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Philippe AugePeinture à l'huile surréaliste française Poires, fruits Nature morte texturée Style Art Déco
À propos de cet article
Philippe Auge (français 1935-)
Nature morte aux poires
Médium : Huile sur toile
Dimensions : toile de 21 cm sur 26 cm (8 1/4 sur 10 1/4 po).
Signé à la main dans le coin supérieur gauche "Auge'"
Provenance : Collection privée d'un domaine de Miami Beach.
Philippe Auge (né en 1935) est actif/vivant en France. Connu pour ses natures mortes surréalistes de fruits et de légumes, sa peinture de figures féminines exotiques et son design de tissus.
Philippe Augé est l'un des peintres les plus accomplis de notre époque et un coloriste d'une rare qualité". Avec cet éloge inhabituel du maître moderne George Braque, le jeune artiste français Philippe Augé s'est lancé dans une carrière de peintre qui, depuis les années 1950, l'a catapulté dans une position significative dans l'arène de l'art contemporain. L'évaluation de Braque représente la quintessence de toutes les qualités associées à l'œuvre d'Augé aujourd'hui.
Reconnu principalement pour ses personnages délicatement équilibrés et ses natures mortes luxuriantes, ses tableaux vibrent d'une gamme de couleurs riches qui rappellent instantanément la panoplie de la peinture de la Renaissance. À première vue, les sujets ont une qualité tranquille indiquant l'influence du surréalisme - fruits pulpeux, belles femmes vêtues de robes en tissus luxueux, fleurs sensuelles, paysages pastoraux d'une région jamais vue par l'homme - mais une étude plus sérieuse révèle quelque chose d'autre ; une note surréaliste, subtilement introduite par le biais d'une figure minuscule se profilant à l'arrière-plan.
Auge a créé des natures mortes d'une qualité extrême en utilisant des couleurs riches et une imagerie surréaliste. Après avoir quitté la France à l'adolescence, Auge s'est rendu en Italie où il a étudié l'art de nombreux maîtres des XVe et XVIe siècles dans les musées du pays. C'est à son retour en France que Braque le prend sous son aile et que sa carrière explose, exposant dans le monde entier, de Paris à Hille en passant par Rome et Athènes. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'être appréciées par les critiques et les collectionneurs, puisqu'elles sont exposées dans des collections telles que le Musée d'art moderne (Paris). Une huile figurative du milieu du siècle, élégante et substantielle, de ce membre de la deuxième génération de l'École de Paris. Auge a exposé largement et avec succès et a reçu de nombreuses médailles, prix et récompenses décernés par des jurys. Il figure dans tous les ouvrages de référence sur l'art, y compris le Dictionnaire des peintres de Bénézit. Nous avons le plaisir de proposer une œuvre signature de la période intermédiaire de l'artiste. Son travail se marie bien avec les intérieurs shabby chic.
Les tableaux de Philippe Eleg nous frappent d'emblée par leur taille, leur pureté, leur élégance raffinée et le rôle prépondérant tenu par les femmes. Au premier abord, on se rend compte que cet homme aurait vraiment pu travailler dans le monde de la mode en raison du soin qu'il consacre à produire des effets particuliers avec les robes qu'il leur fait porter et qui n'auraient pas semblé déplacés dans un défilé de mode. Et puis, quand on se penche sérieusement sur sa biographie, on découvre qu'il a bel et bien travaillé dans la haute couture, qui plus est en Italie. Il a créé des matériaux pour les plus grands designers. Il vit alors dans cet univers particulier où les femmes lui inspirent ses plus beaux ensembles vestimentaires, ses costumes les plus merveilleux et les plus exubérants. Phillips Auge, qui retourne alors à ses tableaux et à ses pinceaux, poursuit ce rêve éveillé de jeunes femmes exquises, sveltes et douces qu'il habille des plus belles tenues.
En ce qui concerne son style le plus personnel, on pourrait dire qu'il a été influencé ou inspiré par les chefs-d'œuvre de la Renaissance italienne : les silhouettes, les visages allongés aux yeux verts en amande, les mains aux doigts de fée, les coiffures soignées, les petits pieds fins rappellent les femmes de ces temps anciens, telles qu'elles nous sont parvenues à travers les peintures de Bellini, Bronzino ou Caravaggio, leurs gestes sont mesurés, leurs poses sensuelles et un peu timides, effacées et pleines de sagesse.
De la Renaissance italienne, il a peut-être aussi retenu l'harmonie des couleurs riches et soyeuses souvent rehaussées d'un lavis d'or, le modelage, l'art du drapé, et une certaine façon d'associer cette féminité omniprésente aux fleurs et aux fruits bien mûrs. On peut presque encore se souvenir de la saveur du parfum.
Phillips ne place pas ces femmes dans de riches et luxueux cercueils. Bien au contraire, il joue sur le contraste entre un décor abstrait, dépouillé, intemporel, remarquable essentiellement par l'harmonie et le calme qu'il crée autour des personnages, et qui fait ressortir avec d'autant plus d'acuité la beauté et l'élégance de ses modèles. Ce vide, cet espace libre autour des femmes représentées nous rappellent aussi, d'une certaine manière, la peinture chinoise, japonaise ou coréenne. Sa vie mouvementée entre la France et l'Italie, entre la haute société qu'il dépeint à Rome et le théâtre pour lequel il crée décors et costumes, entre les ateliers de haute couture animés comme des ruches et le silence de son propre atelier où il se réfugie loin de toute intrusion du monde, pour peindre dans la solitude et la contemplation.
Il a montré avec Jean Calogero, Lazzaro Donati, Michel Henry, Niek Van der Plas, Jean-Pierre Dubord, Charles Cobelle, Paul Augustin Aizpiri, Yolande Ardissone, Paul, Arbit Blatas, Elisee Maclet, Wayne Beam Morrell, Marie Laurencin, Charles Levier, Minas Avetisian, Constantine Kluge, Leonardo Nierman, Andras Rac, Le Pho, Alexander Dzigurski, Pal Fried, Edward Barnards, Martiros Sergeevich Sarian, Marguerite Stuber Pearson et Eugène Galien-Laloue. Né à Paris en 1935, après des études à Rennes et à Paris, il rencontre Schiaparelli et Jacques Fath et crée pour ces deux chefs leaders de la Haute Couture des tissus dont le design et la finesse des nuances feront le succès de leurs collections.
À Rome, il collabore avec Giulio Collaboration, réalise de merveilleux décors et costumes pour le théâtre et le cinéma, devient portraitiste de la haute société romaine.
Redevenu peintre, sa vie s'écoule entre d'intenses périodes de travail au cours desquelles il réalise des natures mortes démesurément agrandies où Arcimboldo le dispute au Caravage, porteur d'une exubérante sensualité en gestation.
- Créateur:Philippe Auge (Français)
- Dimensions:Hauteur : 40,64 cm (16 po)Largeur : 45,72 cm (18 po)
- Support:
- Période:
- État:le cadre et le tapis sont usés. voir les photos.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215758422
Philippe Auge
Philippe Augé est l'un des artistes les plus accomplis de notre temps et un coloriste d'une rare qualité. Augé a exposé largement et avec succès et a reçu de nombreuses médailles, prix et récompenses décernés par des jurys. Il est répertorié dans tous les ouvrages de référence sur l'art, y compris le Dictionnaire des Peintres de Benezit.
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Tout afficherArt populaire israélien Peinture à l'huile Grenades Nature morte style naïf Hedva Yardeni
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Hedva Yardeni est née en 1969 à Jérusalem dans une famille juive traditionnelle. Elle a grandi à Jérusalem, en Israël. En 2004, Yardeni s'est installée à Los Angeles. À cette époque, son travail était basé sur des images, des paysages et des symboles juifs tirés de son enfance à Jérusalem. Le motif dominant de son œuvre est la grenade. Dans la tradition juive et israélienne, une myriade de significations symboliques a été attribuée à la grenade. Ce fruit humble signifie la terre d'Israël et la renaissance du peuple juif. Elle est le symbole de la richesse et de la prospérité du pays.
Yardeni est retourné en Israël en 2005 et s'est installé en Galilée.
Elle a redécouvert la beauté exquise de sa terre natale et a laissé la pleine expression de son amour profond pour Jérusalem sortir de son âme et se retrouver sur la toile. Ses œuvres récentes sont pleines de lumière et de joie et reflètent un esprit intérieur qui tend toujours vers le Tout-Puissant. Elles sont plus abstraites, pures et rayonnantes de lumière. Son travail a un caractère naïf, fantaisiste et folklorique.
Yardeni a grandi à Jérusalem et a obtenu son BA en art à la Kaye academy Beer Sheva, et mon MA à l'Institut Schechter d'études juives. Les motifs de ses œuvres sont basés sur des images, des paysages et des symboles juifs tirés de son enfance à Jérusalem. Sa palette vibrante et sa contemplation mystique judaïque explorent à la fois le monde historique et spirituel de ma patrie. Ses Making Works se caractérisent par la lumière, la joie et les couleurs vives, exprimant une joie spirituelle lumineuse, l'imagerie de la Kabbale, mettant l'accent sur les symboles de Jérusalem. Son travail rappelle Raya Sorkine, Zamy Steynovitz et Yoel Benharrouche
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