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Carlos Hernández GuerraCarlos Hernández Guerra, Estelos, huile sur toile, 20152015
2015
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À propos de cet article
L'œuvre est signée et datée au recto.
Carlos Hernández Guerra
Né à El Callao, dans l'État de Bolivar, en 1939.
Il étudie à l'École des arts plastiques et appliqués de Caracas de 1955 à 1959, avec des professeurs tels que : Rafael Ramón González, Marcos Castillo, Pedro Angel González, Juan Martín Durbán, Juan Vicente Fabbiani et Alejandro Otero. En 1959, il reçoit le prix de Rome du 20e salon officiel d'art vénézuélien. Il se rend à Paris en 1960 pour étudier à l'École supérieure des beaux-arts de Paris, tout en suivant simultanément des cours de sociologie de l'art à l'université de La Sorbonne sous la direction du prestigieux professeur Pierre Francastel. En 1960, il obtient le prix Antonio Esteban Frías, Salon officiel d'art, Caracas, et en 1961, le premier prix du Salon annuel du poisson d'or, Caracas. À son retour de Paris, en 1962-64, il est incorporé au corps enseignant de l'école d'arts plastiques Armando Reverón de Barcelone. En 1963, il participe au spectacle "Trois jeunes hommes récompensés" à la salle Mendoza. Avec Manuel Espinoza, il est cofondateur du Centre d'art expérimental (CEA) de l'Université des Andes (ULA), où il enseigne le dessin et la peinture et dirige le centre de technologie picturale de 1964 à 1968. En 1968, il entre à l'École nationale des beaux-arts de Berlin, en Allemagne, où il suit les cours du professeur Hans Trier. En 1972, il participe à l'exposition "Artistes latino-américains" réalisée au Musée d'art moderne de Paris. En 1973, il devient membre du corps enseignant de l'école d'art Cristóbal Rojas tout en enseignant le dessin à l'Institut Neumann de Caracas. En 1977, avec Alirio Palacios, il représente le Venezuela à la 14e Biennale de Sao Paulo. En 1980, il remporte le prix Arturo Michelena au salon Arturo Michelena de Valence. Il s'associe aux artistes Ana Mercedes Hoyos, Galaor Carbonell et José Antonio Quintero pour présenter en 1981 à la National Art Gallery une exposition intitulée "Le paysage le plus libre". En 1984, il représente avec Alirio Palacios le Venezuela à la première biennale de La Havane, à la Maison des Amériques, à Cuba ; ces œuvres sont actuellement conservées au musée Wilfredo Lam. Son parcours artistique comprend de nombreuses expositions collectives au niveau local ainsi que dans différents pays d'Amérique latine et d'Europe.
"...Quand les Hilles seront dévastées par la furie démolisseuse du progrès, quand il n'y aura plus de bambous ni de plantes sauvages ni de prairies pour désorganiser ce paysage, l'œuvre restera comme le témoignage de quelque chose qui fut réel et peut-être la mémoire de notre horizon..." Carlos Hernández Guerra
Tout au long de sa carrière, on peut distinguer plusieurs étapes. De 1961 à 1968, son œuvre se caractérise par la violence du coup de pinceau sur la toile, la couleur et les textures jouant un rôle fondamental, l'utilisation de la technique du frottage, plus un coup de pinceau libre, nerveux, agile, comme dans la série noire basée sur des séquences zoomorphes : chauve-souris, crâne.
De 1968 à 1973, il développe une figuration engagée, teintée d'influences pop art ; il réalise des figures minutieuses d'un réalisme photographique, tirées des journaux d'une période historique pleinement plongée dans la violence. L'artiste parvient à combiner dans un même plan pictural le monde réel avec un contour expressionniste et abstrait minutieux.
Dans sa troisième étape, il y a la révélation de l'horizon qu'il utilise comme un symbole abstrait ; au premier plan de ses paysages, les broussailles et les buissons sont dessinés avec des coups de pinceau gestuels conformes à une réalité naturelle. Un contour lisse contraste avec la ligne nerveuse et le mouvement vertigineux du premier plan, où il représente des buissons, des clôtures, des fils barbelés, etc.
Hernández Guerra n'a jamais été totalement abstrait, même dans sa phase informelle, dans le sens où il effaçait toutes les références aux choses. Il y a toujours une sorte de lien avec eux, ce qui lui permet de dépasser la phase purement automatique du geste et son conditionnement abstrait. Il recherche une synthèse de l'émotionnel et du rationnel à partir d'une évolution qui, pour Hernández Guerra, va de la peinture abstraite basée sur la pulsation motrice du geste aux vastes paysages programmés qui ont fait irruption dans les années 1980 et que l'on pourrait définir comme un néo-paysagisme organique, pour reprendre un terme inventé par María Elena Ramos dans sa thèse sur l'œuvre avec laquelle notre peintre a participé à la biennale de Sao Paulo.
En général, la peinture de H. Guerra s'oriente presque indéfectiblement vers un modèle de composition qui conjugue des parties bien équilibrées et bien construites comme lien avec la réalité et une zone érodée où les lignes et les couleurs altérées par la pulsion produisent une perturbation de l'ordre, H.G. s'est intéressé à la thématique du paysage lors de ses voyages dans les vallées de l'Aragua à la fin des années 1970. la ligne d'horizon devient non seulement l'axe de la composition du point de vue partagé par le peintre et le spectateur, mais aussi comme une séparation dans un champ dynamique, en profondeur, avançant en perspective, et un plan neutre qui retient la composition et la projette vers l'avant comme un écran. Il assume la tâche (peu reconnue) de renouveler le genre et de l'installer dans les décors de ses tableaux situés dans des endroits reculés au milieu des immenses plaines végétales qui s'étendent au sud du Venezuela, des endroits restés inexploités ou non traités ou avec peu ou pas de précédents ou de tradition parmi nous, Les maîtres du Diptych Fine Arts ont été les créateurs d'un style paysager prestigieux.
Ils se sont attachés à faire un relevé si exhaustif de la vallée de Can que l'on peut dire qu'ils s'en sont emparés et qu'ils ont épuisé le sujet. Très rarement, seulement lorsqu'ils peignaient la montagne depuis les collines du sud, ils employaient la perspective cavalière. Les motivations de Hille diffèrent non seulement de toutes les manières traditionnelles de recréer le paysage, mais aussi des tentatives plus actualisées et audacieuses menées au cours des années 1970 afin de renouveler le genre.
Tout cela fait de lui un créateur excentrique dans l'histoire de notre peinture en matière de paysage. Sa formulation d'un nouveau paysage implique la reformulation des notions reçues de la tradition... H.G. travaille à partir d'images reproduisant un aspect de la nature si soigneusement transféré dans le tableau que l'on peut identifier les caractéristiques géographiques du lieu et même de la région où il se trouve. C'est le paysage que l'on observe lorsque les espaces dénudés de la cordillère centrale sont surmontés. Un paysage spéculaire où l'horizon est relié au ciel par une ligne fragile et tachetée, orientée vers le point de vue du spectateur, en coïncidence avec celui du peintre. Il n'y a pas de personnages, pas de vie humaine, pas de traces de présence animale. Sa méthode rappelle celle du photographe professionnel. Son approche du paysage a un caractère plutôt rituel... Cependant, pour H. G., la photographie n'est qu'un élément du processus. La peinture ne reproduit pas fidèlement la photographie, puisque l'intention est de reconstruire le sujet, et l'image qui en résulte consiste en un résumé réinventé des impressions générales rapportées par la documentation. Le halètement en lui-même est une réalité autonome. La perception soudaine de l'image d'un temps figé.
"Un paysage sur la mémoire duquel, enregistré dans l'image, seul le paysage lui-même peut faire des commentaires". Juan Calzadilla, "Du signe au paysage organique".
- Créateur:Carlos Hernández Guerra (1939, Vénézuélien)
- Année de création:2015
- Dimensions:Hauteur : 129,8 cm (51,1 po)Largeur : 194,82 cm (76,7 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Miami, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU161328877612
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L'œuvre est signée et datée au recto.
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