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Brice MardenGravure du studio de Brice Marden (signée à la main par Brice Marden), photo de Nan Goldin1996
1996
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À propos de cet article
Le Studio de Brice Marden
Affiche lithographique offset (signée à la main par Brice Marden en 2015)
Cette estampe a été publiée à l'occasion de l'exposition de Brice Marden en 1996 à la Matthew Marks Gallery à Chelsea, New York. L'image est basée sur la photographie de Nan Goldin de 1995 montrant Marden en train de travailler dans son Studio. L'estampe a été signée par Brice Marden pour le propriétaire actuel.
Un objet de collection lorsqu'il est signé à la main !
Accompagné d'un certificat de garantie délivré par la présente galerie.
À propos de Brice Marden :
En fin de compte, je me sers de la peinture comme d'une caisse de résonance pour l'esprit. . . . On peut peindre et aller dans un endroit où la pensée s'arrête, où l'on peut simplement être et où tout sort tout seul. . . . Je la présente comme une situation ouverte plutôt que comme une situation fermée.
-Brice Marden
Brice Marden (1938-2023) a continuellement raffiné et étendu les traditions de l'abstraction lyrique. Expérimentant les règles, les limites et les processus qu'il s'impose et s'inspirant de ses nombreux voyages, Marden a réuni les formulations diagrammatiques du minimalisme, l'immédiateté de l'expressionnisme abstrait et le geste intuitif de la calligraphie dans son exploration du geste, de la ligne et de la couleur.
Né à Bronxville, New York, Marden a obtenu un MFA à l'école d'art et d'architecture de l'université de Yale, où il a notamment enseigné aux peintres Alex Katz et Jon Schueler. Après avoir obtenu son diplôme, il a travaillé comme gardien au Musée juif de New York. C'est là, lors d'une rétrospective de Jasper Johns en 1964, que Goya a étudié en profondeur les premières œuvres de Johns et les a mises en relation avec les maîtres baroques qu'il admire depuis longtemps, tels que Francisco de Zurbarán, Francisco Goya et Diego Velázquez. Les peintures de Marden des années 1960 comprennent des monochromes subtils et chatoyants dans des tons gris, parfois assemblés en œuvres à plusieurs panneaux, d'une manière similaire aux peintures noires et aux White Paintings de Robert Rauschenberg, qui a embauché Marden en tant qu'assistant de studio en 1966.
Un voyage en Grèce au début des années 1970 a conduit Marden à créer les peintures Hydra (1972), qui capturent les teintes turquoise de la Méditerranée, et Thira (1979-80), une peinture composée de dix-huit panneaux interconnectés inspirés par les ombres et la géométrie des temples antiques. Pour accentuer l'effet de chaque couleur, de chaque plan et de chaque coup de pinceau, Marden a mis au point un procédé unique consistant à ajouter de la cire d'abeille et de l'essence de térébenthine à la peinture à l'huile et à appliquer le mélange en plusieurs couches minces. Marden a employé cette technique pour les peintures du Grove Group (1972-76) - exposées à la galerie Madison Avenue de Gagosian à New York en 1991, avec des œuvres apparentées - et les peintures Red Yellow Blue (1973-74) - cinq permutations du trio primaire - qui ont été réunies pour la première fois depuis leur Making chez Gagosian, 980 Madison Avenue, New York, en 2013.
Dans les années 1980, Marden a commencé à incorporer des lignes organiques qui se croisent, créant des motifs rythmiques sur des champs de couleur. En explorant ces lignes sinueuses, il a expérimenté l'espace vide, l'effacement et les références au monde naturel. Il a cherché à créer une expérience mystique en créant des espaces abstraits insaisissables. Au fur et à mesure que ses nombreux thèmes et techniques se chevauchent, Marden les rassemble dans des œuvres cohérentes, souvent en plusieurs parties, qu'il a décrites comme ses "peintures de synthèse". Parmi elles, The Propitious Garden of Plane Image, Third Version (2000-06), conservée dans la collection du Museum of Modern Art de New York, qui lui a consacré sa première rétrospective complète en 2006.
Dans les dernières années de sa vie, Marden a continué à explorer les qualités du monochrome. Cet engagement avec les couleurs sourdes a informé ses dessins calligraphiques et ses œuvres sur toile, telles que les peintures de Steele (2007-15), inspirées par des sculptures de pierre chinoises de la fin du huitième siècle. En 2017, il a tourné son regard vers les possibilités expansives de la terre verte, un pigment d'argile à base de silicate de fer, qu'il a utilisé pour la première fois dans le Grove Group. Ces peintures intègrent de nombreuses marques différentes de terre verte, chacune étant une variation de cette teinte indéfinissable. Marden dilue sa peinture à séchage lent et l'applique progressivement sur la toile en plusieurs couches successives, laissant un résidu visible du processus de peinture sur le bord inférieur de chaque toile.
Avec l'aimable autorisation de la Gagosian Gallery
À propos de Nan Goldin :
L'appareil photo fait partie de ma vie quotidienne au même titre que parler, manger ou faire l'amour.
-Nan Goldin
Émergeant de la vie et des relations de l'artiste, et s'incluant elle-même comme sujet, le travail de Nan Goldin a transformé le rôle de la photographie dans l'art contemporain. Ses photographies et ses images en mouvement abordent les thèmes essentiels de l'identité, de l'amour, de la sexualité, de la dépendance et de la mortalité. Alliant art et militantisme, Goldin s'est attaquée à l'épidémie de VIH/sida dès les années 1980 et attire aujourd'hui l'attention de la communauté internationale sur la crise des overdoses.
Née à Washington, DC, en 1953, Goldin a grandi dans les environs de Boston. Elle quitte le domicile familial à l'âge de quatorze ans et s'inscrit à seize ans à la Satya Community School de Lincoln, dans le Massachusetts, où elle acquiert son premier appareil photo. Les premières photographies en noir et blanc de Whiting, qui traduisent la beauté, la vulnérabilité et la joie de ses amis de la communauté transgenre de Boston, ont fait l'objet de sa première exposition personnelle en 1973 au Project, Inc. de Cambridge, dans le Massachusetts. Après avoir fréquenté l'école du musée des beaux-arts de Boston à partir de 1974, elle a commencé à travailler principalement avec des tirages Cibachrome et des diapositives 35 mm, prenant des photographies aux couleurs saturées.
Installée à New York en 1978, Goldin a commencé à documenter les membres de sa famille d'élection dans un milieu de clubs de la Nouvelle Vague, de cinéma No Wave et de culture gay post-Stonewall. Saisissant des moments de fête et d'amitié, d'intimité et de perte, elle a intitulé cet ensemble d'œuvres La ballade de la dépendance sexuelle, d'après une chanson de L'opéra de quat'sous (1928) de Kurt Weill et Bertolt Brecht. En constante évolution, il est devenu une présentation multimédia de près de sept cents diapositives accompagnées d'une bande sonore éclectique. D'abord projetée dans les boîtes de nuit, elle a fait partie du Times Square Show en 1980, de la Biennale de Whitney en 1985 et d'innombrables autres expositions dans les musées du monde entier. Il a été publié par Aperture en 1986 comme le premier des nombreux livres de Goldin et a été récemment réédité pour la vingt-et-unième fois.
Goldin documente sans détour les luttes et le courage qui ont défini la réponse de sa communauté à l'épidémie dévastatrice du sida. En 1989, elle a organisé Witnesses : Against Our Vanishing à l'Artists Space de New York, la première exposition présentant les œuvres d'artistes vivant avec le sida ou en étant morts, ou dont l'art réagit à la maladie, notamment David Armstrong, Peter Hujar, Greer Lankton et David Wojnarowicz.
Ces dernières années, Goldin s'est concentrée sur la lumière naturelle, le ciel et les paysages dans des œuvres qui explorent la spiritualité et la mortalité. Ses portraits sont des photographies d'individus et de couples, d'enfants et de familles prises sur de longues périodes ; d'autres séries illustrent des pièces vides avec des traces palpables de présence humaine. Présentées sous forme d'images projetées, de grilles à grande échelle de tirages multiples, de tirages uniques et de livres, les photographies de Goldin fonctionnent en séquence narrative avec des relations thématiques les unes avec les autres.
I'll Be Your Mirror, une rétrospective de l'œuvre de Goldin à mi-carrière, a été organisée par le Whitney Museum of American Art, à New York, en 1996, et a voyagé dans toute l'Europe. Collaboration avec Edmund Coulthard, Goldin a réalisé en 1996 le film documentaire I'll Be Your Mirror, qui propose une exploration autobiographique de son travail et des entretiens avec ses amis proches et ses sujets. La rétrospective Le Feu Follet a suivi en 2001, inaugurée au Centre Pompidou, à Paris, et a fait l'objet d'une vaste tournée.
En 2010, le Musée du Louvre, à Paris, a commandé Scopophilia, permettant à Goldin de prendre des photos de sa collection, qu'elle a associées à des photographies prises tout au long de sa carrière afin d'explorer la fluidité du genre et la constance du désir. Un diaporama majeur récent, Memory Lost (2019-21), dont la partition est signée par la compositrice Mica Levi, avec des musiques additionnelles de CJ Calderwood et Soundwalk Collective, relate un récit obsédant et émotionnel composé d'outtakes tirés de ses archives de milliers de diapositives.
En 2017, Goldin a fondé P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now) en réponse à la crise des overdoses. Le groupe met en scène des actions publiques directes pour demander des comptes à Bigli et dénoncer la complicité des institutions qui acceptent ce type de financement. Ces protestations ont conduit au retrait du nom Sackler du British Museum, du Solomon R. Guggenheim Museum, du Musée du Louvre, du Metropolitan Museum of Art, des Serpentine Galleries, de la Tate et d'autres musées et universités. P.A.I.N. promeut les traitements vitaux pour les personnes qui consomment des drogues et plaide en faveur d'une politique publique de réduction des risques.
This Will Not End Well, une rétrospective centrée sur les diaporamas et les installations vidéo de Goldin, a été organisée par le Moderna Museet, à Stockholm, en 2022 et voyagera au Stedelijk Museum d'Amsterdam, à la Neue Nationalgalerie de Berlin et au Pirelli HangarBicocca de Milan, avant de venir aux États-Unis. All the Beauty and the Bloodshed (2022), un film réalisé par Laura Poitras sur lequel Goldin a collaboré, entremêle les récits de la vie, de l'œuvre et de l'activisme de l'artiste. Il a reçu le Lion d'or à la 79e Mostra de Venise et le prix du meilleur documentaire à la 38e édition des Independent Spirit Awards. Il a également remporté le prix du meilleur documentaire décerné par l'association des critiques de cinéma à New York, Londres, Los Angeles et Toronto. Le film a été nominé pour le meilleur documentaire aux BAFTA Film Awards et à la 95e cérémonie des Oscars.
Avec l'aimable autorisation de la Gagosian Gallery
- Créateur:Brice Marden (1938, Américain)
- Année de création:1996
- Dimensions:Hauteur : 26,67 cm (10,5 po)Largeur : 43,18 cm (17 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745214019762
Brice Marden
Le célèbre artiste américain Brice Marden a travaillé pendant des décennies en mode abstrait , créant de luxuriantes peintures monochromes à panneaux multiples et des carnets remplis de dessins envoûtants qui sont imprégnés du lyrisme de la calligraphie. Il est considéré comme un maître du minimalisme .
"En fin de compte, je me sers du tableau comme d'une caisse de résonance pour l'esprit", a déclaré Marden. "Vous pouvez peindre et aller dans un endroit où la pensée s'arrête - où vous pouvez juste être et cela sort tout simplement".
Marden a obtenu son BFA à Boston University College of Fine Arts en 1961 et son MFA à Yale University's School of Art en 1963. Par la suite, la native de Bronxville, New York, est retournée vivre à New York. C'est là qu'il a découvert l'œuvre de Jasper Johns alors qu'il travaillait comme gardien au Jewish Museum et plus tard l'art de Robert Rauschenberglorsqu'il est devenu l'assistant du studio de Rauschenberg.
Outre ces artistes emblématiques et le mouvement expressionniste abstrait , les inspirations de Marden étaient nombreuses et variées : voyages dans les îles d'Hydra en Grèce à partir du début des années 1970 (il y a gardé une maison), maîtres baroques comme Francisco Goya et sculptures en pierre chinoises de la fin du huitième siècle. Chacune de ces influences a marqué un tournant dans la carrière de Rever, qu'il s'agisse de créer une série de peintures révérées ou d'incorporer une nouvelle technique ou approche dans une pratique qui évoluait déjà depuis des années.
Marden est également connu pour avoir expérimenté les outils qu'il utilisait pour peindre ses réseaux de lignes colorées et rythmées. Parfois, il remplace les pinceaux par des bâtons dont il trempe l'extrémité dans l'encre, réalisant ainsi des œuvres d'art qui font référence à la calligraphie chinoise. À ses débuts, Marden était également connu pour peindre avec des spatules de cuisine. Son attachement au geste et à la ligne était au cœur de sa pratique.
Les œuvres de Marden figurent dans les collections du Tate Britain, du Art Institute of Chicago, du National Gallery of Art à Washington, D.C., et d'autres institutions.
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