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Julia Whitney BarnesBotanique pittoresque (Nature morte de lys et de roses roses sur fond bleu indigo)2023
2023
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À propos de cet article
Nature morte réaliste de lys, roses et digitales rose pastel sur fond bleu foncé
Cyanotype peint à la main par Julia Whitney Barnes
"Botanique pittoresque (lys, rose, fleur de cerisier, digitale, meunier)" réalisée en 2023
Dimensions de l'image : 20 x 16 pouces / Dimensions du cadre : 26.75 x 22.5 pouces
Cadre ondulé flamand/néerlandais sur mesure
Vitrage antireflet pour musées
À l'aide de divers médiums de peinture et du cyanotype - un procédé d'impression qui produit une image bleue lorsqu'une surface enduite de chimie est exposée à la lumière du soleil - l'artiste Julia Whitney Barnes cultive des vignettes édéniques. S'inspirant du travail de femmes artistes et scientifiques comme Anna Atkins, les compositions de Whitney Barnes exaltent toute vie végétale "avec la même importance, qu'il s'agisse d'une mauvaise herbe, d'une espèce rare, d'une fleur sauvage ou d'une fleur cultivée", a déclaré Whitney Barnes lors d'une interview accordée à Create Magazine.
Le cyanotype est un procédé d'impression photographique sans appareil photo, inventé en 1842, qui produit un tirage bleu cyan lorsqu'une surface recouverte d'une substance chimique non toxique est exposée à la lumière du soleil. Grâce à ce médium, Whitney Barnes manipule des impressions physiques de plantes cultivées localement dans son jardin de la vallée de l'Hudson et dans d'autres régions voisines, ainsi que des négatifs photographiques découpés de manière complexe. La lumière du soleil déclenche le processus d'exposition avec la chimie du cyanotype, Les fleurs sélectionnées sont soigneusement disposées dans des compositions de nuit, suivies de longues expositions sous lumière naturelle ou UV pour créer les tirages finaux. Une fois l'imagerie cyan unique fusionnée, Whitney Barnes peint méticuleusement le papier aquarelle exposé avec de multiples couches d'aquarelle, d'encre et de gouache. Chaque cyanotype est créé par la puissance de la lumière, inspirant les spectateurs à regarder ces images très reconnaissables d'une manière nouvelle et différente.
Déclaration de l'artiste :
Dans cette série, j'aborde chaque chose qui pousse avec la même importance, qu'il s'agisse d'une mauvaise herbe, d'une espèce rare, d'une fleur sauvage ou d'une fleur cultivée. La plupart des œuvres présentent plusieurs espèces fusionnées en une seule composition, souvent au point que les plantes exactes représentées sont sujettes à interprétation. Chaque composition commence par une impression en bleu et blanc sur du papier aquarelle, puis je travaille à l'aquarelle, à la gouache et à l'encre. Même les œuvres qui apparaissent toutes en bleu et blanc sont généralement complétées par des supports brossés. Ce qui m'intéresse le plus, c'est de créer des objets qui soient à la fois beaux et mystérieux. Je veux qu'ils soient familiers tout en étant légèrement hors du temps. À l'été 2015, j'ai quitté Brooklyn pour m'installer dans une maison centenaire de la vallée de l'Hudson, avec mon mari, Sean Hemmerle. Quatre semaines plus tard, j'ai donné naissance à notre fille, Magnolia. Au lieu d'un baptême pour le bébé, nous avons organisé une cérémonie de plantation d'arbres et placé un magnolia dans notre jardin, en incluant le placenta comme engrais. Ce petit geste a marqué le début de ma relation intime avec les plantes qui poussent dans notre jardin. Après la naissance de notre fils August en 2018, nous avons organisé une cérémonie similaire avec un cornouiller dans notre jardin. Pendant les dix-huit années où j'ai vécu à New York, l'une des choses qui m'a le plus manqué a été une relation directe avec la nature. Après avoir déménagé à Poughkeepsie, l'influence d'avoir mon propre espace vert pour la première fois de ma vie d'adulte a commencé à s'insinuer dans mon processus de travail en studio. Le simple fait d'aller fréquemment à l'extérieur, puis à l'intérieur, puis à nouveau à l'extérieur m'a fait réfléchir à l'intérieur et à l'extérieur de manière formelle et métaphorique. Il est profondément satisfaisant de prendre quelque chose d'éphémère et de le représenter d'une manière qui puisse vivre éternellement.
- Créateur:Julia Whitney Barnes (Américain)
- Année de création:2023
- Dimensions:Hauteur : 67,95 cm (26,75 po)Largeur : 57,15 cm (22,5 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Hudson, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU22714233442
Julia Whitney Barnes
Née à Newbury, Julia Whitney Barnes a passé deux décennies à Brooklyn, avant de s'installer dans la vallée de l'Hudson, où elle vit aujourd'hui avec son mari photographe et ses deux enfants. Barnes est un artiste multidisciplinaire dont le travail combine des éléments de l'environnement humain ou bâti dans des juxtapositions surréalistes avec la Nature. Ses peintures aux couleurs vives sont basées sur une variété d'images sources qui sont assemblées pour former des intérieurs et des paysages inhabituels. Whitney Barnes travaille dans le style de nombreux artistes de l'Hudson River School qui créaient des peintures composites à partir de croquis réalisés en plusieurs jours et en plusieurs lieux, distillés en une seule image. Julia Whitney Barnes a obtenu une licence en beaux-arts à la Parsons School of Design et une maîtrise en beaux-arts au Hunter College, tous deux à New York. Whitney Barnes a exposé à travers les États-Unis et à l'étranger et son travail a été présenté dans The New York Times, Chronogram Magazine, Brooklyn Magazine, The Village Voice, Hyperallergic et The New York Sun. Elle est lauréate de bourses du Lower Manhattan Cultural Council, de l'Abbey Memorial Trust Fund for Mural Painting, de la National Academy of Fine Arts, de la Gowanus Public Art Initiative et a réalisé des projets d'art public à Fjellerup, au Danemark, grâce au financement de Kulturpuljen, Norddjurs Kommune, Danemark, en 2013 et du programme d'art urbain du NYC DOT en 2011.
À propos du vendeur
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