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Edouard GoergToujours la Vie Recommence1958
1958
À propos de cet article
Huile sur toile d'Edouard Goerg (1893-1969), France, 1958. La vie est toujours la même. Acquis en 2017 auprès de la collection personnelle d'Edouard Goerg. Dimensions : avec cadre : 62.5x53.4 cm - 24.6x21 inches, sans cadre : 55x46 cm - 21.7x18.1 inches, format 10F. Signé "E.Goerg" (voir photo).
Conservé par le peintre, puis par sa famille depuis sa mort en 1969, ce tableau est apparu en 2017. Intitulé "La vie recommence toujours", il s'agit d'une œuvre crépusculaire. Testamentaire pourrait-on dire, tant l'affirmation qui y est faite est définitive. Le fait qu'il l'ait conservé jusqu'à sa mort tend à consolider cette vision. Loin des regards vides et des visages de mort de l'ère rebelle de l'expressionnisme sarcastique, des témoignages terrifiants et compatissants de la guerre d'Espagne et des femmes-fleurs de l'après-guerre, nous avons affaire ici à une forme d'abdication raisonnable, mais honnête. Cette idée que bien que tout change, rien ne change. Changement d'époque, d'acteurs, d'idées, la même comédie occupe la société. Ayant abandonné l'idée de changer ce dernier, Goerg accepte le fait que la seule alternative est de rester là ou de se perdre. Mais rester à flot avec ses valeurs, en toute indépendance, quel qu'en soit le prix.
Cette œuvre est similaire à La Vie Recommence de 1935, reproduite à la page 54 du livre de Gaston Diehl consacré au peintre (Éditions de Clermont, 1947). Sur ce dernier, l'artiste dépeint sa vision de la vie, de la naissance à la mort, faite d'espoir, de peur, de cruauté, de résignation et de fatalité. 23 ans plus tard, Toujours La Vie Recommence nous montre le chemin parcouru par le peintre. Il ne s'agit plus de dénoncer, mais finalement d'accepter la réalité et la difficulté d'y rester soi-même.
L'admirateur de Hieronymus Bosch nous offre une composition inspirée. La main de Dieu, seule expression de la beauté physique dans cette œuvre, descend du ciel pour donner la vie. Symboliquement, il contient un œuf qui dispense l'élément à partir duquel les protagonistes humains trouvent leur naissance, et dans lequel ils se déplacent et s'emmêlent plus qu'ils ne s'imposent. Belle allégorie de la société. Quatre personnages, deux femmes et deux hommes évoluent dans ce marigot sociétal. L'homme au premier plan, au visage rougeaud, évolue avec aisance. Son corps est souple, flexible, adaptable. La femme à gauche l'observe avec admiration. Évidemment, cet homme est à sa place et provoque l'enlèvement. L'homme de droite, aux épaules massives et enveloppées, montre une inadaptation physique à l'activité qu'il pratique. Il lutte pour rester à flot, son visage exprime l'effort, voire l'épuisement. Mais il assume. Il fait avec ce qu'il a, avec ce qu'il est. L'autre femme lui témoigne la plus grande indifférence. Ce qui n'est pas le cas de l'archange démoniaque (récurrent dans les œuvres de Bosch) au corps rabougri, qui mène la danse et tient ce personnage, on comprend le peintre, sous sa coupe pour s'amuser. Comme ce personnage ne peut pas changer de corps, Goerg ne peut pas changer de valeurs. Il le fait avec. N'avait-il pas dit au critique Roger Brielle : "Indépendants, hommes sensibles et justes, c'est ce que nous devons nous efforcer de rester dans ce monde en désarroi". Goerg sera venu à l'expressionnisme narratif pour nous donner une allégorie du bilan de son moi profond et de sa condition.
Édouard Goerg est l'un des artistes majeurs de sa génération. Issu d'une famille champenoise, il est né à Sidney, en Australie, en 1893, lors d'un séjour professionnel de son père. Après être passé par Londres, il arrive à Paris à l'âge de sept ans. À vingt ans, entre 1913 et 1914, il étudie la peinture à l'Académie Ranson avec Maurice Denis et Paul Sérusier. Il voyage en Italie et en Inde. Mobilisé en 1914, il est envoyé en Artois, puis en Argonne. A partir de 1920, il expose au Salon des Indépendants, puis au Salon d'Automne où il s'associe à Laboureur. Chez Berthe Weil, en 1924, il participe aux expositions du groupe Gromaire, prélude à une série d'expositions à Paris (Berthe Weill, Bernheim Jeune), comme à Bruxelles (Le Centaure). Goerg illustre des livres dont le Tableau de l'au-delà de F.Boutet. En 1928, il rencontre Paul Guillaume qui expose ses œuvres à Boston et à l'Art Institute of Chicago. Il continue à exposer ses œuvres, satires des mœurs bourgeoises, à Bernheim Jeune, puis à Lucie Krogh. En 1934, il voyage en Belgique et en Hollande où il peint des tableaux surréalistes qui seront exposés à Jeanne Castel. En 1935-1936, il rencontre Aragon, qui lui ouvre les portes des maisons des cultures créées par l'Association des écrivains et des artistes révolutionnaires. La guerre d'Espagne et la Seconde Guerre mondiale la marquent profondément. Il doit protéger sa fille et ses femmes juives contre la traque des nazis. Ces derniers mourront par manque de soins. En 1949, Goerg est nommé professeur des Beaux-Arts et enseigne à la Grande Chaumière. Il est élu à l'Académie des Beaux-Arts en 1965. Il meurt en 1969.
"Sa verve satirique est celle d'un Toulouse-Lautrec des années folles. Goerg est l'instigateur du monde dont il est issu, de son cérémonial, de sa morgue et de la fausseté des gens importants " (Michel Charzat, La jeune peinture française).
Dans les peintures de sa première période, il s'attaque à la moralité de la société bourgeoise de l'après-guerre et, en ce sens, il est similaire à des peintres expressionnistes comme Georg Grosz. Les œuvres majeures de cette période sont : Pirate (1922) ; Gourmand (1923) ; Bar (1923) ; Mariage (1924) ; Fenêtre (1924) ; Don Quichotte (1925) ; et Bonne fortune (1925). Il voyage beaucoup et, en 1935, il visite les musées de Hollande, où il est profondément influencé par les œuvres de Hieronymus Bosch et de Bruegel. Il réalise ensuite une série de tableaux sur le thème de la tragédie de la condition humaine, sous le titre générique : "eThis is how the world turns under the eye of the police".
Après la Seconde Guerre mondiale, il conserve ses commentaires au vitriol pour ses gravures, et dans ses peintures, il cesse de critiquer la vie réelle et célèbre plutôt les charmes maléfiques des filles-fleurs. Il illustre de nombreux livres, dont : Les Contes d'Hoffmann, L'image de l'au-delà de Frédéric Boutet, Knock de Jules Romains, Les Fleurs du mal de Charles Baudelaire, Le Livre de Job et L'Apocalypse de Saint Jean de Sir Isaac Newton, qui ont tous démontré ses talents de graveur. Interrogé sur son art, il avoue qu'il a d'abord voulu essayer de débloquer la "comédie des formes quotidiennes". Essentiellement peintre de figures, il peint généralement des groupes de nus féminins ; cependant, ces nus sont souvent accompagnés de spectateurs masculins habillés de façon conservatrice, qui sont le symbole le plus durable de ses premières intentions comiques. Néanmoins, la comédie est chargée d'amertume et de sarcasme.
Après plusieurs refus, il est accepté au Salon des Artistes Indépendants en 1922. Ses œuvres apparaissent ensuite au Salon d'Automne, au Salon des Tuileries, au Salon des Peintres Témoins de leur Temps et au Salon de la Société des Peintres-Graveurs, dont il devient président d'honneur de 1945 à 1958. Il fait sa première exposition personnelle à Paris en 1925. Par la suite, il expose régulièrement en France et à l'étranger. Plusieurs rétrospectives de son œuvre ont eu lieu, notamment en 1988 au Grand Palais à Paris et au Salon du Verney à Vichy. En 1949, il reçoit le très prestigieux prix Hallmark pour Nativity. En 1950, il reçoit le prix Lugano de la gravure.
" Au milieu des années vingt, il développe son code plastique : des toiles à la surface plane, une gamme chromatique qui s'est éclaircie de bleus et de verts phosphorescents, un métier qui veut transcender le sujet par une beauté intrinsèque. Goerg travaille avec la patience de l'alchimiste sa pâte qu'il superpose pour obtenir la somptuosité des émaux. Une magie picturale unifie les différentes périodes de l'œuvre" (Michel Charzat, La jeune peinture française).
- Créateur:Edouard Goerg (1983-1969, Français)
- Année de création:1958
- Dimensions:Hauteur : 62 cm (24,41 po)Largeur : 53,4 cm (21,03 po)Profondeur : 4 cm (1,58 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Saint Amans des cots, FR
- Numéro de référence:1stDibs : LU1088214700992
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Biographie
Amédée de La Patellière est né dans le vignoble nantais, au château de Bois-Benoît à Vallet. Il passe son enfance à la campagne, qui sera l'une des sources d'inspiration de son œuvre. Après avoir préparé l'École navale, il entre à l'Académie Julian à Paris en 1910. Il a ensuite partagé son temps entre sa maison familiale de Bois-Benoît, Paris, et le sud de la Seine-et-Oise. Il a été blessé au combat pendant la Première Guerre mondiale. À son retour de la guerre, en 1919, il séjourne en Tunisie d'où il ramène des croquis lumineux. Installé à Paris, il a épousé Suzanne Lamon en 1924. Professeur à l'Académie Ranson à Paris de 1929 à 1932, il est l'un des artistes fondateurs du groupe de la Jeune Peinture (avec Yves Alix, Robert Lotiron et Louis-Joseph Soulas). contemporain. Il était également l'ami de Bertrand Mogniat-Duclos. Comme ses amis André Dunoyer de Segonzac et Henri Le Fauconnier, il annonce une forme d'expressionnisme, où la matière dense et sombre, organisée en clair-obscur, donne un volume solide aux sujets rustiques qu'il affectionne. On perçoit une lointaine influence du cubisme dans ses compositions structurées, mais avec une expression de gravité intense (Le repos dans la cave, Musée national d'art moderne, Paris). Sa rugosité terrienne exclut cependant le pittoresque, car l'artiste semble plus préoccupé par la plasticité que par le réalisme.
Lors de séjours en Provence, dans les dernières années de sa vie (1930-1931), sa palette se diversifie. Il rencontre l'écrivain Jean Giono, pour lequel il réalise les illustrations de son roman Colline, et dont le lyrisme est très proche du sien.
Gravement malade en 1929, il meurt à Paris en 1932.
Expositions
1945 : rétrospective au Musée national d'art moderne de Paris
1973 : exposition au musée Galliera à Paris
2014 : exposition coproduite par le Musée des Beaux-Arts de Nantes, La Piscine de Roubaix, le Musée du Mont-de-Piété à Bergues et le MUDO - Musée de l'Oise de Beauvais.
Bibliothèque
Roger Brielle, Amédée de La Patellière, collection " Les Peintres nouveaux " n° 46, Paris, Gallimard, 1932.
Jean Alazard, Amédée de la Patelliere, Pierre Cailler...
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