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Matthias AlfenMatthias Alfen, sculpteur allemand, peinture expressionniste moderne Psychogramme
À propos de cet article
La série de figures Janus de Matthias Alberto est une innovation dans l'art figuratif qui s'appuie sur les avancées du sculpteur et peintre futuriste Umberto Boccioni et du moderniste Alberto Giacometti. Les qualités de hasard et de spontanéité, nécessairement exclues dans l'œuvre sculpturale, sont clairement évidentes dans ses dessins et ses peintures. Les "psychogrammes" de mouvements de mains non chorégraphiés présentent de grandes variations, passant d'une forme à l'autre de manière répétée. En fin de compte, cette multitude de variations sert à renforcer la logique, la cohérence et l'aspect riche et séduisant des œuvres sculpturales conçues par Design/One. Représenté par la Gallery Schuckin à New York, Paris (France) et Moscou (Russie).
Matthias Alfen a été fortement influencé par l'expérience de sa famille pendant la Seconde Guerre mondiale. Son grand-père, Klemens Alfen (1894-1955), était un peintre et un photographe accompli, reconnu pour ses photographies de paysages et pour sa technique (Special Honors for Excellence in Photo-Print Technology, 1932). Il a bénéficié de l'amitié et du soutien de nombreux membres de la communauté artistique, une communauté largement influencée par ses membres juifs allemands. Il a perdu tout son cercle d'amis sous l'oppression nazie. Klemens, bien que n'étant pas juif, a également souffert des nazis pour avoir refusé de les rejoindre et, luttant dans l'Allemagne d'après-guerre, qui n'avait rien à offrir à un artiste comme lui, Klemens s'est suicidé.
Vers l'âge de 16 ans, il a travaillé pendant quelques semaines comme assistant dans le studio d'art de son oncle. Fritz Koenig (probablement plus connu pour sa grande sculpture métallique The Sphere, située à l'origine entre les tours jumelles, aujourd'hui au mémorial du 11 septembre). Le studio et le prestige du sculpteur ont donné au jeune Alfen une vision de son propre avenir.
La seule personne, en dehors de ses parents, qui a soutenu ses premiers efforts artistiques a été son parrain, Fritz Schumm, qui a acheté au jeune artiste des fournitures artistiques et plusieurs de ses premières œuvres. Ainsi, bien que son grand-père et son oncle soient des artistes sérieux et accomplis, Alfen a dû tracer son chemin seul, en comptant sur sa propre force et son sens du destin.
Après avoir terminé ses études secondaires en 1984, Alfen s'est inscrit à l'école des maîtres sculpteurs sur pierre d'Aschaffenburg, sa ville natale. Le professeur Rager, directeur de l'école, était un professeur dur mais bienveillant et a aidé IDEA à apprendre à exécuter des idées dans la pierre. Un stage de six mois à la fonderie Grundhöfer, à Niedernberg, a suivi. En quittant la ville pittoresque et idyllique d'Aschaffenburg (lieu de naissance de Matthias Grünewald (1470-1528), légendaire spécialiste des beaux-arts), nous nous sommes retrouvés dans une ville qui a connu un grand succès. et du peintre expressionniste allemand Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938). La prochaine destination d'Alfen est l'Académie des arts de Berlin (Hochschule der Künste). À l'époque, Berlin-Ouest était encore une île entourée par l'Allemagne de l'Est communiste, le mur qui la délimitait créant une ambiance d'outsider qui attirait des artistes et des musiciens tels que David Bowie et Joseph Beuys. Le professeur Dietmar Lemcke [né en 1930] a approuvé une bourse scolaire pour financer la construction d'une des premières grandes sculptures d'Alfen (Kreisornament, 1990). Même en tant qu'étudiant, le jeune artiste a connu des débuts prometteurs, avec une exposition personnelle à la House am Lützowplatz et à la galerie Noé.
L'œuvre d'Alfen commence à être reconnue par les milieux artistiques : Le professeur Kurt Grützmacher a fait l'éloge de son travail dans l'essai "Dialogue entre la forme et l'espace ; commentaire sur les sculptures de Matthias Alfen" et le critique d'art et professeur Hermann Wiesler a parlé de sa sculpture dans Bilderleben II Texte zur modernen Kunst, Kunst und Künstler 1992-1999.
la ville de Soest, en Westphalie, l'a invité à devenir son artiste en résidence pour l'année 1992-1993. Pendant un an, la ville lui a offert une belle maison avec un studio et une exposition élaborée de son art avec une publication comprenant un texte du critique d'art Hermann Wiesler. Au cours de cette année, les journaux locaux ont donné des informations presque constantes sur les progrès de l'artiste et un reportage spécial à la télévision a placé Alfen dans les rangs d'autres artistes célèbres de Soest tels que Wilhelm Morgner (1891-1917) et Paula Modersohn-Becker (1876-1907). La Galerie Clasing de Münster a organisé une exposition individuelle des œuvres d'Alfen et la ville lui a finalement commandé une grande sculpture en bronze destinée à être placée au centre de la ville.
En 1994, il a reçu la bourse Lee Krasner-Jackson Pollock de New York. Il était enfin temps de passer à l'action. Avec un grand conteneur d'œuvres d'art, Alfen a déménagé aux États-Unis et s'est installé dans la banlieue du Connecticut.
Il a commencé à explorer le corps humain en tant que structure sculpturale mobile, une perspective différente mais complémentaire de son étude de l'anatomie pour le dessin de figures à l'académie des beaux-arts.
En 2003, Alfen a fait partie d'une exposition à la Garth Clark Gallery sur la 57e rue et a reçu la critique suivante de Ken Johnson dans le New York Times. "Matthias Alfen réalise des œuvres finement modelées et émaillées dans lesquelles de multiples visages -- alternativement convexes et concaves -- sont bizarrement joints." Robbin Zella, directeur et conservateur du Housatonic Museum of Art, s'est intéressé à son travail et a organisé une vaste exposition personnelle au musée en 2005.
Le critique d'art Donald Kuspit a fait l'éloge du travail d'Alfen et en a décrit l'impact. Il note que "les figures d'Alfen suggèrent l'inévitabilité de la folie dans un monde violent. Ses têtes le contestent tout en l'incarnant. Ils constituent une contribution majeure à - une extension brillante de - l'"art du cri", comme on appelait l'expressionnisme allemand lorsqu'il est apparu au début troublé du vingtième siècle." Judy Kim, à l'époque conservatrice du Brooklyn Museum of Art, a également reconnu le travail d'Alfens : "Comment déchiffrer cette œuvre énigmatique qui est à la fois si simple et si difficile à comprendre ? Sur le plan formel, il incarne et exprime la dualité et l'unité ; il s'agit littéralement d'une figure à la fois divisée et unie. Le titre et la pose physique de l'œuvre semblent suggérer un homme pris dans un trébuchement de ballet - apparemment dans une tentative futile mais instinctive d'interrompre une chute, une chute qui n'était peut-être pas inévitable mais impossible à arrêter une fois qu'elle a été déclenchée. Qu'en est-il des courbes ? Signifient-ils les contradictions, les conflits ou les luttes internes à l'individu ? Ou s'agit-il simplement d'une convention créée par Alfen pour exprimer et accentuer le mouvement d'un corps en rotation lorsqu'il tombe dans l'air ? Comme toutes les grandes œuvres d'art, l'homme qui tombe réussit à captiver profondément le spectateur et à susciter plus de questions que de réponses".
Sélection d'expositions individuelles
Galerie Noe, (Berlin, Allemagne) ;
Galerie de la ville de Soest (Stadtgalerie, Allemagne) ;
Galerie Clasing, (Münster, Allemagne) ;
Galerie Bremer, (Berlin, Allemagne) ;
Neue Kunst Galerie, (Ries, Allemagne) ;
Musée d'art Housatonic, (Bridgeport, Connecticut) ;
Shchukin Gallery, (New York, NY).
- Créateur:Matthias Alfen (1965)
- Dimensions:Hauteur : 29,85 cm (11,75 po)Largeur : 22,86 cm (9 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:usure mineure, voir photos.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38213537722
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Tout afficherGrande peinture à l'huile néo-expressionniste Roberto Juarez, Tron Family, 1983
Par Roberto Juarez
Roberto Juarez, (Américain, 1952- )
Famille Tron.
1983. Signé, daté et titré.
Huile et bâton d'huile sur toile.
Provenance : Robert Miller Gallery, NY, Mira Godard Gallery, Toronto...
Catégorie
années 1980, Néo-expressionnisme, Peintures - Abstrait
Matériaux
Toile, Crayon gras, Huile
Grande peinture à l'huile expressionniste vénézuélienne de Diego Barboza, maître latino-américain
Diego Barboza - 1945-2003
Signé et daté à la main 1988 Huile sur toile
Diego Barboza est né dans la rue Carabobo de Maracaibo, au Venezuela, le 4 février 1945. Il était un peintre néo-figuratif vénézuélien qui compte parmi les figures les plus célèbres et les plus influentes de l'histoire de l'art vénézuélien. Diego Barboza a ouvert un nouveau chapitre en Amérique latine, au-delà du surréalisme ou du réalisme magique des maîtres latino-américains modernes. Il a créé un nouveau langage de dislocation et de transgression. Les personnages sont déformés au point d'avoir des formes très exagérées. Ses figures se tordent et se contorsionnent sans perdre leur présence ou leur force d'attraction. Les muscles des extrémités, et les os éclatent en un composé explosif de lignes divergentes et convergentes. Par des coups de pinceau éruptifs et des contours fracturés. Barboza a créé un monde d'illusions.
Barboza est né dans une famille de la classe moyenne supérieure. Il a cessé d'aller à l'école à 12 ans, et s'est inscrit à l'école d'art visuel de la ville de Maracaibo au Venezuela. Barboza a étudié à l'École des arts visuels de Caracas, au Venezuela. Barboza a commencé sa formation d'artiste à l'âge de 12 ans, dans sa ville natale de Maracaibo, lorsqu'il a quitté l'enseignement formel pour s'inscrire à l'école d'arts plastiques de Zulia, puis à l'école d'arts plastiques Julio Arraga, où il a suivi les cours de modelage, de collage et de dessin d'Angelina Curiel. Ses premiers collages, dans les années 60, montrent l'influence du Pop Art américain. En 1967, il expose à l'Ateneo de Caracas sa série "Los Ratones", une proposition alors "critiquée par les critiques comme étant sans précédent au Venezuela". Dans son hommage au film "Nosferatu", Friedrich Murnau a inclus 32 dessins ainsi que des objets bidimensionnels. En 1968, il s'installe à Londres où il étudie au London College of Printing. C'est de cette époque que date l'action "30 Girls with Nets", au cours de laquelle 30 étudiantes du London College of Printing, vêtues de noir et recouvertes de filets blancs, ont parcouru les lieux publics de Londres en se comportant de manière naturelle. Ses "expressions de rue", qu'il appellera plus tard "actions poétiques", symbolisent une rupture des contraintes sociales par des comportements inhabituels qui cherchent à provoquer des réactions publiques. À son retour au Venezuela en 1973, Barboza poursuit cette ligne de travail, étant reconnu comme l'un des initiateurs de l'art conceptuel vénézuélien. Dans les années 1980, Diego Barboza se tourne vers la peinture, la Nouvelle Figuration vénézuélienne. Ici, les biens et la figure féminine remplissent l'œuvre de cette époque, dans laquelle il incarne son intimité et sa vie quotidienne à travers des scènes d'ameublement et de fleurs qui incluent des objets de son atelier et de sa maison. Ses nus ont été réalisés à partir d'un modèle vivant, puis ont suivi le chemin de la distorsion pour aboutir à leurs femelles incomparables : une figure qui représente leur façon personnelle d'apprécier la beauté. Barboza a présenté sa première exposition individuelle au Centro de Bellas Artes de Maracaibo Venezuela. En 1963, il se rend à Londres lorsque le mouvement de l'art conceptuel commence, il bénéficie du soutien de la London New Art Lab Gallery. Le 7 mars 1970, Barboza expose sa première œuvre d'art conceptuel, qu'il appelle Art of Action. A Londres avec la performance de 30 Girls with nets (30 Muchachas con redes). Son deuxième ouvrage s'intitule "Filets et chapeaux dans les marchés et les restaurants" (Con sombreros y redes en mercados y restaurantes). A Londres, Royaume-Uni. Sa troisième pièce maîtresse (El Ciempies) et la quatrième Expression sur un tapis de lavage (Expresiones en una lavandería)
En 1974. Baboza est retourné au Venezuela. Il y a présenté deux œuvres d'art conceptuel très importantes : La Caja del Cachicamo (la boîte du tatou) et De l'école d'Athènes à la nouvelle école de Caracas (De la Escuela de Atenas a la Nueva Escuela de Caracas). Il clôt son cycle de création d'art conceptuel. Au Venezuela, une sorte d'académie impromptue a vu le jour chez Claudio Perna. Eugenio Espinoza, Roberto Obregón, Antonieta Sosa, Alfred Wenemoser, Yeni et Nan, Sigfredo Chacón, Diego Barboza, Luis Villamizar, Margherita D'Amico, Pedro Terán, Alfredo del Mónaco, ainsi que des personnalités internationales de passage au Venezuela comme Antoni Muntadas, Charlotte Moorman et Roman Polanski s'y retrouvent. Le Venezuela, en particulier Caracas, a été un riche champ d'action pour le modernisme en Amérique du Sud. L'abstraction géométrique, l'op art et l'art cinétique vénézuéliens ont dominé grâce à des figures cruciales comme Jesús Rafael Soto, Gego, Alejandro Otero et Carlos Cruz Diez. L'art cinétique du pays a apporté une contribution fondamentale au niveau international. L'Association des Arts du Grand Londres et le Conseil des Arts de Grande-Bretagne ont organisé plusieurs expositions (Nord, Centre, Sud, Londres, Pays de Galles, Ecosse et Ulster) pour montrer les arts visuels actuels dans tout le Royaume-Uni et Diego Barboza a été invité pour cet événement avec une exposition solo, expressions autour d'un cylindre (Expresiones alrededor de un cilindro).
Diego a réalisé de nombreuses expositions individuelles et collectives, obtenant des récompenses depuis 1963. Il est représenté dans les plus importants musées du Venezuela, ainsi qu'en Angleterre, au Brésil, en Colombie et à Cuba. En 1986, il a reçu le Prix municipal des arts visuels du Conseil municipal du district fédéral et, en 1997, le Prix national des arts plastiques décerné par le Conseil national de la culture, CONAC.
Expositions collectives sélectionnées
1964 Ateneo de Caracas, Caracas, Venezuela
1965 Salón Arturo Michelena, Valence, Venezuela
1968 Salón Oficial Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela
1971 Art Spectrum London, Londres, Grande-Bretagne
1972 Serpentine Gallery, Londres, Grande-Bretagne
1973 Midland Group Gallery, Londres, Grande-Bretagne
1974 Galería BANAP, Caracas, Venezuela
1975 Casa de Las Américas, La Habana, Cuba
Museo de Bellas Artes, Caracas
Galería de Arte Nuevo, Buenos Aires, Argentine
1976 Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombie
Museo de Arte Contemporáneo, Sao Paulo, Brésil
Museo de la Tertulia, Cali, Colombie
Bienal de Venecia, Venecia, Italie
1979 Centro de Artes y Comunicación, Buenos Aires, Argentine
1980 Galería NBC, Memphis, Tennessee, USA
1981 Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela
Museo de Arte Contemporáneo, Medellín, Colombie
Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela
1986 Museo de Arte La Rinconada, Caracas, Venezuela
1989 Galería Venzor, Chicago, Illinois, USA
1990 Museo Bellas Artes, Santiago du Chili, Chili
1992 Ambrosino Gallery, Coral Gables, Floride, USA
1993 Museo de Arte de Petare, Caracas, Venezuela
Centro de Arte Lia Bermúdez, Maracaibo, Venezuela
1994 Galería Namia Mondolfi, Caracas, Venezuela
1995 Galería Art Nouveau, Maracaibo, Venezuela
Galería Cesar Sassòn, Caracas, Venezuela
Maremares Resort, Puerto La Cruz, Venezuela
Galería Durban, Caracas, Venezuela
Galería Odalys, Caracas, Venezuela
1996 Centro de Arte Grupo Li, Caracas, Venezuela
Galería Uno, Caracas, Venezuela
Centro Cultural Consolidado, Caracas, Venezuela
Espacios Unión, Caracas, Venezuela
Hebraica, Caracas, Venezuela
1997 Sociedad Dramática, Maracaibo, Venezuela, Venezuela
CELARG, Caracas, Venezuela
Galería Ocre Arte, Caracas, Venezuela
Museo de Arte Contemporáneo , Maracay, Venezuela
Galería Medicci, Caracas, Venezuela
Prix
1963 Premio Estímulo - IX Salón d'Empaire, Maracaibo, Venezuela
1964 Premio José Ortìn Rodríguez - X Salón d'Empaire, Maracaibo, Venezuela
1965 Primer Premio de Dibujo - III Salón Pez Dorado, Caracas, Venezuela
1968 Premio Henrique Otero Vizcarrondo - XXIV Salón Oficial Anual de Arte Venezolano Museo de Bellas Artes,
1973 Premio Emilio Boggio...
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