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Sander van Walsum
Scène de plage ensoleillée avec maisons de plage à Trouville-sur-mer (France)
2023

1 981,99 $USPrix courantTVA incluse

À propos de cet article

Enfant, le journaliste et artiste Sander van Walsum était captivé par Monet. Cet amour ne correspondait pas à l'esprit de l'époque, mais sa fascination n'a jamais disparu. C'est pourquoi il se rend avec de la peinture acrylique et une palette de larmes sur les lieux où son idole a peint pour trouver la réponse à la question : qu'est-ce qui rend l'impressionniste si brillant ? C'était en mars 1973, il y a donc plus de cinquante ans. À De Slegte, sur l'Oudegracht à Utrecht, moi qui habite la ville voisine de Doorn, j'ai ouvert un livre en allemand avec des peintures de Claude Monet (1840-1926). Il aurait également pu s'agir d'un livre sur Cézanne ou Van Gogh. Ou, si le département d'histoire était situé plus près de l'entrée, un livre sur la Seconde Guerre mondiale. Mais c'est le livre richement illustré sur Monet qui m'a vraiment impressionné. Mon intérêt a été immédiatement éveillé par une nature morte avec des gousses d'ail et un morceau de bœuf ("Ochsenslende") datant de 1864. Puis par un "Blühender Garten" et une terrasse dans la ville côtière française de Sainte-Adresse, bordée de fleurs aux couleurs vives. Mais le summum de la beauté - pour mes yeux non exercés - a été atteint à la page 25. Une reproduction de l'Hôtel des Roches Noires à Trouville, tableau réalisé par Monet en juillet 1870, y est imprimée. J'ai regardé avec admiration, presque avec incrédulité, les coups de pinceau précis avec lesquels Monet avait caractérisé l'opulence du bâtiment et la grâce des flâneurs sur la terrasse à demi ombragée. Mais surtout, j'ai été frappé par l'audace avec laquelle Monet a peint le grand drapeau (américain ?) au premier plan, crépitant dans le vent du large. L'effet féerique a été obtenu par des touches de rouge et de blanc cassé que Monet a dû appliquer sur une partie non peinte de la toile en quelques secondes passionnées. Sander van Walsum est journaliste et commentateur pour le Volkskrant. Il rédige également des articles de non-fiction. Auparavant, M. Van Walsum était correspondant à Berlin. Après avoir acheté le livre, je me suis précipité au 'American lunchroom' Van Angeren dans la Lange Viestraat pour voir de plus près l'univers de Monet. J'ai vu des récréatifs sur les bords de la Seine, des voiliers à Argenteuil, des baigneurs à Trouville, des natures mortes, des dames à l'ombrelle, des champs de coquelicots, des paysages urbains d'Amsterdam, des trains crachant de la vapeur, la cathédrale de Rouen en plein soleil et au coucher du soleil, le crépuscule à Venise, le smog de Londres et les lys dans le jardin de Monet à Giverny. Mais je revenais sans cesse à la page 25, à l'Hôtel des Roches Noires. Le tableau a éveillé en moi une forte nostalgie d'une époque qui - je le pensais - était tellement plus belle que la nôtre. Ce n'est que des années plus tard, lorsque j'ai commencé à m'intéresser à l'histoire, que j'ai réalisé que Monet avait dû capturer la gloire de la saison des bains à Trouville alors que la guerre franco-prussienne était sur le point d'éclater - ou avait déjà commencé. La déprime devait régner dans le salon et sur la terrasse de l'Hôtel des Roches Noires pendant la saison balnéaire de 1870. Monet a échappé à la guerre en se réfugiant en Angleterre. Pour lui, cela présente l'avantage supplémentaire de se débarrasser des créanciers français auxquels il avait jusqu'alors échappé en se déplaçant régulièrement. Mais du point de vue de l'histoire de l'art, la fuite de Monet est importante pour deux autres raisons : en Angleterre, il a fait connaissance avec l'œuvre du paysagiste romantique William Turner (qui l'a fortement influencé), et il a lui-même été découvert par le marchand d'art Paul Durand-Ruel , qui a présenté Monet et d'autres praticiens de la touche libre au public amateur d'art. En 1873, il y a exactement 150 ans, Monet réunit les avant-gardistes du moment au sein de la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs. Un an plus tard, les membres, bientôt appelés " impressionnistes ", organisent leur première exposition collective. J'ai voulu me perfectionner en peinture lors de la formation de professeur de dessin à Utrecht. Non pas dans l'intention de devenir professeur, mais pour faire la transition jusqu'à ce qu'un riche connaisseur d'art me découvre. Cependant, j'avais ignoré l'esprit de l'époque. Mon premier paysage peint était encore toléré. Le second a été entièrement résumé par un enseignant. Mais le troisième a été retiré de l'âne sans cérémonie. Après tout, l'art figuratif était désespérément dépassé ("Vous ne le saviez pas encore ?") et Monet avait été rétrogradé au rang de peintre à l'emporte-pièce et de peintre de calendrier par l'avant-garde de l'époque (qui comprenait également mes professeurs d'art). Non seulement le "langage visuel" de Monet serait tombé en désuétude, mais il aurait également fait preuve d'un manque total d'engagement social en peignant "magnifiquement" à une époque qui était vraiment très laide pour la plupart de ses contemporains. Je taisais le fait que c'était précisément pour moi le grand attrait de l'impressionnisme. Parce que j'étais surchargé d'engagements sociaux durant ces années. Si je ne trouvais pas le rapport du Club de Rome sur la table basse de la maison parentale, il y avait un écrit de Joke Smit ou d'une féministe apparentée par laquelle ma mère était devenue visiblement captivée. Les soirs de classe, on discutait, parfois à voix haute, des thèmes du jour qui déterminaient en partie la composition de son cercle d'amis : le régime des colonels en Grèce, les régimes "fascistes" en Espagne et au Portugal, la décolonisation de l'Angola et du Mozambique, la guerre au Vietnam, la reconnaissance de la RDA et la décence du refus du service militaire. Même le traditionnel piégeage de la rosée, au petit matin du jour de l'Ascension, n'était pas exempt de ce genre de sujets de discussion. L'œuvre légère des impressionnistes était donc un changement agréable par rapport à la nourriture lourde qui m'était présentée chaque jour. Et l'absence d'engagement intrusif m'attire toujours vers leur œuvre - en ce sens, je n'ai pas connu d'évolution significative en tant qu'amateur et praticien d'art depuis 1973. J'apprécie les peintures principalement pour leur beauté (définissable ou non), et non pour un quelconque message. Les livres, les films et les photos sont des supports beaucoup plus adaptés. Lorsque je vois des tableaux qui attirent l'attention sur des thèmes d'actualité, je me sens comme Karel van Feal lorsqu'il a vu Guernica de Picasso pour la première fois : il a essayé "de toutes ses forces de le trouver beau", mais il n'y est pas parvenu. Les "beaux" tableaux sont si suspects qu'il y a quelques années, le Rijksmuseum a présenté une exposition de beaux portraits en pied, flanquée d'une exposition sur la décadence, en guise d'avertissement : le péché que de nombreux sujets avaient apparemment en commun. Mes professeurs à l'école normale d'Utrecht auraient pu y penser. Leurs dogmes m'ont tellement découragé que j'ai décidé d'étudier l'histoire. Après mes études, j'ai fini par travailler dans le journalisme, et ce n'est qu'il y a dix ans que j'ai recommencé à peindre régulièrement - sans être gênée par le besoin de preuves ou par les modes du moment. Pour conclure une carrière de 38 ans dans le journalisme, j'ai pu visiter pour ce journal un certain nombre d'endroits en France qui peuvent être associés à Monet - avec l'intention d'y peindre moi-même. À Argenteuil, j'ai cherché en vain des vues pittoresques. Lorsque Monet y a vécu et travaillé (de 1871 à 78), c'était un endroit charmant où l'industrialisation avait lentement fait son apparition. Maintenant, c'est une banlieue grise de Paris où, avec quelques difficultés, j'ai trouvé le pont sur la Seine, qui a également été immortalisé par Monet. Heureusement, Vétheuil, à quelques kilomètres en aval, est toujours dans le même état qu'à l'époque de Monet. Mais dans le jardin de Monet à Giverny, je faisais partie d'une foule de visiteurs d'un jour. Trouville-sur-Mer, en revanche, respire toujours le charme des scènes de plage de Monet. L'Hôtel des Roches Noires, destination finale de mon pèlerinage, n'est plus un hôtel mais un complexe d'appartements un peu miteux, ce qui ne m'a pas empêché de ressentir la sensation (historique) qu'il m'a procurée. Au bord de la terrasse, là où Monet a dû se poster par une belle journée de juillet 1870, je me suis préparé à une séance de peinture en plein air - in the open air. Monet a fait l'école avec ça. Bien qu'il n'ait pas été le premier peintre à travailler en dehors de l'atelier - Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind et les "petits maîtres" de l'école de Barbizon l'avaient précédé -, pour Monet, la lumière était plus qu'un élément du paysage : elle en formait l'âme. Sous l'influence de la lumière, les formes deviennent dures ou molles, et les paysages, urbains ou non, subissent des changements atmosphériques constants. Même dans l'ombre, la lumière continue de fonctionner. C'est pourquoi Monet utilisait rarement le noir - à l'incompréhension, voire à l'hilarité, des contemporains conditionnés par les peintures de genre sombres du début du XIXe siècle. J'étais là, par une journée ensoleillée de mai, vers onze heures du matin, à l'endroit où mon idole a créé, en quelques heures, la peinture qui figure sur mon pad de souris, dans au moins quatre de mes livres d'art et sur un poster qui orne l'un des murs de ma chambre depuis de nombreuses années. J'avais espéré pouvoir y travailler dans les mêmes conditions d'éclairage que Monet il y a 153 ans. Mais pour lui, le soleil était plus haut - l'une des ailes de l'hôtel était déjà illuminée par lui. Je n'aurais probablement pu saisir cet effet que quelques heures plus tard. J'ai donc fait avec les circonstances telles qu'elles se présentaient. Et ces conditions n'étaient pas optimales. Il y avait un vent fort qui menaçait constamment de s'emparer de la toile et de la palette de larmes sur laquelle j'avais appliqué quelques touches de peinture (également un blob de noir) - de la peinture acrylique, parce qu'elle sèche plus vite que la peinture à l'huile. Dans l'isolement du Studio, c'est un avantage pour les adeptes de l'essai rapide. Mais dans l'endroit ensoleillé et venteux où j'étais assis, la peinture était déjà sujette à la solidification avant même que je n'aie commencé. Je n'y avais pas pensé. Cela ne concerne pas non plus le fait que je doive recourir à des lunettes pour voir clairement au loin, alors qu'elles me gênent en fait pour voir la toile voisine. Pour autant que je sache, Monet n'en a pas souffert (même si, plus tard dans sa vie, il a souffert d'un problème oculaire qui lui a fait craindre la cécité). J'ai esquissé les contours du bâtiment qui me surplombe et j'ai peint quelques surfaces, chacune avec sa propre couleur de base : un mélange de jaune de Naples, de blanc de titane, de terre de Sienne brûlée et une cuillerée de terre d'ombre brute pour la façade de l'hôtel et l'environnement bâti à l'arrière-plan. Quelques touches de vert marquent les haies qui ont été plantées dans un endroit étrange devant le bâtiment. Une substance de type beige avec un peu de violet de Windsor pour la terrasse, et un mélange d'outremer, de bleu brillant, de bleu de Windsor et de blanc de titane pour le ciel. En général, les premières actions sur une toile sont les plus agréables. Vous êtes encore ouvert d'esprit (l'état d'être le plus optimal dans lequel le peintre puisse se trouver, selon Monet), la peur qu'un tableau puisse échouer ne se manifeste pas encore et vous ne vous perdez pas encore dans des détails excessifs. Les détails - fenêtres, clôtures et tuiles - peuvent tenter les amateurs d'art figuratif avec le compliment ultime "ça a l'air vrai", mais ils marquent en fait le chemin de la moindre résistance : ceux qui osent ne rien laisser de côté dessinent ou peignent tout... Mais Monet parvenait généralement à montrer toutes les dimensions d'une scène avec un nombre limité d'actions. Dans le cas de l'Hôtel des Roches Noires : le reflet de la lumière du soleil dans l'ombre, le pavillon "inachevé" qui ne manque de rien, la complexité architecturale du bâtiment. Il savait quand s'arrêter, quand le tableau - qui, selon ses contemporains critiques, n'était qu'une ébauche - était achevé. Je regardais anxieusement les balcons, colonnes et autres atours lorsque le concierge du complexe d'appartements est apparu dans mon champ de vision pour m'annoncer que je me trouvais sur une propriété privée et que je devais donc mettre fin à mon travail. Dans mon meilleur français, j'ai souligné mon devoir d'artiste, tout en sachant que cela sonnait beaucoup trop pompeux pour avoir un quelconque effet. En fait, je n'ai eu aucun problème à compléter la toile plus tard dans mon bureau/studio sur la base de photos. Car si la peinture en plein air ne se heurte pas à des problèmes pratiques ou à des conditions météorologiques imprévues, le plaisir est sapé par les passants qui chuchotent leur opinion sur l'art dans votre dos (et qui ont généralement beaucoup de temps pour le faire). Je me suis consolé en pensant que Monet aurait aussi utilisé des photos s'il avait déjà eu un téléphone portable avec un appareil photo. Et avec l'idée que la peinture implique plus que l'enregistrement d'une impression - dans n'importe quel lieu et avec n'importe quels outils. La peinture commence dès que l'on se promène en ville ou dans une forêt et que l'on se demande : qu'est-ce qui fait de ce paysage ce paysage ? Quels sont les éléments qui déterminent son caractère ? Qu'est-ce que je laisserais de côté et qu'est-ce que j'accentuerais ? Quelles couleurs utiliser pour l'ombre ? Et lequel pour le bâtiment au loin ? Comment rendre visible sur la toile le plaisir de peindre ? Ce faisant, je me fais surtout l'écho du "premier Monet", celui des années 1970 et 1980. Dans ses jeunes années, il était encore guidé par le hasard dans le choix de ses thèmes (bien qu'il ait réussi une fois à persuader le chef de la gare Saint-Lazare à Paris d'ajuster les horaires pour obtenir la combinaison souhaitée de vapeur et de lumière du soleil). Mais plus tard, il a essayé de figer - voire de manipuler - des moments fugaces. Un chêne a été dépouillé de ses feuilles lorsque Monet a voulu peindre un arbre dénudé. Les paysans qui voulaient donner leurs meules de foin aux vaches ou couper leurs peupliers - motifs populaires dans l'œuvre de Monet - s'abstenaient de le faire en échange d'une généreuse compensation. Enfin, Monet se retire dans un domaine où il est lui-même seigneur et maître : son jardin à Giverny, où il s'installe en 1890. Là, il se concentre sur la peinture de plantes, d'arbres et - en particulier - de nénuphars, formés par six jardiniers (Monet est désormais très riche). Et c'est là qu'il semble s'être empêtré dans ses tentatives de plier la nature à sa volonté. Il commence à peindre de manière plus hésitante et ne se contente plus d'impressions rapides : il passe souvent des mois à peaufiner plusieurs toiles en même temps - dans l'un de ses studios d'ailleurs. Whiting contribue encore à la clarté de ses premières œuvres, mais dans les dernières, le fond blanc a disparu sous d'épaisses couches de peinture à l'huile. Monet, plus âgé, semblait avoir perdu la capacité de dire, après quelques heures enthousiastes derrière le chevalet : c'est comme ça que ça se passe. Ou si nécessaire : Je m'en tiendrai là. C'est la tragédie d'un peintre qui a gardé son enthousiasme, mais qui a de plus en plus de mal à l'exprimer. Vu sous cet angle, il a survécu à l'impressionnisme. Et Monet n'est pas le seul artiste à n'avoir travaillé au sommet de ses capacités que pendant une vingtaine d'années. En tant que retardataire (j'ose m'attribuer ce qualificatif), je peux aussi en tirer un espoir : si j'avais commencé à peindre sérieusement il y a cinquante ans, j'aurais fini de fleurir à l'heure qu'il est.

Créateur:
Sander van Walsum (1957, Néerlandais)
Année de création:
2023
Dimensions:
Hauteur : 50 cm (19,69 po)Largeur : 60 cm (23,63 po)
Autres éditions et dimensions:
unique piecePrix : 1 631 $US
Support:
Toile,Acrylique
Mouvement et style:
Impressionnisme
Période:
2010-
État:
Adresse de la galerie:
ZEIST, NL
Numéro de référence:
1stDibs : LU2614213538352

540 $US

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