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R.B. KitajO'Neill accuse Faulkner de manque de loyauté et de soutien (Nancy et Jim Dine)1970
1970
À propos de cet article
Ronald B. (R.B.) Kitaj
Nancy et Jim Dine, ou O'Neill accuse Faulkner de manquer de loyauté et de soutien (Kinsman 40), 1970
Sérigraphie 16 couleurs avec collage et enduction sur différents papiers vélins
Signé à la main et numéroté au crayon 29/70 au recto. Le dos (qui est encadré) porte le cachet de Kelpra Studio.
Cadre inclus : maintenu dans le cadre métallique vintage d'origine
Très rare aux États-Unis. D'autres éditions de cette œuvre figurent dans les collections permanentes de grandes institutions comme le British museum, qui donne l'explication suivante : " L'artiste Jim Dine et sa femme Nancy étaient proches de Kitaj et de sa famille, surtout après la mort d'Elsi, la première femme de Kitaj, en 1969. Ils ont parfois séjourné chez les Dine dans leur ferme du Vermont pendant le deuxième séjour d'enseignement de Kitaj aux États-Unis. Dine et Heldly ont organisé une exposition commune au musée d'art de Cincinnati en 1973. Dans le catalogue, les deux artistes ont rédigé un "essai" perspicace l'un sur l'autre, Dine soulignant l'obsession de Kitaj pour tout ce qui touche à l'Amérique et au baseball... L'autre titre, "O'Neill accuse Faulkner de manquer de loyauté et de soutien", est visible sur l'œuvre elle-même et constitue manifestement une sorte de plaisanterie entre amis. Au fait, voyez-vous la façon dont les points de couleur sont placés sur les figures ? Kitaj faisait cela bien avant Baldessari qui l'a rendu célèbre ; c'est dire à quel point il était pionnier à l'époque.
Référencé dans le catalogue raisonné des estampes de Kitaj, Kinsman, 40
Publié et imprimé par Chris Prater de Kelpra Studio, Kentish Townes, Royaume-Uni.
Biographie de Ronald Brooks (RB) Kitaj
R.B. (Ronald Brooks) Kitaj est née en 1932 à Cleveland Ohio. Kitaj est l'un des peintres les plus en vue de son époque, en particulier en Angleterre où il a passé quatre décennies, de la fin des années 1950 à la fin des années 1990. Il est considéré comme une figure clé de la peinture contemporaine européenne et américaine. Bien que son travail ait été considéré comme controversé, il est considéré comme un maître dessinateur engagé dans l'art figuratif. Ses peintures et dessins très personnels reflètent son intérêt profond pour l'histoire, les idéologies culturelles, sociales et politiques et les questions d'identité.
Faisant partie d'une cohorte extraordinaire issue du Royal College of Art vers 1960, qui comprenait Peter Blake, Patrick CIRCA et David Hockney, Kitaj a été immédiatement considéré comme l'une de ses figures de proue. Le London Times a salué sa première exposition personnelle en 1963 comme un événement tant attendu et galvanisant : "Mr. R.B. La première exposition de Kitaj, maintenant qu'elle a enfin eu lieu, met en perspective toute la "nouvelle vague" de peinture figurative dans ce pays au cours des deux ou trois dernières années." En 1976, KItaj a été le commissaire de l'exposition The Human Clay, et dans l'essai qu'il a écrit pour cette exposition, il a proposé l'existence d'une "école de Londres" - une étiquette qui a collé à un groupe de peintres qui comprend Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Michael Andrews, et Kitaj lui-même. Can a "construit dans ma tête", comme il l'a admis, en espérant que cela puisse "devenir encore plus réel", un contexte dans lequel son art volontairement contrariant pourrait avoir un sens parfait. Plus tard, son concept de "diasporisme" - un art "pratiqué dans des conditions particulières de liberté historique et personnelle, de stress, de dislocation, de rupture et d'élan" par quelqu'un qui "vit et peint dans deux ou plusieurs sociétés à la fois" - a donné un sens plus spécifique au sentiment de malaise qui a toujours fait partie de l'œuvre de Kitaj.
Parmi les diverses distinctions qu'il a reçues, il a été élu à l'Académie américaine des arts et des lettres en 1982. En 1985, il est devenu le premier Américain depuis Sargent à être élu à la Royal Academy. De nombreuses expositions rétrospectives ont été organisées, notamment au Hirshhorn Museum, à Washington, D.C. ; à la Tate Gallery, à Londres, au Royaume-Uni ; au Los Angeles County Museum of Art, à Los Angeles, en Californie ; et au Metropolitan Museum of Art, à New York ; au Jewish Museum, à Berlin, en Allemagne ; au Jewish Museum, à Hambourg, en Allemagne ; et au Hambger Kunsthalle, à Hambourg. En 2001, la National Gallery de Londres a organisé une exposition personnelle de peintures intitulée R.B. Kitaj Dans l'aura de Cézanne et d'autres maîtres.
En 1997, Kitaj quitte Londres et s'installe à Los Angeles, où il passe ses journées à lire, à écrire et à se concentrer sur son "style tardif" dans son Yellow Studio à Westwood. Il est décédé à son domicile en 2007, une semaine avant son 75e anniversaire. Sa mort a été suivie de la publication du Second Diasporist Manifesto par Yale University Press, et de la célébration du don de ses archives à l'UCLA Library Special Collections avec des expositions au Skirball Cultural Center et à la Young Research Library de l'UCLA.
Biographie de Jim Dine
Jim Dine est né à Cincinnati, dans l'Ohio, en 1935. Il a étudié à l'université de Cincinnati pendant sa dernière année de lycée, puis a obtenu son baccalauréat en beaux-arts à l'université de l'Ohio en 1957. Dine s'installe à New York en 1959 où il devient une figure clé du mouvement Happenings. Son talent est rapidement reconnu, ce qui lui permet d'organiser sa première exposition personnelle à la Reuben Gallery, à New York, en 1960.
Bien que l'importance de Dine sur la scène artistique new-yorkaise l'ait amené à se lier d'amitié avec des figures du Pop Art telles que Claes Oldenburg et Roy Lichtenstein, ses œuvres s'éloignent des sujets traditionnels typiquement associés à ce mouvement. Au contraire, les objets quotidiens que Dine incorpore dans son art sont souvent des possessions personnelles, ce qui confère à ses œuvres un puissant sens de l'autobiographie. Sa concentration continue sur des objets favoris tels que les robes, les outils et les cœurs est devenue sa signature.
En 1967, Dine s'est installé en Angleterre avec sa famille où il a pratiqué l'art de la gravure et du dessin, qui a fait sa renommée. Après son retour aux États-Unis, le dessin de figurines est devenu la priorité de Dine. Durant cette période de sa vie, il a réalisé de nombreux Self-Portraits, ainsi que des représentations intimes de sa femme, Nancy. Dans les années 1980, Dine a commencé à produire des sculptures ; depuis lors, il a créé de nombreuses sculptures évocatrices en bronze, de la table à la taille monumentale, y compris un grand nombre de ses images emblématiques : Vénus, cœurs, outils, portraits, coquillages, perroquets, singes et chats.
Dine a fait l'objet d'expositions individuelles dans des musées d'Europe et des États-Unis, dont une rétrospective majeure au Whitney Museum of American Art en 1970, au Solomon R. Guggenheim Museum en 1999 et à la National Gallery of Art à Washington, C.C. en 2004.
-Avec l'aimable autorisation de Jonathan Novak
- Créateur:
- Année de création:1970
- Dimensions:Hauteur : 91,44 cm (36 po)Largeur : 60,96 cm (24 po)Profondeur : 1,27 cm (0,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Le tirage semble être en bon état ; il n'a pas été examiné en dehors de son cadre métallique vintage des années 1970. (Les cadres ne sont pas garantis). Il est vendu et expédié encadré.
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745213802082
R.B. Kitaj
Né Ronald Brooks Kitaj à Cleveland, dans l'Ohio, dans une famille américaine d'origine viennoise et russo-juive, R.B. Kitaj est un homme d'affaires de renom. Artistics (1932-2007) est largement considéré comme l'un des artistes les plus érudits et les plus complexes sur le plan iconographique du dernier demi-siècle ; il est par la suite considéré comme une figure clé du canon de l'art européen et américain. Ses œuvres expressives et figuratives combinent des aspects de la vie contemporaine avec des références historiques et sociopolitiques, la sexualité, l'auto-analyse et le mysticisme judéo-chrétien ancré dans la littérature du début du XXe siècle de Franz Kafka et de Walter Benjamin. Bien que son travail ait parfois été considéré comme controversé, il est indéniablement considéré comme un maître du dessin, attaché à l'art figuratif. Ses peintures, gravures et dessins très personnels reflètent son intérêt profond pour l'histoire, les idéologies culturelles, sociales et politiques et les questions d'identité. Enfant, il a suivi des cours d'art au Cleveland Museum of Art. Après avoir étudié à la Cooper Union de New York et à l'Académie des beaux-arts de Vienne, il a passé deux ans en Europe au service de l'armée américaine. Il a ensuite poursuivi ses études à la Ruskin School of Art de l'Université d'Oxford et au Royal College of Art de Londres. Inscrit à cette dernière en 1959, où il devient un ami proche de David Hockney, Patrick Caulfield et Allen Jones, il est d'abord identifié comme un pionnier du Pop Art, avant de se recontextualiser en tant que peintre de l'École de Londres aux côtés de contemporains admirés tels qu'Auerbach, Bacon, Freud et Kossoff. Kitaj est resté à Londres pendant 40 ans, jusqu'en 1997, date à laquelle il s'est installé à Los Angeles. Il est décédé à son domicile en 2007, une semaine avant son 75e anniversaire. Malgré son association précoce avec le Pop Art, Kitaj ne s'intéresse guère à la culture des médias de masse et travaille plutôt à partir de sources picturales et littéraires. Réputé pour son utilisation de références historiques intellectuellement stimulantes, le travail de Kitaj a souvent été inspiré par l'art français de la fin du XIXe siècle et par son identité juive. Ses peintures et ses gravures constituent un ensemble d'œuvres extraordinaires ; ces dernières fonctionnent comme un journal illustré de la vie d'un artiste, caractérisé par une quête de nouveaux sujets et de manières innovantes de les représenter. R.B. Kitaj reste l'un des artistes les plus influents depuis la fin des années 1950 et continue de lier son histoire personnelle à l'art contemporain à travers sa vision unique.
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