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Shipping in Stormy Waters attribué à l'artiste italien Francesco Guardi18ème siècle
18ème siècle
À propos de cet article
La splendeur de la mer tragique
Francesco Guardi et la peinture maritime dans l'art vénitien
Aucun peintre vénitien n'est étranger à la mer. Après tout, Venise n'était pas seulement l'un des ports les plus importants de la Méditerranée, mais aussi une ville littéralement immergée dans l'océan de temps à autre. Curieusement, la célèbre école de peinture vénitienne s'est peu intéressée aux motifs maritimes, privilégiant les scènes de l'architecture emblématique de la ville plutôt que les paysages marins. C'est pourquoi ce tableau est une fenêtre particulièrement intéressante non seulement sur le peintre Francesco Guardi lui-même, mais aussi sur l'importance de l'élément eau dans l'histoire de l'art, qu'il soit absent ou qu'il soit au centre de l'attention.
Qu'il s'agisse de journées calmes et ensoleillées offrant une vue imprenable sur les palais bordant les canaux de Venise ou, plus rarement, de tempêtes et de naufrages en mer, l'eau en tant qu'élément unificateur fait partie intégrante de l'œuvre du peintre Francesco Guardi (1712-1793). De son vivant, l'art vénitien a connu plusieurs de ses plus grands triomphes, avec des noms comme Tiepolo ou Canaletto qui ont acquis une reconnaissance internationale et ont fermement établi Venise comme l'une des communautés artistiques les plus dynamiques d'Europe. Alors que la ville elle-même était déjà, au XVIIIe siècle, un lieu touristique où les aristocrates et la haute société se rendaient lors de leurs grands voyages, les artistes ont eux aussi contribué à cette renommée et leurs œuvres ont diffusé l'image de Venise, ville de romance et de loisirs, auprès d'un public international, dont beaucoup n'ont jamais pu se rendre sur place.
Aujourd'hui encore, l'image emblématique de Venise, avec son éventail fantasque de palais, d'églises et d'autres bâtiments historiques, est largement influencée par ces artistes, dont beaucoup ont très bien résisté à l'épreuve du temps et restent parmi les plus appréciés de toute l'histoire de l'art. Ce n'est pas tant la subtilité, les significations intellectuelles ou les idéaux moraux que l'art vénitien a tenté de capturer, mais plutôt l'effervescence de la vie et le rythme effréné de la ville, avec ses palais en ruine et ses habitants festifs, qui ont rendu cette atmosphère si particulière. Bien entendu, Venise pouvait compter parmi ses résidents des peintres dans la plupart des genres, du portrait aux motifs religieux, en passant par la peinture d'histoire et bien d'autres choses encore. Pourtant, ce sont les Vedutas et les vues de la ville qui semblent s'être gravées dans notre mémoire plus que toute autre chose, notamment dans la tradition de Canaletto, qui était peut-être le maître incontesté de tous les peintres vénitiens.
Né dans la profession, Francesco a vécu et respiré la peinture toute sa vie. Son père, le peintre Domenico Guardi (1678-1716), est mort alors que Francesco n'était encore qu'un enfant, mais lui et ses frères Niccolò et Gian Antonio ont continué à suivre les traces de leurs pères. La famille Guardi appartenait à la noblesse et était originaire de la région montagneuse du Trentin, non loin des Alpes. Les frères ont travaillé ensemble sur des commandes plus difficiles et se sont soutenus mutuellement, à la manière typique des ateliers familiaux ou des réseaux d'artistes. Leur sœur Maria Cecilia a épousé l'artiste Giovanni Battista Tiepolo lui-même, liant ainsi la famille au nom vénitien le plus célèbre de l'époque. Pendant près d'une décennie, Guardi a travaillé dans le Studio de Michele Giovanni Marieschi, parfois simplement connu sous le nom de Michele, un peintre similaire à la fois dans le style et le motif. Canaletto est cependant l'artiste auquel Guardi est le plus souvent comparé, car ils partageaient une fascination commune pour la représentation de l'architecture et du paysage urbain de Venise.
Au cours de sa carrière, Guardi s'est essayé à de nombreux genres différents. Il était aussi prompt à peindre des paysages, des Vedutas de Venise, des motifs sacrés, des intérieurs et des compositions architecturales qu'il l'était pour un certain nombre d'autres motifs. Son style est typique de l'école vénitienne, mais aussi distinct et personnel lorsqu'on y regarde de plus près. Il y a une certitude absolue dans la composition, dont le choix ressemble parfois à celui d'une photographie soigneusement calculée, mais elle est aussi très picturale, dans le meilleur sens du terme : fluide, audacieuse, sensible et pleine de caractère. Le travail au pinceau est rapide, intense, apparemment négligent et extraordinairement minutieux à la fois ; frais et planifié dans un mélange très agréable. Ses intérieurs capturent souvent le glamour spacieux et à couper le souffle des palais et de leurs décors exquis. Il construit généralement le motif à l'aide de traits et de formes remarquablement simples, presque spontanés mais intuitivement précis. Il en résulte une atmosphère festive et pleine d'entrain, loin de la ressemblance stérile et exacte dont d'autres peintres ont été victimes en essayant de copier Canaletto.
Le tableau présenté ici n'a rien à voir avec la ville de Venise. Au contraire, nous semblons être transportés loin dans l'océan solitaire, sans architecture, sans rien à quoi s'accrocher - seulement la mer rugissante et les dangereuses falaises sur lesquelles les navires sont à deux doigts de s'écraser. Il s'agit d'une composition maritime évoquant à la fois des précurseurs flamands et italiens, dans la fière tradition de la peinture maritime qui, pendant des siècles, a constitué une part essentielle de notre culture visuelle.
Ce genre de peinture est aujourd'hui curieusement négligé, comparé à l'estime et à la signification qu'il avait lorsque notre rapport à la mer était bien plus naturel qu'il ne l'est aujourd'hui. À l'époque où les personnes et les marchandises voyageaient par voie d'eau et où de nombreuses nations et villes - dont Venise - dépendaient entièrement du transport maritime, le lien existentiel avec l'océan était beaucoup plus naturel et intégré dans l'imaginaire. Les écoles et les traditions d'art maritime sont aussi nombreuses qu'il y a de pays liés à la mer, et toutes reflètent le besoin de traiter les dangers et les merveilles de l'océan.
Il peut symboliser les opportunités, les perspectives excitantes d'un nouveau pays et d'aventures, un commerce prospère, de beaux paysages, mais aussi la guerre et la tragédie, la perte de vies humaines, le danger et le malheur. Dire que l'eau est de nature ambivalente est un euphémisme, et ces nombreuses couches ont été explorées par les artistes de la manière la plus merveilleuse qui soit. Il faut peut-être un peu plus de temps à l'œil moderne pour identifier les différentes nuances et qualités des peintures maritimes historiques, qui peuvent à première vue sembler difficiles à différencier les unes des autres. Mais en permettant à ces motifs de se déployer et de raconter des histoires de mer à la fois dans la fiction et dans la réalité - ou quelque part entre les deux - nous sommes récompensés par une compréhension de la manière dont les océans ont véritablement construit notre monde.
Dans l'interprétation de Guardi, nous assistons à une scène de naufrage presque théâtrale. Pas moins de cinq navires sont représentés au moment du désastre total. Pris dans une violente tempête, les vagues les ont poussés vers un rivage aux falaises abruptes et, s'ils ne sont pas engloutis par les vagues, ils semblent devoir s'écraser contre les falaises. Les grands navires en bois sont décorés de façon impressionnante avec des sculptures élaborées, et sont en fait des reliques datant de l'époque de Guardi. Elles sont en effet typiques des navires hollandais et flamands du XVIIe siècle, ce qui nous donne un indice sur l'endroit où il a puisé son inspiration. Guardi a dû voir des exemples d'art maritime flamand qui ont éveillé sa curiosité pour ces motifs particuliers. On pense à des peintres flamands comme Willem van de Velde et Ludolf Backhuysen, et ce tableau a d'ailleurs été attribué par erreur à Matthieu van Plattenberg. Elle présente cependant tous les traits typiques de Guardi et la connaissance de son impressionnante polyvalence renforce encore l'attribution à ce dernier, tout comme pas moins de dix autres versions connues de la même scène et d'un dessin d'étude. Les versions du Musée des Beaux-Arts de Montréal et de la collection Gnecchi de Milan sont particulièrement similaires dans leur impact dramatique, le traitement des vagues et la position des navires, formant ensemble un exemple intéressant de la manière dont un artiste peut retravailler et explorer une composition.
Même si les paysages marins ne sont jamais devenus la spécialité de Guardi, l'existence de cette peinture est un témoignage fascinant de sa virtuosité et des avantages artistiques qu'il tire de l'utilisation de la mer comme métaphore de la fragilité de la vie et de la vulnérabilité de l'homme face aux éléments. En outre, elle permet de mieux comprendre l'ensemble de l'école de peinture vénitienne qui, malgré sa splendeur architecturale emblématique, était beaucoup plus polyvalente qu'on ne le pense généralement. Le fait que de telles œuvres d'art nous rappellent également une relation oubliée avec la mer renforce encore la précieuse leçon selon laquelle une peinture peut nous ouvrir les yeux sur l'histoire, dès lors que nous lui accordons l'attention qu'elle mérite.
huile sur toile
dimensions de la toile 20 x 23 ½ in. (50.8 x 59.7 cm)
cadre 25.7 x 29 pouces (65.5 x 74 cm.)
Provenance :
Christie's Londres, 2 novembre 2016, lot 180 (comme Attribué à Francesco Guardi), vendu 102 500 livres sterling ;
Collection S. France ;
Sotheby's Paris, 17 juin 2021, lot 165 (tel qu'attribué à Francesco Guardi).
La littérature :
A. Bonfand, Francesco Guardi, una burrasca, étude inédite, 2017, cat. 15 comme de Francesco Guardi, fig. 1.
J. Byam Shaw, The Drawings of Francesco Guardi, Londres, 1951, p. 78, n° 73, illustré.
Une esquisse préparatoire de cette composition a été enregistrée par Byam Shaw. À plusieurs égards, ce dessin est plus proche de cette peinture que des deux versions de cette composition de Guardi conservées au Musée des beaux-arts de Montréal et dans la collection Bortolotto. Le dessin de la poupe du navire à l'extrême droite est différent de celui de l'image de Montréal, les nids de corbeaux sont représentés à des angles plus aigus et les falaises le long du bord droit sont plus visibles dans le dessin et dans ce lot. Dans le dessin, l'homme debout sur le rocher a les bras tendus et essaie d'attraper le gréement : sur cette image, il l'a déjà attrapé.
- Attribué à:Francesco Guardi (1712 - 1792, Italien)
- Année de création:18ème siècle
- Dimensions:Hauteur : 65,5 cm (25,79 po)Largeur : 74 cm (29,14 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Bon état général, prêt à être accroché. La toile a été regarnie. Il y a des salissures en surface et le vernis a jauni. La surface de la peinture présente de fines craquelures. Contactez-nous pour un rapport d'état complet.
- Adresse de la galerie:Stockholm, SE
- Numéro de référence:Vendeur : CA21441stDibs : LU144529797932
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