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Roy De Forest
Roy De Forest, lithographie de chiens, signée/n par un peintre californien de renommée mondiale
1981

Name: Roy De Forest, lithographie de chiens, signée/n par un peintre californien de renommée mondiale
Brand: Roy De Forest
Price: 2695.02 AUD
Availability: InStock
Rating: 5 (62 reviews)

À propos de cet article

Roy De Forest Sans titre (chien), 1981 Lithographie en couleur avec des bordures en relief. Flotté et encadré. Crayon signé et numéroté de l'édition de 125 exemplaires Cadre inclus : maintenu dans le cadre blanc vintage d'origine Merveilleuse lithographie fantaisiste de 1981 du très populaire et très aimé Roy de Forest, célèbre pour ses peintures et ses gravures de chiens, et l'un des chefs de file du mouvement artistique funk californien, qui a développé un culte de fans, d'adeptes et de collectionneurs incroyablement loyaux. Un cadeau d'art mémorable pour tout amoureux des chiens. Mesures : Feuille : 30" x 22" Encadré : 35 1/4" x 26 3/4" Il se trouve dans le cadre original de 1981. A propos de Roy De Forest : Roy De Forest est né en 1930 à North Platte, dans le Nebraska, et a grandi dans la vallée de Yakima, dans l'État de Washington. En 1950, il s'installe à San Francisco pour suivre les cours de la California School of Fine Art, où il étudie avec des peintres comme Elmer Bischoff, Edward Corbett, David Park et Hassel Smith, dont les séminaires du soir ont été particulièrement influents pour De Forest et ses pairs. Cette deuxième génération de peintres expressionnistes abstraits comprenait Robert Morris, Sonia Gechtoff, Seymour Locks et Deborah Remington, et formait le noyau des espaces alternatifs gérés par des artistes, tels que la Ubu Gallery et, plus tard, les Six Gallery, Spasta et Batman Galleries, qui ont ouvert leurs portes à San Francisco au cours des années 1950. Alors que De Forest obtient son BA en 1953, il est rapidement appelé sous les drapeaux pour servir pendant la guerre de Corée, stationné à Washington comme peintre d'enseignes pendant deux ans. De retour à San Francisco en 1955, il poursuit son travail abstrait tout en exposant dans le milieu de ses anciens camarades de classe. Il a obtenu son MFA à l'université d'État de San Francisco en 1956, mais un accident de travail en 1958 l'a poussé à accepter un poste d'enseignant au Yakima Junior College, son alma mater. De retour à Washington, De Forest commence rapidement à expérimenter la sculpture, des constructions peintes qu'il appelle "Boardisms". Cependant, l'utilisation de techniques mixtes et d'acryliques dans ses peintures, notamment ses points de peinture en relief caractéristiques, et des compositions plus complexes sur le plan formel ont indiqué la direction que prendrait son art. Sa passion pour les romans de gare et la poésie lui a inspiré des titres fantaisistes et évocateurs pour ses peintures et ses sculptures qui, dès 1960, commençaient à inclure des éléments narratifs et figuratifs. C'est cette même année que De Forest est retourné dans la région de la baie et a organisé sa première exposition à la Dilexi Gallery, lieu influent de San Francisco qui a joué un rôle déterminant dans la promotion de la carrière de nombreux artistes de Californie du Nord dans les années 1960 et 1970. Au cours des années suivantes, De Forest établit son style vibrant et collage ainsi qu'un panthéon de personnages qui continueront à peupler son œuvre, tels que les hommes-briques, les diables, les bateaux, les ermites, les chevaux, les femmes blondes et, surtout, les chiens. En 1965, il a été engagé pour enseigner à l'université de Californie, à Davis, où ses amis proches Robert Arneson et William AT&T faisaient déjà partie de la faculté. L'environnement non structuré et la camaraderie entre les étudiants et les professeurs se sont révélés une source d'inspiration pour de nombreux artistes de l'époque, dont De Forest. Bien qu'il ait participé à l'exposition Funk au Berkeley Art Museum en 1967, c'est l'ensemble des artistes - dont beaucoup sont affiliés à l'UC Davis - qui ont inventé le terme "Nut Art" qui a été le plus déterminant pour l'identité de De Forest en tant qu'artiste. Considéré comme un non-style à contre-courant, en désaccord avec l'élitisme perçu des mouvements artistiques contemporains, le "Nut Art" n'avait pas de définition esthétique particulière au-delà de l'individualisme de l'artiste. Ses membres, parmi lesquels Arneson, Clayton Bailey, Richard Shaw, David Gilhooly, David Zack et Maja Peeples-Bright, ont décrit leur invention comme "le génie fou qui sommeille en chacun de nous", où "le travail d'un fou particulier et excentrique peut véritablement être qualifié d'"art du fou"". Le génie fou de De Forest combinait la mythologie grandiose de l'Ouest américain avec une introspection érudite. Dans la plupart de ses œuvres, le récit est celui d'un voyage, généralement sur l'eau ou dans les montagnes, en bateau, en avion ou à pied. Cependant, le voyage peut aussi être métaphorique, de découverte de soi ou d'illumination ; les fenêtres sont un motif commun, en tant que dispositif de médiation ou portail physique entre les espaces picturaux. Malgré la nature apparemment fantaisiste de son travail, De Forest puisait dans un large éventail de sources et connaissait bien l'histoire de l'art - un jeu de longue date avec son collègue Wayne Thiebaud consistait à s'interroger mutuellement sur les noms d'artistes obscurs. M. De Forest a qualifié l'art d'"un des derniers bastions de la magie" et a décrit ses mondes fantastiques richement colorés et texturés comme "inconnaissables [bien que] obsédants et familiers". Malgré sa nature excentrique, au début des années 1970, il gagne l'attention nationale et est représenté dans des galeries à San Francisco et à New York. Sa première grande exposition dans un musée a été une rétrospective de mi-carrière en 1974 au San Francisco Museum of Art, qui a été présentée au Fort Worth Art Center (Texas), au Utah Museum of Fine Arts (Salt Lake City) et au Whitney Museum of American Art (New York). Alors que De Forest avait généralement abandonné la sculpture au profit de la peinture, il continua à fabriquer des cadres de plus en plus élaborés pour ses peintures et ses dessins. Les dessins, en particulier, étaient souvent dotés d'encadrements très décoratifs, modelés et peints, dont la complexité s'est accrue au cours des années suivantes. Au début des années 1980, cependant, il a recommencé à expérimenter la sculpture, bien que ces dernières pièces aient plus de points communs avec ses peintures qu'avec les constructions abstraites de la fin des années 1950 et du début des années 1960. Une grande partie de son travail, à partir du début des années 1990, relève plus de la construction que de la peinture seule ; au-delà des cadres eux-mêmes, il y a des éléments figuratifs dimensionnels et ses toiles ont tendance à prendre des formes peu orthodoxes. Sa sculpture tardive a culminé avec une série de bancs pour chiens : des sculptures fonctionnelles coulées et polychromes représentant, comme on pouvait s'y attendre, des chiens. De Forest s'est retiré de Davis et de l'enseignement en 1992, bien qu'il ait continué à travailler et à exposer jusqu'à sa mort en 2007. De Forest a beaucoup exposé au cours de sa vie et a connu le succès tant sur la côte est que sur la côte ouest. Il a fait l'objet de deux grandes rétrospectives, la première en 1974 qui a voyagé à l'échelle nationale et la seconde, posthume, en 2017, organisée par le Oakland Museum of California. Il a reçu plusieurs bourses et prix importants, notamment une bourse de la National Endowment for the Arts en 1972 et un doctorat honorifique du San Francisco Art Institute en 1983. Ses œuvres figurent dans de grandes collections publiques internationales, notamment le San Francisco Museum of Modern Art, le Whitney Museum of American Art, New York, l'Art Institute of Chicago, le Honolulu Museum of Art, le Philadelphia Art Museum, le Smithsonian American Art Museum, Washington, DC, le Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, et le Centre Georges Pompidou, Paris, France. -Avec l'aimable autorisation de la George Adams Gallery

Créateur:

Roy De Forest (1930 - 2007, Américain)

Année de création:

1981

Dimensions:

Hauteur : 89,54 cm (35,25 po)Largeur : 67,95 cm (26,75 po)Profondeur : 2,54 cm (1 po)

Support:

Lithographie

Mouvement et style:

Surréalisme

Période:

1980-1989

État:

n'a pas été examiné à l'extérieur du cadre d'époque mais semble être en bon état.

Adresse de la galerie:

New York, NY

Numéro de référence:

1stDibs : LU1745216146242

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