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Akira KitoPeinture à l'huile abstraite japonaise brute Akira Kito Diable et Rouge, 19631963
1963
À propos de cet article
Akira Kito, Japonais, 1925-1994
Diable et Roge
Huile sur toile
Titré, signé et daté 1963 au verso
Signé à la main en bas au centre
Dimensions : 32 x 12 3/4 in. (81.3 x 32.4 cm.), Cadre : 33 1/2 x 14 x 1 in.
Kito est né dans une famille d'artistes et a commencé à peindre à l'âge de 16 ans. En 1943, il entre à l'École nationale des beaux-arts de Tokyo, où il se spécialise dans l'art occidental, contre la volonté de son père, lui-même peintre paysagiste traditionnel japonais.
Son grand-père était également un artiste qui s'appuyait sur les méthodes traditionnelles de l'art japonais, reconnues par la cour impériale du Japon. En 1953, Kito s'installe à Paris, en France, où il étudie à l'École des beaux-arts dans la "classe de Jean Souverbie", pratiquant le cubisme jusqu'en 1957. Pendant son séjour à Paris, il s'est engagé dans de nombreuses activités culturelles, fréquentant les studios d'avant-garde des quartiers de Montparnasse et de Saint-Germain-des-Prés. Son travail comprend divers éléments qui ressemblent à des visages humains, mais se caractérise par une magie qui lui est propre. Il a été influencé par le style naïf et audacieux des artistes Cobra, notamment Karel Appel et Pierre Alechinsky. Tout au long de sa carrière, l'œuvre de Kito a traversé une série de périodes en commençant par le cubisme. L'artiste est connu pour ses changements perpétuels de couleurs et de formes, cherchant et brûlant constamment d'un feu intérieur. À partir de 1954, il participe régulièrement à des expositions collectives au Salon de la Jeune Peinture, au Salon de Crest, au Salon Comparaisons, au Salon d'Automne, ainsi qu'au Musée Galleria, au Musée d'Évreux, au Musée d'Art Moderne de Paris et au Musée National d'Art Moderne d'Osaka, au Japon. En 1955, il organise sa première exposition personnelle à la Galerie LARA Vincy, une collaboration historique qui se poursuivra chaque année jusqu'en 1962.
Au cours des années 1958-1960, Akira Kitô a réussi une synthèse subtile et puissante entre des vocabulaires hétérogènes grâce à une technique maîtrisée et consommée. Qu'il peigne un Masque, une Japonaise ou un Dragon, il travaille dans une composition simple sur des fonds profonds, grattés et retravaillés. Des archétypes imaginaires, comme ceux que l'on retrouve à la même époque dans les œuvres de Joan Miro ou de Karel Appel. L'atmosphère est mystérieuse et magique. Rappelons à ce sujet que le nom de famille du peintre, Kitô, signifie en japonais "tête du diable". Les titres parlent d'eux-mêmes : Amulette, Rêve noir, Femme mythologique. Avec, de temps en temps, une note Origami. Il a ensuite exposé en Italie, au Luxembourg, au Danemark et, à partir de 1969, régulièrement au Japon. En 1970, il retourne au Japon pour poursuivre son travail jusqu'à sa mort en 1994. La sensibilité artistique de Kito a été profondément influencée par les maîtres de l'art primitif. Son œuvre est influencée par l'art brut, Paul Klee et Jean Dubuffet, ainsi que par l'artiste autrichien Friedensreich Hundertwasser, un ami avec lequel il a collaboré. Il fréquentait le musée de l'Homme et admirait les peintures rupestres de Lascaux et d'Altamira en Espagne. Ses œuvres sont exposées dans de nombreux musées, dont le Musée d'art moderne de Paris, le Centre Pompidou, le Musée d'art moderne de Tokyo, le Musée de Vienne en Autriche et le Fine Arts Museum of San Francisco aux États-Unis.
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Peinture à l'huile signée à la main
Dans cette peinture, Joseph Wolins utilise des couleurs vibrantes et complémentaires et des coups de pinceau brisés.
M. Wolins est né à Atlantic City, dans le New Jersey. Il a étudié à la National Academy of Design de 1935 à 1941 sous la direction de Leon Kroll. Il a également étudié en Europe en et a été particulièrement influencé par les peintres italiens Piero della Francesca, Mantegna et Giotto. Son œuvre est également marquée par l'influence du cubisme et du surréalisme.
L'exposition de Paris de 1937 a offert une occasion unique d'étudier la peinture européenne moderne. Artistics était l'un des artistes de la région de New York associés à la WPA. Projet artistique, 1935-1941. Considéré comme un "artiste de l'artiste", il a poursuivi ses essais et expérimentations en peinture pendant les cinq années suivantes, ce qui l'a amené à participer à des expositions collectives. Wolins a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives (la première exposition individuelle a eu lieu à la Contemporary Art Gallery de New York, en 1947). Il a également exposé à l'Exposition universelle...
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La première exposition de ses œuvres a eu lieu en 1946 à la galerie Katia Granoff à Paris.
Après la guerre, Krol se lance dans la gravure, qu'il étudie avec un graveur rencontré à Paris. Krol a reflété son enfance hassidique en utilisant souvent des thèmes bibliques dans ses œuvres d'art.
Il a dit : " Pendant toutes mes années d'enfance, j'ai lu la Bible sans fin. Je suis revenu à la Bible parce que j'y étais sur un terrain solide. Cela faisait partie de l'affirmation de ma propre vérité après une période de complaisance. Il me semblait qu'en peinture ou en gravure, il y avait tant d'écueils à éviter, tant de possibilités d'échec, que je devais mettre toutes les chances de mon côté pour faire ce que je pouvais - dire ce que j'avais à dire.
Krol a illustré plus de 20 œuvres littéraires de la fin des années 1940 aux années 1960. Il a également gravé des médailles pour l'hôtel des monnaies de Paris et peint des peintures murales pour des écoles en France. Il a conçu des tapisseries et peint environ 200 émaux. Parmi les musées et les bibliothèques qui possèdent des œuvres de Krol figurent la Bibliothèque nationale de Paris, le Victoria and Albert Museum de Londres, le British Museum, la Houghton Library de Harvard, la Bodleian Library d'Oxford et le Palace of the Legion of Honor de San Francisco. Krol a présenté de nombreuses expositions personnelles en Europe, au Brésil et en Californie. En 1960, Krol est invité à la Biennale de Venise. Il a reçu le prix de la critique en 1958. Il a également remporté le prix Feneon, entre autres distinctions. Krol est décédé le 9 octobre 2001.
L'Ecole de Paris n'est pas un mouvement ou une institution artistique unique, mais fait référence à l'importance de Paris en tant que centre de l'art occidental dans les premières décennies du 20e siècle. Entre 1900 et 1940, la ville a attiré des artistes du monde entier et est devenue un centre d'activité artistique. L'expression "école de Paris" a été utilisée pour décrire cette communauté informelle, en particulier d'artistes non français, centrée sur les cafés, les salons et les espaces de travail et galeries partagés de Montparnasse. Avant la Première Guerre mondiale, un groupe d'expatriés à Paris a créé des œuvres d'art dans les styles du post-impressionnisme, du cubisme et du fauvisme. Le groupe comprenait des artistes tels que Pablo Picasso, Marc Chagall, Amedeo Modigliani et Piet Mondrian. Parmi les artistes français associés, citons Pierre Bonnard, Henri Matisse, Jean Metzinger et Albert Gleizes.
L'expression "École de Paris" a été utilisée en 1925 par André Warnod pour désigner les nombreux artistes d'origine étrangère qui avaient migré à Paris. Le terme s'est rapidement imposé, souvent comme une étiquette péjorative pour les critiques qui voyaient dans les artistes étrangers - dont beaucoup étaient juifs - une menace pour la pureté de l'art français. Le critique d'art Louis Vauxcelles, connu pour avoir inventé les termes "fauvisme" et "cubisme", Waldemar George, lui-même juif français, a déploré en 1931 que le nom d'École de Paris "permette à n'importe quel artiste de prétendre qu'il est français. il se réfère à la tradition française mais l'anéantit au contraire".
Les artistes travaillant à Paris entre la Première et la Seconde Guerre mondiale ont expérimenté différents styles, dont le cubisme, l'orphisme, le surréalisme et DADA. Parmi les artistes étrangers et français travaillant à Paris, citons Jean Arp, Joan Miro, Constantin Brancusi, Raoul Dufy, Tsuguharu Foujita, des artistes biélorusses comme Michel Kikoine, Pinchus Kremegne et Jacques Lipchitz, l'artiste polonais Marek Szwarc et d'autres comme le prince d'origine russe Alexis Arapoff.
Un sous-ensemble important, les artistes juifs, est connu sous le nom d'École juive de Paris ou d'École de Montparnasse. Les membres du noyau dur étaient presque tous juifs, et le ressentiment exprimé à leur égard par les critiques français dans les années 1930 était incontestablement alimenté par l'antisémitisme. Les membres juifs du groupe comprenaient Emmanuel Mané-Katz, Chaim Soutine, Adolphe Féder, Chagall, Moïse Kisling, Maxa Nordau...
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