé et daté "Summer 75" par Jennifer Bartlett en bas à droite du recto.
Certaines annotations de l'artiste sur les dessins indiquent :
Pièce de l'océan
Sky Water Beach Parfois vue de l'eau
peut-être voir la montagne
deux personnes allongées sur la plage
ils se font parfois face
... bwhitefree hand drawing
de l'eau de la plage avec serviette
ciel sable eau en diagonale
sur une courbe
ciel eau sable avec un crépuscule horizontal crépuscule
... ciel eau
eau grise... sable : crème
Mesures :
Cadre :
16,25 x 13,5 x 1,5 pouces
Œuvre d'art :
10,5 x 8 pouces
À propos de Jennifer Bartlett :
Jennifer Bartlett (née en 1941, décédée en 2022) était connue pour ses installations de la taille d'une pièce, de différents médiums, qui exploraient son environnement immédiat, notamment les maisons, les montagnes, les arbres, les jardins et l'océan. Inspirée par le minimalisme, elle a commencé à travailler en 1968 sur des plaques carrées en acier émaillé sur lesquelles elle a ensuite créé ses œuvres les plus notables. Rhapsody (1975-1976), un polyptyque installé pour la première fois à la Paula Cooper Gallery et occupant la totalité de la galerie, comprenait des centaines de ces plaques d'acier peintes. Cette œuvre fait désormais partie de la collection permanente du Museum of Modern Art de New York. Son travail est passé de l'expressionnisme abstrait au minimalisme et au conceptualisme, certaines œuvres touchant à tous ces domaines à la fois. Travaillant en deux dimensions et passant parfois à trois dimensions, ses œuvres partent souvent d'une abstraction contrôlée et mathématique pour évoluer vers un réalisme plus pictural.
La première exposition de Bartlett a eu lieu en 1985 et a été présentée au Walker Art Center, au Brooklyn Museum et au Museum of Art, Carnegie Institute. En 2006, ses premières peintures sur plaques d'acier émaillé ont fait l'objet d'une exposition à la Addison Gallery of American Art. Klaus Ottman a assuré le commissariat de sa deuxième exposition d'enquête itinérante en 2013-2014, Jennifer Bartlett : History of the Universe-Works 1970-2011, qui a voyagé à l'Académie des beaux-arts de Pennsylvanie et au Parrish Art Museum. En 2014, le Cleveland Museum of Art a exposé ses trois plaques monumentales, Rhapsody, Song et Recitative, dans le cadre de l'exposition Epic Systems. Les œuvres de Bartlett font partie des collections du Dallas Museum of Fine Arts, du Los Angeles County Museum of Art, du Metropolitan Museum of Art, du Museum of Fine Arts, Houston, du Museum of Modern Art, du Philadelphia Museum of Art, du San Francisco Museum of Modern Art, de la Tate Modern et du Whitney Museum of American Art, entre autres.
- Avec l'aimable autorisation de la Marianne Boesky Gallery
- Créateur:Jennifer Bartlett (1941, Américain)
- Année de création:1975
- Dimensions:Hauteur : 41,28 cm (16,25 po)Largeur : 34,29 cm (13,5 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745213303802
Jennifer Bartlett
Jennifer Losch Bartlett (née le 14 mars 1941) est une artiste américaine. Elle est connue pour ses peintures et ses gravures qui combinent l'esthétique systémique de l'art conceptuel avec l'approche picturale du néo-expressionnisme. Nombre de ses travaux sont exécutés sur de petites plaques carrées en acier émaillé qui sont combinées en grille pour créer des œuvres de très grande taille.
À propos du vendeur
5,0
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Signé à la main au crayon et portant une inscription sur la partie inférieure du recto. L'inscription se lit comme suit : Pour Bob Vogele Ron Gorchov
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Cette aquarelle abstraite et gravure sur papier unique de Ron Gorchov, réalisée par Landfall Press, est signée à la main au crayon et porte une inscription au nom du célèbre collectionneur et ami personnel, Bob Vogele, sur la partie inférieure du recto. Cette œuvre est le numéro 7 d'une série de 12 variations différentes, chacune d'entre elles étant unique. Accompagné d'une copie de la facture originale avec une photographie de l'artiste signant l'une des œuvres de l'acquisition. L'ouvrage lui-même comporte un texte imprimé du rendu architectural dessiné par Robert Price, avec le copyright imprimé de Gorchov ainsi qu'une signature manuscrite, une inscription et des annotations au crayon. Signé et daté dans la plaque "©Ron Gorchov 1978". Également signé à la main, numéroté et portant l'inscription "7/12 WC for Bob Vogele Ron Gorchov" sur le bord inférieur. Peint à la main par l'artiste.
L'inscription se lit comme suit :
Pour Bob Vogele
Ron Gorchov
Acquis de la Collection Art Robert et Ruth Vogele. Les Vogele étaient des collectionneurs d'art réputés pour se lier d'amitié avec les artistes et les soutenir. Fervents collectionneurs de beaux-arts, d'art populaire et de design moderne, Robert et Ruth Vogele ont amassé une sélection impressionnante d'œuvres au cours de leurs plus de soixante années de mariage. Plus que des mécènes, les Vogeles croyaient en l'établissement de relations personnelles avec les artistes afin de mieux comprendre l'œuvre d'art et d'éclairer leur collection. Robert est connu pour dire que "l'art enrichit la vie". Le Chicagoan Robert Vogele (1928-2018) était un concepteur dans une ville célébrée pour des vagues d'architecture et de design déterminantes. Cofondateur de VSA Partners, un cabinet de conseil en design et une agence de création désormais également présents à San Francisco et à New York, il a reçu une médaille de l'American Institute of Graphic Arts (AIGA) en 2011. On ne peut parler de Robert sans évoquer Ruth, son épouse et partenaire dans la collection d'estampes, de sculptures et de peintures modernes du milieu du siècle. Ensemble, ils ont dû former une équipe redoutable, portant la double armure du dynamisme (Robert) et du charme (Ruth). Ensemble, ils se sont liés d'amitié avec des artistes et les ont soutenus, se rendant dans des studios et des centres d'artisanat pour rencontrer et soutenir les créateurs. Pendant une cinquantaine d'années, le couple s'est lié d'amitié avec des artistes et a soutenu les arts, faisant des dons à des musées tels que l'Art Institute of Chicago et le Milwaukee Art Museum.
Mesures :
Encadré :
35,25 x 27,5 x 1,5 pouces
Œuvre d'art :
32.5 x 25 pouces
En savoir plus sur Ron Gorchov
"Mes peintures sont principalement le fruit de la rêverie et de la chance.
- Ron Gorchov, entretien avec Robert Storr et Phong Bui, septembre 2006
Né à Chicago en 1930, Ron Gorchov était un artiste américain connu pour ses œuvres d'art aux surfaces incurvées. L'artiste a contribué à lancer le mouvement des shaped canvas. Avec ses cadres en bois courbés et tendus de lin ou de toile, il jette un pont unique entre la sculpture et la peinture abstraite.
Les peintures à l'huile sur toile de Gorchov associent une ou deux formes biomorphiques colorées à des fonds de couleurs différentes. Les motifs de ces peintures ressemblent à des organismes vivants, racontant l'histoire du début d'un certain état de formation. Ces questions de forme et d'existence se matérialisent par l'utilisation de coups de pinceau audacieux, offrant des contrastes chromatiques.
L'artiste a accroché l'œuvre sur un châssis en toile de forme à la fois concave et convexe, semblable à des boucliers ou à des selles. Gorchov a utilisé la capacité de la forme courbe à attirer l'attention immédiate des spectateurs plus rapidement que le rectangle traditionnel. Alors que les peintures elles-mêmes jouent avec la symétrie et l'asymétrie, les bords déformés des toiles de Gorchov créent de nouvelles dimensions et profondeurs, désorientant la perception du public.
Les châssis en forme de selle de Gorchov, caractéristiques et affirmés, ont été créés à la fin des années 1960 comme une alternative au formalisme greenbergien omniprésent à l'époque, comme en témoigne la prédominance de la sculpture minimaliste. Il crée sa première œuvre en toile façonnée dans le Studio de Mark Rothko. Il appartient à une génération d'artistes new-yorkais des années 1960 et 1970, parmi lesquels Frank Stella, Richard Tuttle, Blinky Palermo...
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