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Christian Houge
Masque « Usagi », série Okurimono, Tokyo - Masque lapin au fond du sol - mystérieux japonais
2008

Name: Masque « Usagi », série Okurimono, Tokyo - Masque lapin au fond du sol - mystérieux japonais
Brand: Christian Houge

1 889,69 $USPrix courant

À propos de cet article

Okurimono Impression pigmentaire Images from the Okurimono series est disponible en 3 formats différents : * 50 x 75 cm : édition de 10 + (+2ap) * 80 x 120 cm : édition de 7 + (+2ap) * 113 x 170 cm : édition de 7 + (+2ap) Chaque tirage est numéroté et signé À propos du travail : Shibari I est une œuvre du photographe contemporain Christian Houge, issue de la série Okurimono. Dans cette série, Houge a, à travers cinq voyages au Japon (Tokyo, Osaka et Kyoto), exploré la sous-culture japonaise d'un autre monde et sa perfection rituelle. Dans ce documentaire artistique personnel, il s'est aventuré sur des thèmes délicats tels que l'identité personnelle, la sexualité, la nostalgie et la dysphorie de genre. Dans cette série particulière, il utilise la mise en scène comme méthode pour créer une histoire dans une histoire. Les associations de spectateurs sont importantes dans la réalisation de ce travail et l'ambiguïté joue un rôle important. Dans cette série, Houge a, à travers cinq voyages au Japon (Tokyo, Osaka et Kyoto), exploré la sous-culture japonaise d'un autre monde et sa perfection rituelle. Dans ce documentaire artistique personnel, il s'est aventuré sur des thèmes délicats tels que l'identité personnelle, la sexualité, la nostalgie et la dysphorie de genre. Dans cette série particulière, il utilise la mise en scène comme méthode pour créer une histoire dans une histoire. Les associations de spectateurs sont importantes dans la rencontre avec ce travail et l'ambiguïté joue un rôle important Okurimono (qui signifie à la fois "cadeau" et "ce qui est entre" en japonais) - est un mot qui lie ce projet global développé au cours de cinq voyages au Japon entre 2007 et 2018. La série explore la quête personnelle d'identité, parfois avec une obscurité sous-jacente, car Houge a eu la chance d'être introduit dans la sous-culture de Tokyo. En explorant ce thème, Houge s'est aventuré sur des sujets délicats tels que la sexualité, la nostalgie et la dysphorie de genre. Dans cette série particulière, il utilise la mise en scène comme méthode pour créer une histoire dans une histoire. L'artiste souhaite interroger le spectateur et susciter une réflexion sur des sujets souvent considérés comme tabous dans nos sociétés contemporaines. Les propres associations du spectateur sont importantes pour apprécier cette œuvre où l'ambiguïté joue un rôle important. Le projet a débuté dans le quartier d'Harajuku à Tokyo, connu pour être un centre de la culture juvénile japonaise, où Houge a trouvé certains de ses premiers motifs : des adolescentes s'habillant en robes post-victoriennes ou en costumes "cosplay" pour s'identifier à un personnage de leur bande dessinée préférée. Ici, le désir d'exprimer sa singularité est central et le photographe explore la tension entre l'identité personnelle et l'esthétique partagée par tous (ou du moins par le même groupe de jeunes). Dans nombre de ses photographies soigneusement mises en scène, les modèles de Houge sont masqués, afin de faire écho aux nombreux masques sociaux que nous portons dans notre vie quotidienne. Dans notre société de l'information post-moderne, vidée de son sens de l'émerveillement, ces personnages masqués et énigmatiques évoquent aussi le monde des chamans et des rituels païens, insufflant ainsi un sentiment de mystère et de spiritualité auquel beaucoup aspirent. Le symbolisme et les nombreuses références au rituel et à l'identité dans une société par ailleurs supprimée, peuvent parfois créer un sentiment de malaise chez les spectateurs. Le projet Okurimono explore également le thème de l'identité et de la sexualité dans la dysphorie de genre avec les nyūhāfu du Japon (les " nouvelles moitiés " transsexuelles). Ici, la quête d'identité coïncide avec une recherche de féminité et d'image corporelle qui se traduit par des transformations physiques complexes. Les spectateurs peuvent regarder ces portraits sans se douter que les modèles sont des nyūhāfu. Pourtant, les photographies sont mises en scène de sorte que les spectateurs sont placés dans un rôle de voyeur déconcertant alors qu'ils regardent un monde autrement fermé. Le shibari (l'art du ligotage), qui trouve son origine dans la période Edo (1600), est un autre territoire exploré par Houge dans sa série Okurimono. Ses photographies saisissantes de modèles féminins attachés avec une corde rouge sur un fond blanc nous entraînent dans ce puissant voyage vers la vulnérabilité et l'abandon, le pouvoir et la liberté. Par le biais de la tradition, du symbolisme et de la technologie, Okurimono explore également les symboles extrêmement puissants qui contribuent à définir certaines parties de la culture japonaise et de l'identité nationale, entre l'ancien et le nouveau. Comme le dit l'historien de l'art Erling Bugge : "Christian Houge nous guide vers un mystère. Il se situe entre les formes ritualisées du jardin zen traditionnel et retiré de Kyoto et les espaces tout aussi ritualisés du Tokyo urbain et futuriste. Pour un occidental, le Japon peut sembler familier, car ce qui nous est présenté ressemble à un spectacle futuriste ancré en quelque sorte dans l'imaginaire occidental. Ce jugement, cependant, est trop facile. Dans les photographies de Houge, le sentiment de similitude s'estompe et un sentiment d'étrangeté très différent s'insinue en nous. En fait, ce que cette série enregistre, c'est un lieu remarquable d'altérité dans l'ordre mondial actuel, une différence radicale au milieu du familier." Les images de la série Okurimono ont en commun une qualité fantomatique, d'un autre monde. Dans la réalité et le rêve, le rituel et le jeu se confondent tandis que les frontières entre le connu et l'inconnu se dissolvent. Christian Houge - Now - Okurimono Christian Houge nous guide vers un mystère. Il se situe entre les formes ritualisées du jardin zen traditionnel et retiré de Kyoto et les espaces tout aussi ritualisés du Tokyo urbain et futuriste. Pour un occidental, le Japon peut sembler familier, car ce qui nous est présenté ressemble à un spectacle futuriste ancré en quelque sorte dans l'imaginaire occidental. Ce jugement, cependant, est trop facile. Dans les photographies de Houge, le sentiment de similitude s'estompe et un sentiment d'étrangeté très différent s'insinue en nous. En fait, ce que cette série enregistre, c'est une place remarquable de l'altérité dans l'ordre mondial actuel, une différence radicale au beau milieu du familier. Ce phénomène est poussé à son paroxysme dans le pays des merveilles technologiques et virtuelles d'Akihabara, à Tokyo, où les boutiques se succèdent pour vendre des produits électroniques et des jeux informatiques, tandis qu'un étrange jeu de costumes, le "cosplay", se déroule dans les rues. Une simulation similaire se déroule dans le quartier de Harajuku, où Houge a trouvé certains de ses motifs. Il n'y a pas d'authenticité ici, pas d'"essence" ou de "réalité" occidentale ; au contraire, le virtuel conquiert le corps charnel dans un jeu épuré de surface, d'image et d'hyperréalité. C'est exotique. En même temps, nous sommes conscients que ces notions sont les points culminants d'une idée occidentale du post-moderne. Mais en ce sens, le Japon a toujours été "post-moderne". Elle a toujours intégré la culture et la technologie les plus raffinées de l'extérieur tout en conservant une identité propre. Alors, quelle serait cette identité ? Houge adopte le point de vue du rituel et du jeu. En effet, la culture japonaise semble fondée uniquement sur le rituel, dans les affaires et dans le sexe, dans sa relation à la nature et dans la religion. Cette pièce transcende totalement la notion d'authenticité, contrairement à l'Occident qui est hanté par le "fantôme" de l'origine et du commencement. Au Japon, "maintenant" signifie exactement cela ; il s'agit d'un "sans retour en arrière", mais plutôt d'un flux d'intensités intégrées dans le jeu et le rituel de l'okurimono, toujours présent. Il n'y a ici aucune menace d'être dévoré par la culture et la technologie occidentales, car, comme dans la pratique du zen, le rituel supervise tout et n'a pas de frein historique. Le Japon devient en apesanteur, mis en orbite en dehors de la matière de la terre elle-même. Le fait de jouer le rôle de la jeune fille victorienne de Lewis Caroll est-il motivé par un sentiment de nostalgie ? Je ne pense pas. Il s'agit d'une recherche d'un moment de présence parfaite, en dialogue avec la machine optique de Houge. C'est le moment du Maintenant. La jeune fille, le jardin zen et l'image partagent une perfection modifiée par de petites incertitudes, des imperfections fortuites qui deviennent pour nous des points d'entrée quelque peu obliques - un mouchoir jeté ou des formes et des reflets apparemment quelconques dans le jeu prismatique des surfaces. Il y a une qualité fantomatique, d'un autre monde dans ces images, même dans la floraison fugace d'un cerisier et le jeu des ombres sur un minimalisme concret. La lumière doublement exposée ou réfléchie sur l'objectif nous rappelle les débuts incertains de l'histoire de la photographie, avec la croyance répandue que l'appareil photo était capable de percevoir plus que l'œil nu, comme les esprits et les fantômes. Dans les images de Houge, il y a différents spectres, des formes squelettiques et naturelles d'un côté, la machine et le virtuel de l'autre. Ici, comme dans une scène du film Blade Runner, il y a une étrange confusion et un mélange entre l'humain et le non-humain. Peut-être que la recherche d'un moment parfait dans le flux perpétuel des choses est une aspiration romantique ou mélancolique à une plénitude transcendante, une impulsion qui est exploitée dans une attention rigoureuse aux détails visuels. Cette discipline compulsive peut sembler absurde à tout observateur occidental, alors que la nostalgie elle-même constitue un terrain commun et sera finalement la base de notre rencontre. Erling Bugge Bio : Christian Houge (né à Oslo en 1972) Basée à Oslo, en Norvège, je fais des photographies depuis plus de vingt ans et de nouvelles perspectives continuent de s'ouvrir. En explorant la relation, et le conflit, entre la nature et la culture, je comprends mieux la condition humaine. Je m'intéresse aux conséquences de la progression de l'humanité et à la manière dont la science est souvent le résultat de notre conquête de la nature, tant sur Terre qu'au-delà. L'ego de l'homme, la société de consommation, les derniers vestiges de la nature pure et l'identité sont des éléments récurrents dans mon travail. Je juxtapose souvent l'esthétique visuelle avec un malaise sous-jacent. Il en émane souvent une dissonance cognitive chez le spectateur qui invite à des vérités plus profondes et à des références personnelles. L'observation de nos actions et de notre place dans l'environnement, dont nous sommes si dépendants, est un thème récurrent dans toutes mes explorations. Pour des projets spécifiques, je peux tout utiliser, des appareils photo numériques aux appareils analogiques grand format et panoramiques. J'ai beaucoup exposé dans des galeries et des musées de mon pays natal, la Norvège, ainsi qu'aux États-Unis, en Angleterre, en France et en Chine. La série `Death of a Mountain`(2016-2021) est nominée pour le prix Leica Oskar Barnack 2021, et reçoit une subvention artistique du Conseil norvégien des arts. Plus récemment, ma série `Résidence de l'impermanence` 2017-2019 a déjà été exposée dans cinq musées et plusieurs galeries (dont une exposition personnelle au Fotografiska, Stockholm (2019), et Les Recontres d`Arles, Haugar Artmuseum, Preus Muaeum of Photography et 2019 (Galerie Omnius, Arles). En 2021, cette série a reçu dix nominations pour le prix Pictet avec le thème FIRE. `Résidence de l'impermanence` est actuellement exposée au UCR : California Museum of Photography à Los Angeles avec l'exposition `Facing Fire,` Art, Wildfire and The End of Nature in the New West Cette exposition explore l'aggravation constante des incendies de forêt due au changement climatique. En 2005, ma série "Technologie arctique" a été sélectionnée pour le prix BMW à Paris Photo (Scout Gallery, Londres). En 2015, ma série `Paradise Lost`(contenant trois de mes principales séries environnementales) a fait une tournée entre trois grands musées en Chine. Mes autres travaux sur l'environnement ont été nominés deux fois pour le prix Pictet annuel, avec mes séries "Barentsburg" et "Shadow Within", pour les thèmes de la terre et du pouvoir. En 2005, ma série "Technologie arctique" a été sélectionnée pour le prix BMW à Paris photo (par l'intermédiaire de la Scout Gallery, Londres). Mon travail a été présenté dans de nombreux musées, y compris un symposium au Johnson Museum, N.Y., a été inclus dans des expositions itinérantes avec WHATCOM (Musée de Washington) avec l'exposition `Vanishing Ice`, ainsi qu'une tournée de musées de deux ans en Chine sur les questions environnementales avec Three Shadows Photography Art Centre à Pékin et l'ambassade de Norvège. Parmi les publications et les livres, citons " Vanishing Ice " et " Altered Landscape " (Nevada Museum of Art), ainsi que des œuvres achetées pour leur collection au Center for Art and Environment. Expositions sélectionnées CV : Christian Houge (né à Oslo en 1972) - Curriculum Vitae 2021 aussi loin que mon œil peut voir - L'exposition sur l'expédition " Rev Ocean, Bomuldsfabrikken Kunsthall, Arendal face au feu ", collaboration, UCR ARTS : Musée de la photographie de Californie Continuation `Death of a Mountain`/ In;Human Nature`, Galerie Buer, Oslo 2020 face au feu ", collaboration, UCR ARTS : Musée de la photographie de Californie 2019 `Metafysica`, `Résidence de l'impermanence`, collaboration, Haugar Kunstmuseum, Vestfold `Résidence de l'impermanence`, Musée Fotografiska, Stockholm. Solo helt Dyrisk, résidence de l'impermanence, collaboration, Musée Preus, Horten `Résidence de l'impermanence`, Galleri Fineart, Oslo. Solo 2017 `Shadow Within/Rituals` Gulden Kunstverk, Drammen. Solo Commission, restaurant MAAEMO. "Dans la nature humaine miroir, Miroir, Galerie Hosfelt, San Francisco. Collaboration avec Ed Ruscha, Adam Fuss, Liliana Porter 2016 `In;Human Nature`, Galerie TM51, Oslo. Solo Fotofever/ParisPhoto, Louvre, Paris Cornette de Saint Cyr, Vente aux enchères, Paris 2015 Centre d'art photographique Three Shadows, Pékin, Chine. paradis perdu. `Technologie arctique/Barentsburg`/ Shadow Within. Solo Fotofever (ParisPhoto), Galerie d'art Artistics, Paris. Collaboration How Art Museum, Wenzhou, Chine. `Paradis perdu` Arctic Technology/Barentsburg/Shadow Within. Solo Redtory, Guangzhou, Chine. `Paradis perdu` Arctic Technology/Barentsburg/Shadow Within. Solo 2014 Fineart Gallery, Oslo : " Shadow Within " 2010-2013 / " Darkness Burns Bright " 2013/2014. Solo Beyond Earth Art • (les artistes contemporains et l'environnement) Johnson Museum of Art, New York. Shadow Within. Collaboration (dont Olafur Eliasson, Edward Burtynsky, Mathew Brandt, Yun-Fei Ji, entre autres) Le musée d'art d'El Paso, Texas. technologie arctique. Collaboration Musée Glenbow, Alberta. "Technologie arctique". Collaboration LIFF (Lofoten International Photofestival) `Shadow Within` w/speaking. Solo 2013 Nommé pour le Prix Pictet/ "Shadow Within". Galerie Hosfelt, San.Fran. USA. `Shadow Within`. Solo Accompagné de Call of the Wild`( Joseph Beuys, Ed Ruscha, Patricia Piccinini et Alan Rath) Carnegie, Oslo, série "Arctic Technology". Commission. tournée `Vanishing Ice`, USA/Canada, Whatcom Museum 2013-2015. Publication `Vanishing Ice`, Paysages alpins et polaires dans l'art, 1775-2012 Auteur : Barbara Matilsky. Paysages altérés : Photographies d'un environnement en mutation (Impact de l'activité humaine sur les paysages naturels) par Ann M. Wolfe. Rizzoli Publications. 2012 Vanishing Ice, Whatcom (Museum of Washington), États-Unis, 2012. "Technologie arctique". Collaboration Intervention en public, résidence des ambassadeurs, Londres. l'ombre qui plane. 2010 Akershus Kunstsenter, Oslo. technologie arctique ". Collaboration `En pleine couleur`, Galerie Hosfelt, New York. Arctic Technology/ Barentsburg. Collaboration 2009 Nommé pour le prix Pictet avec la série "Barentsburg". Galerie Hosfelt, San. Fran, "Technologie arctique/Barentsburg". Solo AntArctica, Haugar Kunstmuseum. Collaberative `L'hiver le plus froid`, Galerie Hosfelt, San. Fran. Collaboration 2008 technologie arctique" Galerie Hosfelt, New York, États-Unis, Solo Aéroport Gardemoen, 10e anniversaire Oslo. Public(Technologie arctique) Gare centrale d'Oslo/Rom for Kunst, Oslo. Public(Technologie arctique) 2007 ArtBasel/Scout Gallery, Londres, Miami. Collaboration Foire PhotoLondon, Zebra Gallery London. Collaboration Exposition annuelle de subventions Kunstnernes Hus, Oslo. Collaboration Exposition annuelle de bourses Fotogalleriet, Oslo. Collaboration Ministère de la défense H.Q. Oslo. Commission(Technologie arctique) 2006 Sotheby's Londres. Vente aux enchères collaborative Zebra One, Londres. Collaberative Exposition annuelle de subventions, Oslo. Collaboration Ministère de la défense H.Q. "Technologie arctique". Oslo. Commission 2005 Scout Gallery, Londres. technologie arctique ", Solo Prix BMW, Paris Photo. "Technologie arctique". Collaboration Paris Photo, Louvre, Paris, Scout Gallery (Londres). Collaboration Technologie arctique/ Barentsburg Foire de PhotoLondon (Scout Gallery, Londres). Collaboration 2003 Exposition annuelle des bourses, Kunstnerenes Hus, Oslo. Collaboration Økokrim, Oslo, Commission. Public Eiendommspar, Oslo. Commission. Public 2002 Exposition des bourses d'automne, Kunstnernes hus, Oslo. Collaboration

Créateur:
Christian Houge (1972, Norvégien)
Année de création:
2008
Dimensions:
Hauteur : 50 cm (19,69 po)Largeur : 75 cm (29,53 po)
Autres éditions et dimensions:
113 x 170 cm. Edition 7Prix : 9 448 $US
Support:
Pigment numérique
Période:
2010-
État:
Adresse de la galerie:
Oslo, NO
Numéro de référence:
1stDibs : LU160028669332

2 350 $US

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