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Andrew MurrayPeinture à l'huile artisanale naïve de la scène de rue de Londres Big Ben, Parlement, Union Jack
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Big Ben, le Parlement avec le drapeau Union Jack, la Tamise, des bateaux, des barges, un avion et un bus rouge à impériale. Scène de rue londonienne classique.
24 pouces par 11 pouces dans un cadre de 24,5 pouces par 11,5 pouces.
ANDREW MURRAY s'est fait connaître et aimer en tant que peintre naïf imaginatif qui a su saisir le caractère des villes (en particulier Townes et Londres) avec une perspicacité pleine d'humour et d'affection. Un homologue anglais de Michel Delacroix à Paris et de Charles Fazzino à New York
Il est né dans le nord de la Chine, fils d'un missionnaire. À l'âge de cinq ans, il reçoit sa première leçon de peinture du fils d'un autre enfant, Mervyn Peake, âgé de dix ans. Le père d'Andrew, A.H. Jowett Murray, était le plus jeune fils de Sir James Murray, l'éditeur fondateur de l'Oxford English Dictionary.
En 1956, alors qu'il a 40 ans, un cadeau fortuit lui permet de percer en tant qu'artiste. Un vieil ami artiste anglais (peut-être par intuition ?) a donné à Murray ses propres pinceaux et peintures, et il s'est acheté le livre Penguin Paint Your Own Pictures de Norman Colquhoun. C'est ainsi que commence la deuxième moitié de sa vie, de plus en plus fructueuse.
Dès le début, la peinture de Murray a signifié la libération de l'enfant intérieur qui attendait d'être exprimé. Une brève initiation à la peinture abstraite lui a appris à penser à la structure d'une manière qui est devenue presque instinctive, mais les formes abstraites ne pouvaient pas satisfaire la vision et le sens de l'amusement de l'enfant. Inévitablement, Murray est classé parmi les artistes "naïfs", mais d'un genre particulier : méditatif, à la recherche de l'"inscape" d'une scène ; gentiment taquin face à tout ce qui est grandiose ou pompeux, mais sans méchanceté.
Ses sujets se répartissent grosso modo entre œuvres d'imagination libre et évocation de scènes urbaines. Les premiers comprennent des sujets bibliques et religieux (mais jamais trop sérieux), des groupes d'animaux et de jungle, et des variations ludiques sur des thèmes Jungling.
Ce sont toutefois ses scènes urbaines folkloriques qui ont valu à Murray le succès, d'abord à Townes (1956-69), puis à Londres et à Paris, qui lui a permis, ainsi qu'à sa femme, de vivre de sa peinture. À leur grand regret, ils n'ont pas eu d'enfants, mais les ventes et les commissions ont constamment conduit à des amitiés durables qui ont rempli leurs maisons successives de bonnes conversations et de rires. Presque tous les tableaux de Murray se déroulant en Afrique du Sud y sont restés, certains se trouvant aujourd'hui à la National Gallery du Cap. Dans de nombreux cas, la montagne de la Table surplombe la scène, une icône aussi dominante que le mont Fuji dans la peinture japonaise. Les images de la vie de la rue sont d'une vivacité et d'un humour que l'on retrouve rarement, voire jamais, dans les tableaux ultérieurs de Murray, qui se déroulent à Londres ou dans d'autres villes européennes.
Murray est engagé par la Portal Gallery (alors située dans Grafton Street) et commence une série d'expositions à succès, notamment "Poetry into Paintings" et les deux séries d'"Images of Reconciliation" ; l'une de ces "images", le lion berçant un agneau, a été adoptée comme carte de Noël de l'Unicef.
C'est peut-être en partie le succès de cette carte qui a suggéré une série de cartes-cadeaux reproduisant des peintures en couleur ; une fois les Murray installés (à Chelsea), les cartes pourraient donner leur adresse, et les ventes et commandes pourraient être organisées sans dépendre d'une galerie. Murray a également appris la gravure en couleur et a produit pendant quelques années un certain nombre d'œuvres réussies, mais il s'est toujours concentré sur la peinture et la production des "Andrew Murray Cards". Au cours des vingt années suivantes, la série s'est enrichie de plus d'une centaine d'ouvrages et, en 1980, une sélection a été reproduite sous la forme d'un livre, Andrew Murray's London.
Au début, les cartes (et les gravures) comprenaient quelques œuvres d'imagination libre, mais ce sont les scènes londoniennes - tant les grands monuments publics que les coins attrayants, en particulier de Chelsea - qui se sont le mieux vendues. Andrew a réalisé les peintures et supervisé l'impression des couleurs ; Beryl a ensuite trouvé des points de vente et les a approvisionnés. Les gens reconnaissaient et appréciaient les nuages caractéristiques comme des boules de feu empilées, les drapeaux ridiculement énormes et les chevaux avec des pieds de table Chippendale volumineux, tirant des drays ou transportant des policiers, mais aussi, plus profondément que l'amusement, la sensation intime des humeurs de Londres et un sens sûr de la structure et de l'harmonie des couleurs.
Les commandes venaient de toutes parts ; une série de quatre cartes de Noël, très populaire pendant plusieurs années, a conduit le cheikh Yamani à commander une Nativité coranique pour l'envoyer à ses amis chrétiens. Le débouché le plus fructueux est finalement le London Mitsukoshi, qui achète et vend de nombreuses peintures de Murray et accepte qu'il produise des cartes à partir de celles-ci, tandis qu'à Tokyo, de petites reproductions sur des cartes téléphoniques deviennent à la mode.
Plus tard, la tâche de distribution est devenue trop lourde et les Murray ont vendu les cartes Andrew Murray à Simon Tan, un Chinois de Singapour résidant à Londres, qui (avec sa propre famille) est devenu un ami proche et un soutien. L'un de ses développements qui s'est poursuivi est le calendrier annuel d'Harrods des scènes londoniennes de Murray.
- Créateur:Andrew Murray (1917 - 1998)
- Dimensions:Hauteur : 62,23 cm (24,5 po)Largeur : 29,21 cm (11,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:le cadre est usé, la toile est légèrement ondulée, l'usure est légère, voir les photos.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215556922
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4,9
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Signature : Signé en bas à droite et titré au verso
Médium : Huile sur toile
Provenance : La collection de la famille de l'artiste
Marie Christine Clavier est née à Saigon, au Vietnam, en 1913 de parents français et y a vécu ses années de formation. Elle rentre en France à l'adolescence et commence à étudier la peinture. Son travail s'est rapidement transformé en peintures fantaisistes de poésie et de chansons - harmonisées dans une technique de peinture unique et distincte. Son travail est empreint d'empâtement et d'une sensibilité d'art populaire, d'artiste outsider. Le style est similaire à celui de Maik et d'autres réalistes fantastiques qui utilisent des animaux, des fleurs et du feuillage dans leurs œuvres. Marie Clavier peignait pour elle-même plutôt que pour le profit, car elle était assez indépendante et riche. Dans les années 1970, elle a beaucoup exposé aux États-Unis, notamment dans le Connecticut et à New York, dans diverses galeries et centres culturels. Elle a eu de nombreuses expositions individuelles dans les années 1970, notamment à la Maison française de New York et à l'Université de New York. Elle a exposé à la Galerie Bernheim Jeune à Paris. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment des médailles d'or et des palmes d'or. En 1988, le prestigieux éditeur d'art Leopard D'Or a publié un livre-catalogue sur sa vie et son œuvre - à ce moment-là, elle avait pratiquement abandonné la peinture. Elle est décédée en 2015 à l'âge de 102 ans.
La galerie Bernheim-Jeune est l'une des plus anciennes galeries d'art de Paris. Ouvert rue Laffitte en 1863 par Alexandre Bernheim (1839-1915), ami de Delacroix, Corot et Courbet, il a changé plusieurs fois de lieu avant de s'installer avenue Matignon. La galerie a promu les réalistes, les peintures de l'école de Barbizon et, en 1874, les premiers peintres impressionnistes et plus tard post-impressionnistes. Elle a fermé en 2019. En 1901, Alexandre Bernheim, avec ses fils, Josse (1870-1941) et Gaston (1870-1953), organise la première exposition importante de tableaux de Vincent van Gogh à Paris, avec l'aide du critique d'art Julien Leclercq. En 1906, Bernheim-Jeune frères commence à présenter des œuvres de Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Paul Cézanne, Henri-Edmond Cross, Kees van Dongen, Henri Matisse, Le Douanier Rousseau, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck, Amedeo Modigliani, Maurice Utrillo et Georges Dufrenoy. De 1906 à 1925, le critique d'art Félix Fénéon a été le directeur de la galerie et a contribué à l'introduction de l'art de Georges Seurat et d'Umberto Boccioni.
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