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Marylyn DintenfassPeinture à l'huile pop art expressionniste abstraite moderniste de Marylyn Dintenfass2008
2008
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Provenance : Babcock Galleries (porte leur étiquette au verso.) signé au verso avec la signature du monogramme de l'artiste.
Marylyn Dintenfass (née en 1943) est une peintre, graveur et sculpteur américaine. Elle est principalement connue pour ses peintures à l'huile, qui utilisent une palette de couleurs dynamiques et un lexique d'images gestuelles pour explorer les dualités de l'expérience humaine et les plaisirs sensuels quotidiens.
Marylyn Dintenfass est née en 1943 à Brooklyn, New York, et a passé la plupart de ses premières années à Brooklyn puis à Long Island. Elle a fréquenté le Queens College, et a obtenu en 1965 une licence en Diptych Fine Arts. À cette époque, l'artiste travaille avec le peintre expressionniste abstrait John Ferren et le muraliste Barse Miller. Marilyn &New a exploré de nouveaux médias et a développé sa propre réaction à l'expressionnisme abstrait avec la couleur, la ligne et le geste. Steele a appris à apprécier un large éventail de matériaux, ce qui l'a conduit à réaliser d'importantes installations sculpturales composées de matériaux céramiques, d'acier, de plomb, de bois, de cire et d'une variété de pigments et d'époxydes.
Après une tournée des musées d'Amsterdam, de Paris et de Rome, l'artiste se rend à Jérusalem en 1966. Au cours de ce voyage, l'artiste travaille avec la peintre Ruth Bamberger, étudie la gravure et se mêle aux artistes et intellectuels de la ville. Le résultat fut la première commande architecturale de Design/One, la conception de la "Pop Op Disco", la première discothèque de Jérusalem. Cette commande lui a permis de travailler avec toute une série de matériaux et d'utiliser des formes, des surfaces, des textures, des couleurs et des lumières, autant d'éléments qui ont fusionné dans sa conscience et qui allaient devenir des composantes importantes de son vocabulaire visuel personnel parvenu à maturité. Dintenfass s'est également mariée et a fondé une famille au cours de ces années.
La critique d'art Meredith Mendelsohn écrit : "Dintenfass utilise des couleurs luxuriantes, des formes répétitives et une intensité gestuelle qui combine l'expressionnisme abstrait et le Pop Art."
Dintenfass travaille souvent avec de la peinture à l'huile sur des panneaux de bois fragmentés en parties de grille. "Après avoir terminé une peinture, écrit la conservatrice et critique Lilly Wei dans une étude sur l'œuvre de Dintenfass, celle-ci la démonte littéralement, traitant chaque panneau comme une entité distincte, échangeant les panneaux entre les œuvres dans un mélange esthétique à la recherche d'interactions et de relations de couleur et de forme qui satisfont son sens de l'excitation visuelle, déclenché par la frisson de la dissonance." Dans un entretien avec le critique Irving Sandler, Dintenfass parle de la grille comme d'une contrainte formelle nécessaire à la passion des marques gestuelles qu'elle contient. Joyce Robinson explique : "Dintenfass est avant tout un peintre, et la grille, avec sa référence et sa notion de parties modulaires, est restée au cœur de son entreprise artistique, fonctionnant comme une sorte de matrice apollinienne retenant les abstractions exubérantes et vivement colorées de cet artiste essentiellement dionysiaque."
Lilly Wei ajoute : "En fin de compte, cependant, Dintenfass est plus sensualiste que théoricien, et ses peintures doivent une grande partie de leur attrait à leur matérialité et à l'éblouissement de la couleur. Son éventail de teintes mûres, radieuses et saturées - une palette d'une magnifique diversité - peut être soyeux et nuancé, audacieusement exubérant ou fébrilement, fiévreusement discordant."
L'imagerie abstraite de l'artiste apparaît généralement dans ses œuvres sous la forme de diverses formes de rayures ou de cercles disposés sur des couches translucides de textures alternativement mates et brillantes. Lors d'une conversation avec le galeriste John Driscoll, Mme Dintenfass compare ces symboles à un langage antérieur à l'écriture, affirmant que son "travail est lié à la communication par le biais du canal viscéral". Enracinées dans l'autobiographie, les peintures de l'artiste examinent également le contraste entre ce qu'elle appelle le "micro" et le "macro". Parfois, les formes ressemblent à des cellules sous un microscope et à des visions du cosmos. Les thèmes de Dintenfass explorent les dualités des plaisirs quotidiens ; selon l'objectif d'une série, ses symboles peuvent évoquer des personnages, des bonbons, des roues de voiture ou la peinture elle-même.
Bien que connue pour ses peintures, Dintenfass a d'abord été reconnue pour ses installations sculpturales. Son utilisation innovante de techniques mixtes (céramique, époxy, cire, pigments, acier, plomb, bois, etc.) a transformé la compréhension de ce que pouvait être une œuvre d'art "céramique" et a fermement établi sa position et son influence parmi une génération d'artistes de techniques mixtes repoussant les définitions et les limites traditionnelles de l'objet et des matériaux pour créer de l'art moderne. Les résultats sont des reliefs architecturaux et des installations sculpturales propres à son style personnel, à la fois organique et structurel. À l'instar de ses peintures, Calle a développé un langage modulaire de symboles, des amalgames de lignes et de courbes, qu'elle combinait pour créer des langages pictographiques détaillés qui lui étaient propres, ce qu'elle a appelé des "alphabets organiques". Comme l'explique Ted Castle, "les idées sont des éléments furtifs, volés à la Matrix, afin d'être transformés par le génie humain en quelque chose d'imprévu - un poème, une peinture, un jeu de dominos, un téléviseur, une brique, une tuile, une tasse". Marylyn Dintenfass est passée maître dans la transformation des idées en une forme palpable."
Mme Dintenfass a également été chargée de créer de nombreuses installations à grande échelle, notamment pour le palais de justice supérieur de l'État du Connecticut, la gare routière de la 42e rue de l'autorité portuaire de New York, IBM à Atlanta, Charlotte et San Jose, le Federal Financial Building de Baltimore, l'université Ben Gourion en Israël, la Tagimi Middle School au Japon et son projet de 2010 (le plus important à ce jour) à Myers, en Floride, intitulé "Parallel Park".
"Parallele Park" est une œuvre d'art conçue pour les murs extérieurs du parking du Lee County Justice Center, d'une superficie de 2 800 m2. Les images de Dintenfass ont été agrandies à 10 fois leur taille originale à l'aide d'un logiciel de numérisation spécialisé, ce qui a permis d'obtenir 23 images, chacune de 10 mètres de haut sur 7 mètres de large, imprimées commercialement avec de l'encre d'archives sur du tissu Kevlar et installées sur les quatre façades de la structure du parking. Chaque panneau transforme le périmètre de la structure, créant une progression d'images changeantes et de motifs colorés, autant d'éléments clés représentés dans les peintures et les dessins de Dintenfass. Ces images et ces motifs rappellent les frises architecturales, les mosaïques et les fresques de l'Antiquité, du Moyen Âge et de la Renaissance, ainsi que les œuvres des premiers artistes modernes tels que les Synchromistes et les Futuristes italiens.
Les œuvres de Dintenfass ont fait l'objet de plus de 60 expositions nationales et internationales et de plus d'une douzaine d'expositions individuelles, notamment au Queens Museum of Art, au Katonah Museum, au Greenville County Museum of Art et au Mississippi Museum of Art - une exposition financée par la Fondation Andy Warhol. En 2008, son travail a été inclus dans l'exposition inaugurale du Museum of Arts and Design de New York.
Plus de 30 collections publiques possèdent des œuvres de Dintenfass, notamment le Museum of Fine Arts Houston, le Minneapolis Institute of Arts, le Cleveland Museum, le Detroit Institute of Arts, le Smithsonian American Art Museum et le Metropolitan Museum of Art de New York.
Dintenfass a été deux fois MacDowell Fellow, a reçu une New York Foundation for Arts Individual Artists Grant et deux National Endowment Project Grants. Elle a reçu la médaille d'argent à la première exposition internationale de Mino, au Japon, et le prix Ravenna au 45e Concorso Internazionale Della Ceramica D'Arte, à Faenza, en Italie. Elle a également été membre de la faculté de la Parsons School of Design à New York pendant dix ans. Elle figure dans le récent livre 100 New York Painters de Cynthia Maris Dantzig (Schiffer, 2006) et fait l'objet de la monographie Marylyn Dintenfass Paintings de Lilly &New, récemment publiée par Hudson Hills Press.
Cet artiste a reçu de nombreux honneurs dans le monde de l'art. En 1983, Dintenfass a reçu le prix Outstanding Achievement Award, Women in Design International Exhibition à San Francisco, CA. À Mino, au Japon, elle a reçu la médaille d'argent de la première exposition internationale de 1986. Plus récemment, en 2002-2003, elle est devenue membre du conseil d'administration du Museum of Ceramic Art de New York. En plus de ces honneurs, Dintenfass a été boursière de MacDowell et de la New York Foundation for the Arts Individual Artist Fellow. Le National Endowment for the Arts lui a également accordé deux bourses de projet. M. Dintenfass s'est également impliqué dans le monde universitaire. Elle a été professeur invité au National College of Art and Design en Norvège, Bezalel Academy of Art and Design en Israël, Sheridan College au Canada, ainsi que Hunter College à New York. En outre, Mme Dintenfass a occupé un poste de professeur à la Parsons School of Design (New York City) où elle a travaillé pendant 10 ans.
- Créateur:Marylyn Dintenfass (1943, Américain)
- Année de création:2008
- Dimensions:Hauteur : 30,48 cm (12 po)Largeur : 30,48 cm (12 po)Profondeur : 5,08 cm (2 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:bon. usure mineure.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215596282
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Tout afficherPeinture à l'huile expressionniste abstraite et moderniste moderne, cercles de couleur d'Edward Avedisian
Par Edward Avedisian
Edward Avedisian ( 1936-2007 )
12 X 8.5
Peinture à l'huile sur panneau de bois
Il n'est pas signé au recto. Il porte son nom au verso.
Provenance : Hudson, N.Y., succession du célèbre collectionneur d'art Albert Burnette Roberts (1932-2021).
Edward Avedisian (15 juin 1936, Lowell, Massachusetts - 17 août 2007, Philmont, New York) est un peintre abstrait américain qui s'est fait connaître dans les années 1960. Son travail a d'abord été associé à la peinture Color field et, à la fin des années 1960, à l'abstraction lyrique et à l'expressionnisme abstrait.
Il a étudié l'art à l'école du Musée des Beaux-Arts de Boston. À la fin des années 1950, il s'installe à New York. Entre 1958 et 1963, Avedisian a présenté six expositions personnelles à New York. En 1958, il expose d'abord à la Hansa Gallery, puis à trois reprises à la Tibor de Nagy Gallery et, en 1962 et 1963, à la Robert Elkon Gallery. Il a continué à exposer à la Robert Elkon Gallery presque chaque année jusqu'en 1975.
Au cours des années 1960, son travail a été largement visible dans le monde de l'art contemporain. Il rejoint la scène artistique dynamique de Greenwich Village, fréquente la Cedar Tavern sur la dixième rue, s'associe au critique Clement Greenberg et se joint à une nouvelle génération d'artistes abstraits, tels que Darby Bannard, Kenneth Noland, Jules Olitski et Larry Poons.
Avedisian fait partie des figures de proue qui ont émergé dans le monde de l'art new-yorkais au cours des années 1960. Cet artiste, qui a mélangé les couleurs chaudes du Pop Art avec les qualités froides et plus analytiques de la peinture Color Field, a joué un rôle déterminant dans l'exploration de nouvelles méthodes abstraites visant à examiner la primauté de l'expérience optique.
L'une de ses peintures a fait la couverture d'Artforum en 1969, ses œuvres ont été incluses dans l'exposition Op Art The Responsive Eye de 1965 au Musée d'art moderne et dans quatre expositions annuelles au Musée d'art américain Whitney. Ses peintures ont été largement recherchées par les collectionneurs et acquises par les principaux musées de New York et d'ailleurs. Il a été exposé dans des galeries de premier plan, telles que la Anita Shapolsky Gallery et la Berry Campbell Gallery à New York. Edward Avedisian était connu pour ses toiles aux couleurs vives et aux compositions audacieuses qui combinaient la rigueur du minimalisme, l'exubérance du pop art et les tons saturés de la peinture Color Field.
Roberta Smith du NYT écrit à propos d'Avedesian : "Edward Avedisian a contribué à établir la peinture abstraite aux couleurs vives, mais émotionnellement froide, qui a succédé à l'expressionnisme abstrait au début des années 1960. Cette jeune sommité a exploité des éléments du minimalisme, du pop et du color field painting pour créer des œuvres marquantes aux proportions épiques qui ont dynamisé la scène artistique new-yorkaise de l'époque." En 1996, Avedisian a exposé ses peintures des années 1960 à la Mitchell Algus Gallery, alors située à SoHO. Sa dernière exposition, dominée par des paysages récents, a eu lieu en 2003 à la galerie Algus, aujourd'hui à Chelsea.
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Grande peinture à l'huile expressionniste abstraite new-yorkaise colorée Joan Thorne, années 1980
Par Joan Thorne
Il s'agit d'une grande peinture à l'huile originale sur toile, colorée, audacieuse et vibrante, signée à la main et datée de 1989.
Il s'intitule Tango.
Joan Thorne (1943-) est une artiste new-yorkaise reconnue au niveau national et international. Une femme artiste de la troisième génération de l'expressionnisme abstrait qui a exposé ses œuvres au cours des 30 dernières années. Ses œuvres ont été exposées à la Corcoran Gallery of Art, à Washington, DC, à l'exposition annuelle du Whitney Museum, au Grand Palais à Paris, et à l'exposition fondatrice de Barbara Rose, American Painting : The Eighties de Barbara Rose à la Grey Gallery de l'Université de New York.
Ses récentes expositions à New York ont été commentées par le New York Times, Art in America, ArtNews et The New Criterion, entre autres. Son travail a été comparé à celui d'Elizabeth Murray travail. Il est coloré et a un air de Memphis Milano des années 1980.
Thorne a grandi à Greenwich Village. Sa mère était une immigrante ukrainienne issue d'une famille de musiciens, qui est devenue professeur d'anglais ; son père était chirurgien. Reconnaissant très tôt les talents artistiques de leur fille, ils l'ont inscrite à l'âge de six ans à la Little Red Schoolhouse sur Bleecker Street dans Greenwich Village. Fondée en 1921 par Elisabeth IRWIN, pionnière de la réforme de l'éducation, l'école a conservé sa réputation de catalyseur progressiste et stimulant pour les enfants créatifs. Pete Seeger, le chanteur folk, s'y produisait si souvent que Thorne se souvenait de lui comme s'il était l'un de ses professeurs. En 1971, Thorne rencontre Faith Ringgold (née en 1930) et la rejoint en tant qu'enseignante à la Women's House of Detention de Rikers Island dans le cadre d'un nouveau programme intitulé "Art without Walls-Free Space" (l'art sans murs-l'espace libre). Ce programme, né du mouvement des droits civiques, vise à enrichir la vie des détenus. Thorne et ses pairs ont grandi en luttant contre le sexisme de l'establishment artistique et le manque d'opportunités d'exposition pour les femmes qui en découle. Depuis 1985, ce problème a été dénoncé avec force par les protestations publiques des Guerrilla Girls, dont les membres restent un secret bien gardé.
Ses peintures ont fait partie de deux biennales du Whitney Museum et de diverses autres expositions collectives de musées aux États-Unis, en Europe et en Amérique latine.
Elle a participé à de nombreuses expositions personnelles dans des galeries telles que : Sideshow Gallery New York, Fischbach Gallery, New York City, Corcoran Gallery of Art, Washington D.C., Willard Gallery, New York, Graham & Sons Gallery, New York, The Clocktower, New York City, et le National Arts Club, entre autres.
Thorne a reçu la bourse du Prix de Rome pour peindre à l'Académie américaine de Rome. Elle a également reçu deux bourses de la National Endowment pour la peinture et deux bourses Pollock Krasner, entre autres.
"Depuis 1973, alors que des myriades de styles, de mouvements et de médiums ont brièvement fleuri tour à tour, Joan Thorne a résolument développé un langage visuel - celui de la surface picturale, de la lumière, de la couleur et de la forme distillée - qu'elle trouve le mieux adapté à son projet artistique : intimiser les rêves. les intuitions et les conséquences psychiques du voyage."
"Car il y a quelque chose de luxuriant et de mystérieux dans les compositions de Thorne. Leur généalogie moderniste classique englobe Arthur Dove, Georgia O'Keeffe, Marsden Hartley, Milton Avery et Mark Tobey, mais chacun d'entre eux porte en lui un soupçon d'exotisme ".
--Richard Vine, Art In America, Review, juin 1998
Éducation
Hunter College, New York, M.A.
New York University, New York, B.S.
Prix
2006 Bourse de la Fondation Adolf Gottlieb pour la peinture
2003 Prix de peinture, BiennaleInternazionale de Florence, Florence, Italie
2001 Bourse de la Fondation Pollock Krasner pour la peinture
1986 Prix de Rome, Académie américaine à Rome
Bourse de la Fondation Pollock Krasner pour la peinture
1983 National Endowment for the Arts, bourse de recherche en peinture
1980 Conseil des arts de l'État de New York, bourse pour la peinture
1979 National Endowment for the Arts, bourse de recherche en peinture
1976 Bourse en peinture, Rhode Island State Council on the Arts
1975 Conseil des arts de l'État de New York, bourse pour la peinture
1974 Bourse en peinture, Rhode Island State Council on the Arts
1972 Artistics de l'année, Fondation Aldrich
Sélection d'expositions individuelles
2015 Black and White Into Color, National Arts Club, New York
2013 Sideshow Gallery, Williamsburg, NY
2005 Chris Winfield Gallery, Carmel, CA
2004 Klaus Steinmetz Arte Contemporaneo, San Rafael de Escazu, Costa Rica
2002 Feria de Arte International Arcale, Salamanque, Espagne
2001 Andre Zarre Gallery (a) Gallery, New York
2000 Rétrospective : Museo LAS, San Juan, Porto Rico
1998 Une rétrospective : Museo Voluntariado De Las Casas Reales, Casa de Bastidas,
Santo Domingo, République dominicaine
1990 1985 Graham Modern , New York City, NY
1989 1986 Ruth Bachofen Gallery, Santa Monica, CA
1986 William Halsey Gallery, Simon Center for the Arts, College of Charleston, Charleston, SC
1983 Galerie du Lincoln Center, Lincoln Center, New York City, NY
Darte Gallery, (a) Gallery, Chicago, IL
Gloria Luria Gallery, Bay Harbor Island, FL
1982 Galerie Nina Freudenheim, Buffalo, N
1980 Willard Gallery (a) Gallery, New York
1979 The Clocktower : Institut pour l'art et les ressources urbaines, New York City, NY
1977 Galerie Veith Turske, Foire d'art de Cologne, Cologne, Allemagne
1974 Galerie Fischbach, New York City, NY
1973 Corcoran Gallery of Art, Washington, DC
Expositions collectives sélectionnées
2019 Art On Paper, mars 2019, New York, NY
2018 Sideshow Gallery, The Greatest Show On Earth, Williamsburg, NY
2015 Outside The Lines/Modernist Drawings...
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