Peinture de paysage en plein air de style impressionniste sur lin représentant une grange rurale avec un coucher de soleil jaune vif et des champs labourés dans les tons de terre.
#3991 Warren's Barn, peint par Harry Orlyk en 2007
huile sur lin, moulure en bois brun, prêt à être accroché tel quel
14 x 15 x 1 pouces
Signé au verso
Harry Orlyk est célèbre pour sa capacité à capturer des paysages ruraux avec des coups de pinceau impressionnistes et des palettes de couleurs vives. Peignant quotidiennement, l'artiste parcourt le nord de l'État de New York, s'arrêtant pour observer et peindre "en plain air" à chaque fois qu'un paysage le frappe. Ce tableau est un parfait exemple de l'esthétique impressionniste d'Orlyk. Ici, l'artiste capture un paysage de campagne paisible avec une ferme pittoresque et une grange à l'horizon, sur fond de coucher de soleil brillant au milieu de l'hiver. Une gamme de tons chauds et dorés contraste avec le brun des champs agricoles en sommeil. L'utilisation de jaunes doux, signature de Lumin, crée une atmosphère doucement lumineuse, remplie de chaleur. La scène est réalisée à l'aide de touches de peinture gestuelles qui culminent sur une surface texturée et empâtée.
A propos de l'artiste :
Harry Orlyk est né à Troy, dans l'État de New York, en 1947. En 1971, après avoir obtenu son diplôme universitaire, il a entamé des études supérieures à l'université du Nebraska à Lincoln. Au cours des neuf années suivantes, il a été influencé par plusieurs artistes du Nebraska. "Robin Smith, peintre de natures mortes, m'a appris à utiliser de la peinture sans térébenthine - à peindre à partir du tube. Il reconnaît également l'influence du photographe Lawrence McFarland qui lui a appris ce qu'était l'espace spirituel et comment le mettre en valeur. Enfin, il attribue au célèbre peintre de Lincoln, Keith Jacobshagen, le mérite de lui avoir fait comprendre l'importance de la routine. Il réside actuellement avec sa famille à Salem, dans l'État de New York, près de la frontière du Vermont.
À propos de l'œuvre :
Pour tous ceux qui ont grandi à la campagne, les peintures à l'huile impressionnistes de Harry Orlyk éveillent un souvenir à la fois partagé et profondément personnel. Son travail évoque un retour aux jours passés dans l'enfance, lorsque l'on jouait derrière la "Old Hap's Barn" ou que l'on jouait à cache-cache dans le champ de maïs. Si vous avez grandi en ville, les peintures d'Orlyk illustrent ce que vous avez imaginé vivre à la campagne. Au fil des jours et des saisons, Townes nous rappelle la beauté simpliste inhérente à l'Amérique rurale et aux petites villes.
Déclaration de l'artiste :
"Le cadre, qu'est-ce que c'est exactement ? S'agit-il d'une note décorative de séparation entre l'art et la vie, d'une boîte destinée à contenir une image ? Quoi qu'il en soit, c'est un outil de studio utile pour rendre le travail artistique plus accessible. Pourtant, sans manquer de respect au pouvoir qu'a un cadre d'inciter une personne à acheter un tableau, ou même à l'aimer, je choisis souvent d'exposer sans cadre.
Il y a vingt-sept ans, j'ai entrepris de peindre dix mille paysages sur place. Pour y parvenir, j'ai pris l'habitude de faire des préparatifs le matin et des sorties de peinture l'après-midi dans les terres environnantes. Après une douzaine d'années, je me suis rendu compte que ma peinture exprimait davantage la relation que l'homme entretient avec la terre et moins les produits que la terre peut produire.
Ma peinture, mon croquis et mon dessin se poursuivent mois après mois, saison après saison, sans cesser d'esquiver les tempêtes et le temps amer. En cela, une spirale a commencé à m'entraîner à travers le temps, comme elle a entraîné les siècles de fermiers et de chasseurs qui sont passés par là. Je suis le chasseur, toujours à la recherche du bon endroit, l'agriculteur, attentif au temps qu'il fait, à la vie des plantes et des animaux. C'est le processus, la relation avec un monde cyclique qui m'intéresse plus que les produits, plus que les peintures joliment encadrées. Au-delà, j'espère que mes peintures peuvent être considérées comme des portraits de jours. Chaque jour est un modèle qui ne reviendra pas demain. Peindre le même endroit un deuxième jour, c'est peindre un spectateur qui n'était pas celui d'hier. Le Nord-Est et les Grandes Plaines, où j'ai passé la majeure partie de ma vie, sont visuellement très affectés par le temps et le climat. Le ciel est aussi différent d'un jour à l'autre que le visage des gens. Au fur et à mesure de leur passage, j'essaie de les connaître personnellement.
Au fil des années, j'ai vécu avec des corpus assez importants d'œuvres récentes et j'ai développé une façon de les regrouper dans mon Studio. Des peintures, souvent au nombre de cinquante à soixante, non encadrées, mais tendues à la surface de planches d'homosote tapissent la majeure partie de l'espace mural de l'atelier. Elles sont souvent présentées en rangées de cinq tableaux, à partir de séquences de jours serrées, empilées les unes sur les autres. Le mur principal du Studio contient généralement quinze images. Je parle souvent d'un "mur" de peintures. Souvent, la relation entre les œuvres est cinématographique, racontant instantanément l'histoire d'une peinture de paysage progressant à travers d'infinies variations.
Souvent, des groupes d'œuvres entourent un tableau ayant une signification particulière : anniversaires ou décès de personnes connues personnellement ou non. Aujourd'hui, un mur de peintures accroché à la Nebraska Weslyan University Elder Gallery est intitulé "Days Surrounding September 11, 2001" (jours entourant le 11 septembre 2001). Un autre groupe de quinze images dans cette même exposition est intitulé "Requiem pour le fermier désenchanté". Les peintures de jours réalisées au cours de l'été récent entourant la mort d'un agriculteur, représentent la terre de l'agriculteur et la terre qui l'entoure.
Plus récemment, j'ai assemblé un mur de peintures entourant le début d'une guerre où le fermier, ses animaux et leur subsistance sont détruits avant que les combattants ne soient trouvés. Je pourrais appeler ce mur "doit pâturer en toute sécurité". Les avantages d'une telle mise en scène sont nombreux, tant pour le peintre que pour le public, et c'est l'encadreur qui, en fin de compte, encadre l'œuvre. Le peintre peut concentrer ses ressources sur la satisfaction de ses besoins matériels. Avec une longue pratique, un artiste peut apprendre à commencer une peinture presque tous les jours et un journal visuel se déploie, contrairement aux victoires encadrées de manière conventionnelle dans la peinture de paysage, qui nous époustouflent une à la fois. Le journal met l'accent sur le changement, la continuité, le flux, le processus. C'est en cela, peut-être, que je suis un artiste plus conceptuel que paysagiste."