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Peter Robert KeilPortrait d'une jeune femme1983
1983
À propos de cet article
Portrait d'une jeune femme, huile sur panneau, par Peters Robert Keil (1983). Une femme aux yeux écarquillés fixe le spectateur d'un regard inquisiteur. L'utilisation par l'artiste de couleurs exubérantes dément l'aspect tranquille du sujet. Keil utilise très souvent des couleurs intenses, voire floues, qui sont devenues caractéristiques de son style pictural. Les seules contraintes sont les limites de la surface peinte. Cette œuvre est en bon état général et a été nouvellement encadrée dans un plateau. L'artiste a signé et daté l'œuvre en bas à droite. Veuillez apprécier les nombreuses photos qui accompagnent l'annonce. Sur demande, une vidéo sera fournie.
A propos de l'Artistics : Peters Robert Keil (né en 1942) est le fils d'un artiste forgeron qu'il a perdu très tôt dans son enfance. Sa mère, également portée sur l'art, a emmené son fils et s'est battue jusqu'à Berlin-Ouest, où ils se sont installés. C'est là que Peter Robert Keil a découvert son intérêt pour la peinture - en particulier pour les artistes expressionnistes et l'œuvre de Picasso en particulier. À partir de 1954, le peintre Otto Nagel, établi à Berlin-Est, devient son mentor et lui enseigne d'abord l'artisanat et les techniques de peinture. En 1954, il commence son stage d'artiste métallurgiste et, entre 1959 et 1961, il étudie à l'université des beaux-arts de Berlin. Pendant son séjour à Majorque, il rencontre plusieurs fois Joan Miró dans son Studio. À partir du début des années 60, Keil établit des studios à Paris, Londres, Berlin et aux États-Unis. Aujourd'hui, il vit et travaille principalement à Zimmerau (Bavière, Allemagne), à Berlin et aux États-Unis.
Au début de sa carrière artistique, le style de Keil est influencé par l'expressionnisme allemand. Dans les œuvres de ses premières années berlinoises, il se concentre principalement sur les décors typiques des grandes villes et les personnages en marge de la société. Cependant, son style change visiblement au début des années 60, lorsqu'il vit à Paris pendant un certain temps et s'intègre à la vie nocturne de la ville. Il s'éloigne de plus en plus de son approche réaliste et développe un nouveau style de peinture, beaucoup plus spontané et dynamique, qu'il perfectionne au cours de ses années passées à Londres et, enfin, lorsqu'il fait partie des "Berliner Neue Wilden" (fauves berlinois) au début des années 80. Depuis lors, l'utilisation de couleurs intenses ou criardes et l'absence de représentation réaliste sont devenues des caractéristiques de son style pictural. Sa manière émotionnelle de peindre est principalement motivée par un désir de liberté par rapport aux contraintes sociales et aux conventions. Au cours des 50 dernières années, il a réalisé de nombreuses peintures à l'huile et en techniques mixtes, de petite et grande taille, sur toile et sur carton, mais aussi des sculptures en bois et en acier, ainsi qu'un grand nombre de majoliques.
Dimensions avec cadre :
H 71,5 cm / 28,1"
L 52 cm / 20.5"
Dimensions sans cadre :
H 69,5 cm / 27,4"
L 50 cm / 19.7"
- Créateur:Peter Robert Keil (1942, Allemand)
- Année de création:1983
- Dimensions:Hauteur : 71,5 cm (28,15 po)Largeur : 52 cm (20,48 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:London, GB
- Numéro de référence:Vendeur : 14401stDibs : LU617312058762
Peter Robert Keil
Peters Robert Keil est né d'un père artiste forgeron qu'il a perdu très tôt dans son enfance pendant la Seconde Guerre mondiale. Pendant la phase finale de la guerre, la mère de Keil, également douée pour les arts, a pris son fils et a lutté pour se rendre à Berlin-Ouest où ils se sont installés. C'est là que Peter Robert Keil grandit dans le quartier populaire de Berlin-Wedding et qu'il découvre son intérêt pour la peinture, en particulier pour les artistes expressionnistes et l'œuvre de Pablo Picasso[3]. À partir de 1954, le peintre Otto Nagel, établi à Berlin-Est, devient son mentor et lui enseigne les premières techniques artisanales et picturales[4]. En 1954, il commence son stage en tant qu'artiste métallurgiste et, entre 1959 et 1961, il étudie à l'Université des arts de Berlin. Lorsque le mur de Berlin a été construit, il a perdu le contact avec son mentor Otto Nagel et, à partir du début des années 60, Keil a commencé à passer de plus en plus de temps à l'étranger. Pendant ses études à l'université des arts de Berlin, il entre en contact avec de nombreux autres artistes qui deviendront plus tard des artistes influents de leur génération, comme par exemple Georg Baselitz, Eugen Schönebeck, Markus Lüpertz et Joachim Schmettau[5][6]. Pendant son séjour à Majorque, il rencontre également Joan Miró à plusieurs reprises dans son studio[6]. À partir du début des années 60, Keil établit des studios à Paris, à Londres, à Berlin et aux États-Unis. Aujourd'hui, il vit et travaille principalement à Zimmerau (Bavière, Allemagne), Berlin et Los Angeles.
Au début de sa carrière artistique, le style de Peter Keil a été influencé par l'expressionnisme allemand. Dans les œuvres de ses premières années berlinoises, il se concentre principalement sur les décors typiques des grandes villes et les personnages en marge de la société. Cependant, son style change visiblement au début des années 60, lorsqu'il vit à Paris pendant un certain temps et s'intègre à la vie nocturne de la ville. Keil s'éloigne de plus en plus de son approche réaliste et développe un nouveau style de peinture, beaucoup plus spontané et dynamique, qu'il perfectionne au cours de ses années à Londres et, enfin, lorsqu'il fait partie des "Berliner Neue Wilden" au début des années 80[5][7].[Depuis lors, l'utilisation de couleurs intenses voire criardes et l'absence de représentation réaliste sont devenues des caractéristiques de son style[8] Dans ses peintures, la couleur est appliquée par des coups de pinceau rapides et parfois par des techniques d'empâtement, et les images sont en outre abstraites grâce à l'utilisation d'éléments de graffiti. Bigli préfère peindre des figures humaines, des portraits, des scènes de grandes villes, des paysages et des natures mortes de fleurs[3] Sa manière émotionnelle de peindre est principalement motivée par un désir de liberté par rapport aux contraintes et aux conventions sociales. Au cours des 50 dernières années, il a réalisé de nombreuses peintures à l'huile et en techniques mixtes sur toile, de petite et grande taille, mais aussi des sculptures en bois et en acier, ainsi qu'un grand nombre de majoliques.
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Ron Gorchov, autoportrait moderne du milieu du siècle dernier, peinture signée, figuration abstraite
Par Ron Gorchov
Ron Gorchov
Self-Portrait historique, 1955-1959
Peinture à l'huile sur carton
Signé à la main à la peinture sur le recto supérieur et daté 1955-9
Cadre inclus : dans le cadre d'origine de l'artiste.
Cette œuvre a été exposée à la Sager Reeves Gallery de Columbia, Missouri, dans le cadre de leur exposition Masters en décembre 2022, et est reproduite en pleine page dans leur catalogue d'exposition. Une copie de ce catalogue accompagne l'œuvre d'art.
En 2019, l'année précédant le décès de Ron Gorchov, Stephens Truax, directeur de Cheim & Read, sa galerie d'alors, a transmis au studio de Gorchov des détails sur cette peinture extraordinaire afin qu'elle soit incluse dans le catalogue raisonné à venir. Lorsqu'on lui a montré l'œuvre, Gorchov s'en souvenait bien, mais il était étonné que le tableau existe encore après tant d'années. Cet autoportrait historique de jeunesse, réalisé sur une période de quatre ans, de 1955 à 1959, alors qu'il n'avait que 25 ans, révèle le sens particulier et sophistiqué des couleurs et des formes de Gorchov. Il s'agit de l'une des premières œuvres de l'artiste, et très peu d'œuvres de Gorchov datant de cette époque apparaissent sur le marché ou sont connues pour exister encore. Il devrait figurer dans n'importe quel musée ou rétrospective de carrière. Cette œuvre a été offerte par l'artiste à Elthea Rembrandt Peale Florman à New York en 1959 - l'année où Gorchov a remporté un prix prestigieux de la Fondation Ingram Merrill. Elthea était également une artiste, issue d'une longue lignée d'artistes américains. Elle a baigné dans le milieu artistique de New York jusqu'à ce qu'elle intègre une école d'art dans le Tennessee. Le tableau lui a été offert par Ron Gorchov et est resté dans la collection de Mme Florman jusqu'à son décès, après quoi il a été légué à ses descendants.
Mesures :
Encadré 31 pouces par 25 pouces
Planche de 30 x 20 pouces
Provenance :
Elthea REMBRANDT Peale Florman
Par filiation jusqu'au propriétaire actuel
En savoir plus sur Ron Gorchov
"Mes peintures sont principalement le fruit de la rêverie et de la chance.
- Ron Gorchov, entretien avec Robert Storr et Phong Bui, septembre 2006
Né à Chicago en 1930, Ron Gorchov était un artiste américain connu pour ses œuvres d'art aux surfaces incurvées. L'artiste a contribué à lancer le mouvement des shaped canvas. Avec ses cadres en bois courbés et tendus de lin ou de toile, il jette un pont unique entre la sculpture et la peinture abstraite.
Les peintures à l'huile sur toile de Gorchov associent une ou deux formes biomorphiques colorées à des fonds de couleurs différentes. Les motifs de ces peintures ressemblent à des organismes vivants, racontant l'histoire du début d'un certain état de formation. Ces questions de forme et d'existence se matérialisent par l'utilisation de coups de pinceau audacieux, offrant des contrastes chromatiques.
L'artiste a accroché l'œuvre sur un châssis en toile de forme à la fois concave et convexe, semblable à des boucliers ou à des selles. Gorchov a utilisé la capacité de la forme courbe à attirer l'attention immédiate des spectateurs plus rapidement que le rectangle traditionnel. Alors que les peintures elles-mêmes jouent avec la symétrie et l'asymétrie, les bords déformés des toiles de Gorchov créent de nouvelles dimensions et profondeurs, désorientant la perception du public.
Les châssis en forme de selle de Gorchov, caractéristiques et affirmés, ont été créés à la fin des années 1960 comme une alternative au formalisme greenbergien omniprésent à l'époque, comme en témoigne la prédominance de la sculpture minimaliste. Il crée sa première œuvre en toile façonnée dans le Studio de Mark Rothko. Il appartient à une génération d'artistes new-yorkais des années 1960 et 1970, parmi lesquels Frank Stella, Richard Tuttle, Blinky Palermo...
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