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Pierre VlerickPeinture impressionniste « No nightshade » Huile sur panneau de Pierre Vlerick
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À propos de cet article
Ce tableau est un exemple parfait d'abstraction lyrique et un tableau de choix de la meilleure période de la carrière de Vlerick.
Geen nachtschade (Pas d'herbe de nuit), 1962
Huile sur panneau Masonite
121 x 61 cm (sans cadre) 136 x 75 cm (encadré)
Signé et daté en bas à gauche "P. Vlerick 1962'&
avec titre, signature, lieu et date au verso
L'œuvre de Pierre Vlerick présente des similitudes avec celle de Willem de Kooning. Alors que l'Américain d'origine hollandaise était célèbre pour la manière sauvage dont il traitait ses toiles, Pierre Vlerick faisait preuve de plus de retenue, mais la réalisation d'un tableau était de toute façon un lent processus d'arrêts, de démarrages et de révisions. Son exploration est censée aboutir à une proportion correcte de champs et de stries de couleur, souvent appliqués couche par couche. Toutes ses couleurs ont une intensité lumineuse. C'est surtout l'œuvre colorée de Bonnard qui a inspiré Vlerick pour composer sa propre gamme de couleurs singulières, avec des jaunes, des verts, des oranges et des touches de bleu ici et là. L'abstraction est soulignée par l'utilisation de la couleur. Des couleurs non associées à des objets de la vie quotidienne dominent souvent la composition : le violet, par exemple. C'est la base de son abstraction continue, qui se traduit par des champs de couleurs combinés à des éléments organiques représentés avec les contours les plus vagues.
Bien que les deux artistes créent un art très métropolitain, voire mondain, leurs œuvres évoquent la nature. De Kooning a été qualifié de maître du "paysage abstrait". La structure des œuvres de Vlerick est également très végétale et organique. Il n'est donc pas étonnant qu'il ait qualifié ses tableaux de "jardins". Aucun des deux artistes n'a laissé son jardin vide : de Kooning a créé une figure féminine ressemblant à un croisement entre une pouffiasse et la déesse mère. Vlerick a imaginé une femme qui jouit de son corps. L'approche de l'art abstrait de Vlerick est la même que celle de de Kooning ; ils refusent de peindre de manière figurative, mais ne veulent pas pour autant renoncer à se référer à la réalité.
De Kooning l'a très bien exprimé lors d'une interview, lorsqu'il a admis qu'il était absurde de peindre la figure humaine (dans la période d'après-guerre), mais a également déclaré qu'il serait encore plus absurde de ne pas le faire. La seule façon de sortir de ce dilemme ambigu est de déconstruire la figure humaine. Non pas pour la rejeter, mais pour la montrer dans toute sa fragilité.
Les talents artistiques exceptionnels de Pierre Vlerick ont été reconnus dès ses études à l'Académie de Gand (1940-1944) où il a reçu une médaille d'or.
En 1947-1948, Vlerick s'inscrit à l'Académie de la Grande Chaumière, une académie privée parisienne qui attire de nombreux artistes étrangers grâce à la réputation de ses professeurs les plus importants tels que Maurice Denis (1870-1943). Denis est l'un des pères fondateurs des "Nabis" et est également considéré comme le parrain de l'art abstrait par de nombreux artistes et critiques d'art. Maurice Denis est célèbre pour sa citation : " N'oubliez pas qu'un tableau, avant d'être une représentation quelconque, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs dans un certain ordre ramassé. "
À La Grande Chaumière, Vlerick est mis au défi de développer un langage pictural qui lui est propre. Vlerick développe une manière de traduire la réalité observée en visions de couleurs et de formes, qui peuvent être situées quelque part sur l'axe entre le figuratif et l'abstrait. La réalité est décomposée et reconstruite en une nouvelle représentation complète.
Après un voyage en Espagne en 1955, le peintre évolue vers l'utilisation de couleurs plus vives. À l'exposition universelle de Bruxelles de 1958 (Expo 58), Vlerick est pour la première fois confronté à des œuvres réelles de 17 artistes américains (William Baziotes, James Brooks, Sam Francis, Arshile Gorky, Adolph Gottlieb, Philip Guston, Grace Hartigan, Franz Kline, Willem de Kooning, Robert Motherwell, Barnett Newman, Jackson Pollock, Mark Rothko, Theodoros Stamos, Clyfford Still, Bradley Walker Tomlin et Jack Tworkov) et il en est profondément impressionné. Cet événement le pousse encore plus loin dans la direction de l'abstraction et à partir de 1959, Pierre Vlerick évolue radicalement vers une abstraction lyrique. Ses peintures abstraites de la première moitié des années 1960 sont expérimentales et brutes dans leur traitement de l'espace et de la surface, et envoûtantes par leur utilisation de couleurs éblouissantes.
Au début des années 1960, l'artiste commence à exposer des œuvres impressionnistes abstraites dans le cadre d'expositions internationales telles que le Carnegie Institute (Pittsburgh 1961/1962), la Corcoran Gallery (Washington D.C.1963), la Biennale de Venise (pavillon belge) (Venise 1964), le Musea de Arte Moderna (Rio de Janeiro 1965).
Vlerick obtient une bourse Fulbright qui lui permet de séjourner aux Etats-Unis en 1964 et 1968. Il a également enseigné brièvement à l'université Harvard de Boston. Parallèlement, Vlerick a collaboré au commissariat des expositions du Forum à Gand en 1961-62-63, où l'avant-garde européenne a été largement représentée. Cela lui a permis d'être en contact étroit avec les artistes et leurs idées.
À son crédit, son travail est toujours resté très personnel et original. L'œuvre de Delin est très éloignée de l'explicitation de l'expressionnisme, des délimitations nettes du surréalisme, des multipoints de vue anguleux du cubisme ou de la froide rationalité du conceptualisme. Il est plus proche de la vision myope du monde typique de l'observation et de la représentation du monde par un impressionniste. La façon dont il laisse les couleurs vives se féconder les unes les autres n'est pas très éloignée du fauvisme. Et avec Lyrical Abstraction, il a le culot de laisser les compositions échapper à tout contrôle. Une chose est sûre : il appartient à une génération d'après 1945 qui n'avait pas envie de se plier aux contraintes d'un style.
- Créateur:Pierre Vlerick (1923 - 1999)
- Dimensions:Hauteur : 136 cm (53,55 po)Largeur : 76 cm (29,93 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Gent, BE
- Numéro de référence:1stDibs : LU2140212428912
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Une scène magistralement peinte provenant de l'atelier de l'artiste
Dans ce tableau, Langaskens réunit plusieurs motifs qui ont également fait l'objet de son œuvre graphique : l'aveugle, le prêtre, la religieuse et la ferme qui apparaît également dans la célèbre gravure "les toits rouges". Ces éléments sont réunis dans une composition dynamique et colorée, où les similitudes avec cet autre peintre belge, Anto Carte, sont frappantes.
La combinaison de ces éléments crée une certaine tension. S'agit-il d'une œuvre de miséricorde (aider un aveugle), ou sommes-nous les spectateurs d'une scène où l'on vole la bourse d'un pauvre malheureux ?
L'utilisation d'empâtements est frappante, le peintre soulignant la texture des tissus et de la peau par le biais de lignes fluides.
Maurice Langaskens 1884 - 1946 Biographie
Peintre et graveur belge, Maurice (Maurits) Langaskens s'inscrit en 1901 à l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles et reçoit une formation de peintre décorateur auprès du grand muraliste et sculpteur belge Constant Montald. Très tôt, Langaskens est reconnu comme un excellent dessinateur et remporte plusieurs prix à l'Académie. Après avoir vécu et étudié quelques mois en France en 1906, notamment à Dijon, les jeunes Langasken s'installent à Schaerbeek, dans la banlieue de Bruxelles. Il commence sa carrière indépendante en 1907, lorsqu'il expose pour la première fois trois peintures décoratives au Salon de Bruxelles et présente également une exposition de ses œuvres à la salle Boute de la même ville. L'année suivante, il présente six tableaux à la 16e exposition annuelle de l'association d'artistes belges "Pour l'Art" à Bruxelles, où il exposera fréquemment tout au long de sa carrière, jusqu'en 1941. (Langaskens a également conçu l'affiche de la 17e exposition "Pour l'Art" en 1909). En 1908 également, l'une de ses peintures est sélectionnée pour une exposition d'art moderne belge à Berlin. La plupart des premières œuvres de Langaskens sont réalisées dans un style Art nouveau ou symboliste, vibrant et visuellement saisissant. Cette manière audacieuse et colorée se traduit également par des commandes de peintures murales à grande échelle, et il devient rapidement l'un des principaux peintres-décorateurs du début du XXe siècle en Belgique. La décoration de l'hôtel de ville de Zoutleeuw en 1912 a valu à l'artiste une renommée considérable et les éloges de son professeur et mentor Townes : "Il était l'un des meilleurs élèves de la classe ; aujourd'hui, il est l'artiste le plus remarquable parmi les décorateurs de notre époque". La même année, la première de plusieurs expositions de l'œuvre de Langasken est organisée au Cercle Artistique et Littéraire de Bruxelles. Le déclenchement de la Première Guerre mondiale a cependant brutalement interrompu l'essor de la carrière fructueuse de l'artiste. Enrôlé dans l'armée belge au début du mois d'août 1914, Langaskens est capturé par les Allemands après moins de quinze jours. Il passe les trois années et demie suivantes comme prisonnier de guerre, dans les camps d'internement de Sennelager, Münsterlager et Göttingen. Il a réalisé de nombreuses peintures et aquarelles, pour la plupart de petit format, représentant des portraits et des scènes de la vie quotidienne dans les camps, qui sont aujourd'hui considérées comme ses œuvres les plus belles et les plus personnelles. C'est également à cette époque qu'il peint deux de ses tableaux les plus connus, la grande toile In Memoriam, peinte en 1916 et représentant l'enterrement d'un soldat belge par ses camarades, et le triptyque monumental Repose en Paix, peint entre 1915 et 1918. Après sa libération et son retour en Belgique, Langaskens a exposé plus de quatre-vingts peintures et dessins qu'il avait réalisés en tant que prisonnier de guerre à la Galerie Sneyers à Bruxelles en 1918. Après l'armistice, Langaskens, souffrant d'aphasie et de troubles nerveux dus à sa longue réclusion, peint principalement des tableaux de chevalet représentant des paysages d'hiver, des scènes de genre rustiques et des sujets floraux. Il réalise également un certain nombre de dessins pour des tapisseries, des illustrations de livres et des vitraux. Au bout de quelques années, cependant, sa santé s'est rétablie et il a recommencé à entreprendre des commandes de peintures murales décoratives à grande échelle. En 1920, Langaskens est l'un des fondateurs, aux côtés de Montald, Jean Dedic, Emile Fabry...
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