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Zaccaria Zeini"Débris III" Peinture à l'huile abstraite 28" x 22" in (1983) par Zaccaria Zeini1983
1983
11 372,31 €
À propos de cet article
"Débris III" Peinture à l'huile abstraite 28" x 22" in (1983) par Zaccaria Zeini
Support : huile sur toile
Signé et daté
Livré dans son ancien cadre d'origine
Zaccaria El Zeini (1932 - 1993) a grandi dans le quartier populaire de Sayyida Zienab, dans le Vieux Caire, et a obtenu son diplôme à la Faculté des Beaux-Arts de la capitale, où son projet de fin d'études portait sur la naissance de la sainte femme, homonyme du quartier où il est né. Moderniste d'après-guerre, il a reçu sa formation de peintre à Venise, où il a été diplômé de l'Académie de Pravana. C'est en Italie qu'il a été fasciné par l'architecture gréco-romaine, qui est devenue l'un de ses sujets de prédilection dans sa peinture. Il devient ensuite professeur à son alma mater, la Diptych Fine Arts, et termine sa carrière à la tête de son département de peinture. L'œuvre d'El Zeini couvre principalement les styles de peinture expressionniste et abstraite-figurative, avec une forte tendance à utiliser différents symboles personnels dans son travail et à travers plusieurs périodes. Ces symboles évoquent chacune des trois femmes qu'il a eues au cours de sa vie, et il les place de manière cryptique comme des marqueurs dans ses peintures, que ce soit de manière discrète ou manifeste. Son éducation dans le quartier de Sayyida Zeinab est restée l'une des influences les plus significatives sur sa trajectoire d'artiste, ayant été exposé dès sa naissance aux célébrations et festivités populaires entourant la naissance de la petite-fille du prophète Mahomet.
La première période était fondée sur les pratiques, les rituels et les rites folkloriques typiquement égyptiens d'"el moulid" et d'"el zar". Son œuvre s'est toujours distinguée par la représentation de la figure humaine (visage et torse) enfermée dans une forme géométrique, soit un carré, soit un rectangle, souvent dans une couleur contrastante proéminente comme le vert ou le rouge, sur des fonds à prédominance de tons neutres et de textures terreuses. Malgré cette représentation rigide et fermée, le spectateur ressent la sympathie que le peintre éprouve à l'égard de ces êtres humains vivant ou souvent piégés dans cet espace contraint et confiné sous la forme réductrice d'une maison, d'une porte ou d'une fenêtre. El Zeini a utilisé cette forme de représentation pour commenter l'impact des contraintes, des normes, des préjugés et de la discrimination de la société. C'est à travers ces périodes "el moulid" et "el zar" qu'El Zeini a pu enrichir son imaginaire et celui de son public et s'y réfugier, nous transmettant ainsi son message d'une manière poignante et durable.
Dans certaines de ses premières œuvres, lorsqu'il se concentrait sur le sort de la femme et présentait constamment des femmes enfermées dans des barreaux, des fenêtres ou des portes simplifiés, dans ses enceintes géométriques de base, il critiquait ainsi la passivité des femmes et leur rôle vis-à-vis de la société. Dans sa deuxième période, Artistics s'est consacré à l'étude artistique du concept d'ordures et de déchets, "el zibala". El Zeini a mis l'accent sur la gestion des déchets dans les rues du Caire, en divisant souvent le tableau en deux et en représentant des formes abstraites de détritus, de débris et de déchets sur toute la toile et de part et d'autre de la ligne de démarcation. Cette période constitue une entreprise artistique tout à fait originale et souligne la prédilection innée de l'artiste pour consacrer son art à des thèmes sociaux, avec un message sous-jacent qui imprègne son œuvre et qui est resté particulièrement pertinent dans le monde d'aujourd'hui. Dans sa dernière période, El Zeini s'est concentré sur l'impression des fleurs, nous présentant une vision alternative du sujet en utilisant un design géométrique et des formes tridimensionnelles. El Zeini nous a également laissé plusieurs exemples de lithographies impressionnantes, auxquelles il s'est beaucoup intéressé plus tard, vers la fin de sa carrière et sa mort, et qui couvrent des thèmes plus calmes et sereins, comme les paysages et les fleurs.
- Créateur:Zaccaria Zeini (1932 - 1993, Égyptien)
- Année de création:1983
- Dimensions:Hauteur : 71,12 cm (28 po)Largeur : 55,88 cm (22 po)Profondeur : 2,54 cm (1 po)
- Support:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Culver City, CA
- Numéro de référence:1stDibs : LU1085116754402
Zaccaria El Zeini (1932 - 1993) a grandi dans le quartier populaire de Sayyida Zienab, dans le Vieux Caire, et a obtenu son diplôme à la Faculté des Beaux-Arts de la capitale, où son projet de fin d'études portait sur la naissance de la sainte femme, homonyme du quartier où il est né. Moderniste d'après-guerre, il a reçu sa formation de peintre à Venise, où il a été diplômé de l'Académie de Pravana. C'est en Italie qu'il a été fasciné par l'architecture gréco-romaine, qui est devenue l'un de ses sujets de prédilection dans sa peinture. Il devient ensuite professeur à son alma mater, la Diptych Fine Arts, et termine sa carrière à la tête de son département de peinture. L'œuvre d'El Zeini couvre principalement les styles de peinture expressionniste et abstraite-figurative, avec une forte tendance à utiliser différents symboles personnels dans son travail et à travers plusieurs périodes. Ces symboles évoquent chacune des trois femmes qu'il a eues au cours de sa vie, et il les place de manière cryptique comme des marqueurs dans ses peintures, que ce soit de manière discrète ou ouverte. Son éducation dans le quartier de Sayyida Zeinab est restée l'une des influences les plus significatives sur sa trajectoire d'artiste, ayant été exposé dès sa naissance aux célébrations et festivités populaires entourant la naissance de la petite-fille du prophète Mahomet. La première période était fondée sur les pratiques, les rituels et les rites folkloriques typiquement égyptiens d'"el moulid" et d'"el zar". Son œuvre s'est toujours distinguée par la représentation de la figure humaine (visage et torse) enfermée dans une forme géométrique, soit un carré, soit un rectangle, souvent dans une couleur contrastante proéminente comme le vert ou le rouge, sur des fonds à prédominance de tons neutres et de textures terreuses. Malgré cette représentation rigide et fermée, le spectateur ressent la sympathie que le peintre éprouve à l'égard de ces êtres humains vivant ou souvent piégés dans cet espace contraint et confiné sous la forme réductrice d'une maison, d'une porte ou d'une fenêtre. El Zeini a utilisé cette forme de représentation pour commenter l'impact des contraintes, des normes, des préjugés et de la discrimination de la société. C'est à travers ces périodes "el moulid" et "el zar" qu'El Zeini a pu enrichir son imaginaire et celui de son public et s'y réfugier, nous transmettant ainsi son message d'une manière poignante et durable. Dans certaines de ses premières œuvres, lorsqu'il se concentrait sur le sort de la femme et présentait constamment des femmes enfermées dans des barreaux, des fenêtres ou des portes simplifiés, dans ses enceintes géométriques de base, il critiquait ainsi la passivité des femmes et leur rôle vis-à-vis de la société. Dans sa deuxième période, Artistics s'est consacré à l'étude artistique du concept d'ordures et de déchets, "el zibala". El Zeini a mis l'accent sur la gestion des déchets dans les rues du Caire, en divisant souvent le tableau en deux et en représentant des formes abstraites de détritus, de débris et de déchets sur toute la toile et de part et d'autre de la ligne de démarcation.
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SUR L'ARTISTE :
Nomade de naissance, Guela Tsouladzé est née le 8 novembre 1959 à Tbilissi, en Géorgie, d'une mère française et d'un père géorgien. Son père était l'un des premiers psychanalystes géorgiens ; mais travailler avec le conscient et le subconscient de l'homo sovieticus était une occupation contestée, critiquée par l'idéologie soviétique. Il fallait donc une bonne dose d'audace ; c'est dans ce contexte d'insoumission et de liberté, que Guela répète inlassablement qu'il sera artiste, sans avoir jamais rien peint.
Le père lui commande ainsi sa première œuvre : un point noir au plafond de son cabinet, que ses patients fixent pendant les séances. La porte d'entrée de l'hypnose, et la future signature de l'artiste. C'est peut-être de là que vient le sens inné de l'audace et de l'évasion de Guela, deux thèmes qui se reflètent encore aujourd'hui dans ses œuvres.
Guela grandit dans un univers artistique surréaliste, entre la France et la Géorgie, inspiré notamment par Pirosmani, les frères Zdanevitch et Salvador Dali, qu'il rencontre peu avant sa mort en 1981 à Portiligat Cadaques, et entouré du cinéaste Paradjanov, ami de la famille Tsouladze. Il commence ses études aux Beaux-Arts de Tbilissi en 1977, mais l'horizon ultime est Paris. Il rejoint les Arts Décoratifs de 1980 à 1983, puis les Beaux-Arts de 1983 à 1985. Il devient l'assistant de Christian Boltanski, qu'il suit d'exposition en exposition.
En France, les années 80 sont des années colorées, sauvages comme un tableau fauve. L'art sort des musées et donne naissance à la figuration libre, mouvement insaisissable, qui se dessine lentement dans la léthargie des Beaux-Arts. La culture pop, dans sa spontanéité et son absence de contrôle, s'empare de tout et brise tous les codes, les groupes et les frontières. L'art est libre de toute contrainte et de toute analyse.
Guela est là au bon moment, au bon endroit, avec les bonnes personnes. La Sainte Trinité, comme il aime à le répéter. Ces années folles sont un terrain de jeu extatique pour ses instincts artistiques.
Guela peint sur tout : papiers, toiles ou journaux. Ses grands formats sont à l'échelle de sa silhouette ; il quitte les Beaux-Arts et rejoint les premiers squats du dix-neuvième arrondissement de Paris, notamment l'atelier du quai de Seine, qu'il partage avec Rémy Blanchard et Vincent Scali. Ce sont les années de Ben, des frères Di Rosa, de Robert Combas et de François Boisrond...
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Peinture à l'huile sur des toiles en toile cirée.
À PROPOS DE L'ARTISTE :
Nomade de naissance, Guela Tsouladzé est née le 8 novembre 1959 à Tbilissi, en Géorgie, d'une mère française et d'un père géorgien. Son père était l'un des premiers psychanalystes géorgiens ; mais travailler avec le conscient et le subconscient de l'homo sovieticus était une occupation contestée, critiquée par l'idéologie soviétique. Il fallait donc une dose importante d'audace ; c'est dans ce contexte d'insoumission et de liberté, que Guela répète inlassablement qu'il sera un artiste, sans avoir jamais rien peint.
Le père a donc commandé sa première œuvre : un point noir sur le plafond de son bureau, que ses patients fixaient pendant les séances. La porte de l'hypnose, et la future signature de l'artiste. C'est peut-être de là que vient le sens inné de l'audace et de l'évasion de Guela ; ces deux thèmes se retrouvent encore aujourd'hui dans ses œuvres.
Guela grandit dans un univers artistique surréaliste, entre la France et la Géorgie, inspiré notamment par Pirosmani, les frères Zdanevitch et Salvador Dali, qu'il rencontre peu avant sa mort en 1981 à Portiligat Cadaques, et entouré du cinéaste Paradjanov, ami de la famille Tsouladze. Il commence ses études aux Beaux-Arts de Tbilissi en 1977, mais l'horizon ultime est Paris. Il rejoint les Art Décoratifs de 1980 à 1983 puis les Beaux-Arts de 1983 à 1985. Il devient l'assistant de Christian Boltanski, qu'il suit d'exposition en exposition.
En France, les années 80 sont des années colorées, sauvages comme un tableau fauviste. L'art sort des musées et donne naissance à la figuration libre, un mouvement insaisissable, qui prenait lentement forme dans la léthargie des Beaux-Arts. La pop culture, dans sa spontanéité et dans son absence de contrôle de soi, s'empare de tout et brise tous les codes, groupes et frontières. L'art est libre de toute contrainte et de toute analyse.
Guela est là au bon moment, au bon endroit, avec les bonnes personnes. La Sainte Trinité, comme il aime à le répéter. Ces années folles sont un terrain de jeu extatique pour ses instincts artistiques.
Guela peint sur tout : papiers, toiles ou journaux. Ses grands formats sont à l'échelle de sa silhouette ; il quitte les Beaux-Arts et rejoint les premiers squats du XIXe arrondissement de Paris, notamment l'atelier du Quai de Seine, qu'il partage avec Rémy Blanchard et Vincent Scali. Ce sont les années de Ben, des frères Di Rosa, de Robert Combas et de François Boisrond...
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