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Alexander LibermanGrande peinture moderniste Alexander Liberman Contemporary Mixed Media Painting Svet III1984
1984
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À propos de cet article
Alexander Liberman (1912-1999) : Svet III
Technique mixte sur panneau, 1984, signée 'Alexander Liberman' et datée en bas=.
Signé à la main, titré et daté au verso.
92 x 90 in. (total), Cette pièce n'est pas encadrée comme prévu.
Exposé : Andre Emmerich Gallery, NY, Alexander Liberman : Recent Work, 1986.
Provenance : Andre Emmerich Gallery, NY ; The Abrams Family Collection.
Harry N. Harris et son fils Robert ont amassé une collection de beaux livres d'art et de livres illustrés d'une industrie dont ils ont été les pionniers. Isamu Noguchi, Alex Katz, Bob Thompson, Marisol, Chryssa, Tom Wesselmann, Robert Indiana, Fernando Botero, Marisol, John Wesley, Kenneth Noland, Christo, Lee Bontecou, Dan Christensen, Arman et bien d'autres encore. La collection retrace une histoire remarquable et audacieuse de l'art contemporain : il n'y avait pas de limites esthétiques à leur collection en termes d'abstraction ou de figuration, de genre, de lignes directrices raciales ou nationalistes - au lieu de cela, le facteur unificateur suprême était avant tout la qualité.
Alexander Semyonovitch Liberman (1912 - 1999) était un éditeur de magazine ukraino-américain, un éditeur, un peintre (peinture à l'huile et lithographie), un photographe et un sculpteur. Il a occupé des postes artistiques de haut niveau pendant les 32 années qu'il a passées aux publications Condé Nast.
Alex Lieberman est né dans une famille juive à Kiev. Lorsque son père a accepté un poste de conseiller auprès du gouvernement soviétique russe, la famille a déménagé à Moscou. La vie y devient difficile et son père obtient de Lénine et du Politburo la permission d'emmener son fils à Londres en 1921. Le jeune Alexander Lieberman a fait ses études en Ukraine, en Angleterre et en France, où il a commencé à vivre comme un "émigré blanc" à Paris.
Il commence sa carrière d'éditeur à Paris en 1933-1936 avec le premier magazine pictural Vu, où il travaille sous la direction de Lucien Vogel en tant que directeur artistique, puis directeur de la rédaction, travaillant avec des photographes tels que Brassaï, André Kertész et Robert Capa.
Après avoir émigré à New York en 1941, il a commencé à travailler pour Condé Nast Publications, jusqu'au poste de directeur éditorial, qu'il a occupé de 1962 à 1994. Il a remodelé l'aspect et la mise en page de toutes les publications qu'il a touchées avec sa vision avant-gardiste. Il a orchestré, par exemple, l'utilisation de peintures expressionnistes abstraites de Jackson Pollock dans la célèbre séance photo de mode de Cecil Beaton. Ce n'est que dans les années 1950 que Liberman s'est mis à la peinture et, plus tard, à la sculpture sur métal. Ses sculptures en acier soudé et peint, très reconnaissables, sont assemblées à partir d'objets industriels (segments de poutres en I, tuyaux, fûts, etc.), souvent peints dans des couleurs vives et uniformes. Lors d'une interview en 1986 concernant ses années de formation en tant que sculpteur et son esthétique, Liberman a déclaré : "Je pense que de nombreuses œuvres d'art sont des cris, et je m'identifie aux cris."
Avant de trouver le succès dans la peinture et la sculpture, Liberman était photographe. À partir de 1948, il passe ses étés à visiter et à photographier une génération d'artistes européens modernes travaillant dans leurs studios, notamment Georges Brancusi, Henri Matisse, Maurice Utrillo, Marc Chagall, Marcel Duchamp, Constantin Brancusi et Pablo Picasso. Liberman a passé douze ans à traquer certains de ses artistes préférés et à les photographier dans leurs ateliers. Parmi les 24 créateurs présentés dans l'exposition figurent Alberto Giacometti, Fernand Léger, Jean Arp, Max Ernst et Jean Dubuffet. Et trois femmes : Natalia Goncharova, Marie Laurencin et Germaine Richier.
En 1959, le Museum of Modern Art de New York a exposé les photographies de Liberman d'artistes et de leurs ateliers. Un an plus tard, les images ont été rassemblées dans le premier livre de Liberman, The Artist in his Studio, publié par Viking Press (Kazanjian et Tomkins, 1993).
Prix
Médaille d'or pour le design, Exposition Internationale, Paris, 1937
Docteur en beaux-arts : Rhode Island School of Design, Providence, 1980
Publications
La Femme Française dans l'Art, 1936 (en français)
L'art et la technique de la photographie couleur : A Treasury of Color Photographs by the Staff Photographers of Vogue, House & Garden, Glamour, introduction d'Aline B. Louchheim, Simon & Schuster (New York), 1951.
The Artist in His Studio, préface de James Thrall Soby, Viking Press (New York), 1960, édition révisée, Random House (New York), 1988
(photographe) Greece, Gods, and Art, introduction de Robert Graves, commentaires d'Iris C. Love, Viking Press (New York), 1968
Painting and Sculpture, 1950-1970, Garamond Pridemark Press (Baltimore, Maryland), 1970. Par James Pilgrim et Alexander Liberman. Catalogue d'exposition pour la Corcoran Gallery of Art
Introduction au Vogue Book of Fashion Photography 1919-1979, par Polly Devlin (New York), 1979
Marlene : An Intimate Photographic Memoir, Random House (New York), 1992
(photographe) Campidoglio : Michelangelo's Roman Capitol, essai de Joseph Brodsky, Random House (New York), 1994
(photographe) Then : Photographs, 1925-1995, préface de Calvin Tomkins, sélection et mise en page de Charles Churchward, Random House (New York), 1995
Les travaux de Liberman sont conservés dans les collections suivantes :
Musée métropolitain d'art
Centre d'art Storm King
Musée et jardin de sculptures Hirshhorn
Parc de sculptures et musée de Pyramid Hill
(a) Gallery
Musée Guggenheim
Musée d'art d'Akron
Jardins et parc de sculptures Frederik Meijer
- Créateur:Alexander Liberman (1912 - 1999, Ukrainien)
- Année de création:1984
- Dimensions:Hauteur : 233,68 cm (92 po)Largeur : 228,6 cm (90 po)Profondeur : 2,54 cm (1 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38216211842
Alexander Liberman
Alexander Liberman était un artiste russo-américain connu pour ses sculptures en acier rouge et ses peintures géométriques caractéristiques, ainsi que pour ses 30 années passées à la tête de Condé Nast en tant que directeur éditorial.
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Signé de la main en bas à droite Lauro.
Provenance : Eleonore Austerer Gallery, San Francisco, CA
Dimensions de l'œuvre : 39,5 x 39,5 pouces, encadrée 44 x 44 pouces.
Roberto Artistics est un artiste britannico-suisse d'après-guerre et contemporain né en 1932.
Roberto Lauro est né en 1932 à Gorey Harbor, sur l'île de Jersey (Grande-Bretagne), d'une mère suisse, Rosa Ramseier, originaire d'Oberdiessbach / Emmental, en Suisse, et d'un père italien, Innocenzo Roberto Lauro, né à Mondovi, en Italie. En 1941, il s'installe en Suisse avec sa mère. De 1949 à 1953, il vit à Design/One (Suisse) où il fait un apprentissage d'imprimeur lithographe et offset et de graphiste à Thoune. C'est là qu'il a été initié à la théorie des couleurs de Johannes Itten par Hermann Obers à l'école des arts appliqués de Berne. De 1953 à 1955, il travaille comme imprimeur d'art en Norvège où il est influencé par la théorie des couleurs d'Edvard Munch. Ces œuvres portent l'influence de l'artiste russe Andre Lanskoy, du Tachisme et des artistes Karel Appel, Constant, Corneille, Christian Dotremont, Asger Jorn et Joseph Noiret.
En 1955-1956, il a travaillé comme imprimeur offset à Amsterdam (Pays-Bas). Visite de l'Instituut voor Kunstnijverheidsonderwijs. En 1957, il retourne à Gunten, en Suisse. C'est là qu'il a commencé à travailler la gravure et la peinture à l'huile. Il reprend ses études à l'école des arts appliqués de Berne. Il a été très marqué et influencé par l'art abstrait à l'occasion d'une grande exposition de Paul KIee. En 1958, il s'installe à Zurich où il travaille à temps partiel comme copiste offset, exécutant des commandes graphiques pour des agences de publicité. En 1962, il a passé son examen final de graphiste à l'école des arts appliqués de Zurich. En 1980, il commence à développer des objets picturaux tridimensionnels, la sculpture, en se détachant de la toile, en utilisant le métal comme support et comme espace de jeu pour la lumière et la couleur. En 1981, il se consacre à plein temps aux beaux-arts. Il passe les années suivantes à développer son talent considérable. Inspiré par la musique classique, dont le rythme, l'humeur et la légèreté forment la base des grandes oscillations et boucles de ses sculptures en métal laqué coloré...
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Signé à la main au recto
Cadre inclus : dans le cadre vintage d'origine avec l'étiquette de la galerie d'origine.
Unique en son genre
Provenance : The Parker Gallery 470, Boston, Mass (avec étiquette au verso)
Excellent travail expressionniste abstrait en techniques mixtes.
Mesures :
Image :
17" x 24"
Encadré :
24" x 28" x 1"
D'après Wiki :
Jack WOLFS (14 janvier 1924 - 18 novembre 2007) était un peintre américain du XXe siècle, surtout connu pour son art abstrait, ses portraits et ses peintures politiques. Jack WOLFS est né à Omaha, dans le Nebraska, le 14 janvier 1924, de Blanche et Everett L. Wolfe. Peu après sa naissance, sa famille déménage à Brockton, dans le Massachusetts. À 18 ans, WOLFS s'intéresse à l'illustration commerciale, qu'il poursuit à la Rhode Island School of Design (RISD). Cependant, lorsqu'il s'inscrit à la RISD en 1942, il développe un intérêt pour les beaux-arts et la peinture, inspiré par une exposition d'art moderne français. Il a décrit ce changement de direction en expliquant qu'"un jour, pour la première fois, j'ai vu une exposition d'art moderne français. C'est comme si j'avais été frappé par la foudre". Il s'est particulièrement intéressé au travail d'un certain nombre de modernistes européens, dont Rouault, Cézanne, Braque, Modigliani et Picasso[1]. Après son séjour à la RISD, il a obtenu un master en beaux-arts à l'école du musée des beaux-arts de Boston, dans le Massachusetts. À l'école du musée, Wolfe a étudié avec le célèbre expressionniste Karl Zerbe, un artiste d'origine allemande qui a été le professeur le plus influent et le plus important de l'école du musée jusqu'en 1953[2]. Après avoir obtenu son diplôme de l'école du musée, Wolfe a été représenté par la Margaret Brown Gallery à Boston, qui représentait également de nombreux autres artistes modernes d'avant-garde qui défiaient les goûts plus conservateurs des collectionneurs de la Nouvelle-Angleterre à l'époque, notamment György Kepes, Congur Metcalf, et Alexander Calder[3].
Représentation des carrières et des musées
Peinture de Jack WOLFS "Robin's Rock" 1962, 72" x 72"
Les œuvres de Jack Wolfe ont été reconnues très tôt par un certain nombre d'organisations et ont régulièrement fait l'objet d'expositions influentes, notamment le Carnegie International de 1955 au Carnegie Institute de Pittsburgh, PA, l'exposition itinérante New Talent in the USA de l'American Federation of Art en 1956-57, l'exposition Young America du Whitney Museum en 1957[4], l'exposition Selection du Boston Institute of Contemporary Art en 1957[5], ainsi que l'exposition annuelle de 1958 du Whitney Museum et l'exposition Forty Artists Under Forty en 1962-63[6].[En 1959, son Portrait d'Abraham Lincoln, largement acclamé, a fait le tour de l'Europe dans le cadre d'une exposition diffusée par l'Institute of Contemporary Art de Boston. En outre, son tableau Crucifixion...
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