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Andy WarholHammer & Sickle, acétate d'image emblématique, donné par Warhol à Chromacomp Inc.1976
1976
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À propos de cet article
Andy Warhol
Marteau et faucille, 1976
Négatif en acétate acquis directement auprès de Chromacomp, inc. l'imprimeur d'Andy Warhol dans les années 1970. accompagné d'une lettre de provenance signée par le représentant de Chromacomp (l'imprimeur de Warhol) ; l'œuvre elle-même n'est pas signée.
Cadre inclus
Elegamment encadré dans un cadre en bois de qualité musée avec plexiglas UV
L'image peut également être accrochée verticalement, ou à l'endroit.
Mesures :
Cadre
15,75 pouces vertical par 19,75 par 1,5 pouces
Acétate
9 vertical par 13
Ce négatif photographique unique en acétate représente l'une des images les plus célèbres de Warhol - le marteau et la faucille. Cet acétate a été apporté par Warhol à Eunice et Jackson Lowell, propriétaires de Chromacomp, un studio d'impression d'art à New York. Dans les années 1970 et 1980, Chromacomp était le premier atelier de sérigraphies d'art en édition limitée ; en effet, Chromacomp était le plus grand studio de production de sérigraphies d'art au monde pour des artistes tels qu'Andy Warhol, LeRoy, Erte, Robert Natkin, Larry Zox, David Hockney et bien d'autres encore. Toutes les planches ont été réalisées à la main et, dans certains cas, photographiées.
Preuve de l'importance historique de cette collection, nous avons récemment vendu l'acétate d'Andy Warhol de l'artiste conceptuel Joseph Kosuth (issu de cette collection) - à l'artiste Joseph Kosuth lui-même, celle de Baby Jane Holzer à la mondaine elle-même, Jason McCoy à sa famille et Tina Freeman à son représentant. La famille Niarchos a également acquis l'acétate du célèbre mécène et philanthrope grec Stavros Niarchos.
Comme l'explique Bob Colacello, ancien rédacteur en chef d'Interview Magazine (et bras droit d'Andy Warhol), "de nombreuses personnes ont participé au processus plutôt mécanique de la sérigraphie.... mais seul Andy, pendant toutes les années où je l'ai connu, a travaillé sur les acétates". Un acétate est un négatif photographique transféré sur un transparent, ce qui permet d'agrandir l'image et de la projeter sur un écran. Comme seul Andy travaillait sur les acétates, c'était la dernière étape originale avant la sérigraphie d'une image, et l'élément le plus important dans le processus créatif de Warhol pour la sérigraphie.
Le célèbre imprimeur Alexander Heinrici a travaillé pour Eunice & Jackson Lowell à Chromacomp et a fait appel à Andy Warhol. Peu après, Warhol ou ses collaborateurs ont apporté plusieurs boîtes de photographies, de papier et d'acétates et ont demandé à Jackson Lowell d'utiliser son équipement pour agrandir certaines images ou parties d'images. Warhol a fait des commentaires ou des changements et a demandé aux Lowells d'imprimer certaines éditions ; d'autres ont été imprimées ailleurs. Chromacomp a fini par imprimer un certain nombre de sérigraphies de Warhol et, plus particulièrement, la série iconique Mick Jagger basée sur la boîte d'acétates photographiques, à la fois positifs et négatifs. Les Lowell ont autorisé que l'imprimeur soit nommé Alexander Heinrici plutôt que Chromacomp, puisque c'est Heinrici qui a apporté le compte. D'autres images n'ont jamais été imprimées par Chromacomp - elles étaient simplement envisagées par Warhol. Après avoir travaillé avec Chromacomp, Warhol a laissé les acétates restants, dont celui-ci, incroyablement rare et hautement collectionnable, de HAMMER & SICKLE avec Eunice et Jackson Lowell. Après la fermeture du magasin par les Lowell, les photographies ont été rangées et sont restées dans les cartons pendant plus d'un quart de siècle. Même de son vivant, il est bien établi que Warhol reconnaissait la valeur unique des acétates, puisqu'il les échangeait souvent contre des services auprès d'ateliers de sérigraphie. Il mesure environ 12 pouces sur 16 pouces. Elle est découpée de manière inégale par Andy Warhol lui-même, exactement comme il l'a apportée aux Lowells. L'acheteur recevra une lettre signée du représentant de la famille Lowell confirmant l'authenticité et la provenance de l'œuvre. De nombreux acétates de la collection Chromacomp ont déjà été acquis par des musées, des galeries, des marchands et des collectionneurs du monde entier. Tout récemment, une sélection d'acétates a été exposée, avec les sérigraphies que Warhol a créées à partir de ces acétates, dans un musée de Naples, en Italie.
Andy Warhol a créé sa série Marteau et faucille en 1976 après un voyage en Italie où le graffiti le plus courant dans les espaces publics était ce symbole que l'on trouve sur les flags soviétiques. Sous le contrôle des communistes, elle signifie l'union des intérêts des travailleurs de l'industrie et de l'agriculture. En Italie, pays démocratique depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale, le symbole du graffiti répété était pour Warhol plus pop art que politique. Après son retour aux États-Unis, Warhol a demandé à son assistant de studio Ronnie Cutrone de findir des images sources de ce symbole. Les reproductions trouvées dans les livres étaient comme le flag soviétique, flat en apparence, et Warhol voulait quelque chose de différent. Cutrone a acheté un marteau à deux têtes et une faucille dans une quincaillerie locale et a disposé et photographié les outils dans de nombreuses positions. Warhol a utilisé les photographies de Cutrone pour sa série de sérigraphies. En 1977, ces œuvres ont été exposées sous le titre ambigu de Still Lifes à la Castelli Gallery de New York. Warhol a renié tout lien politique dans son œuvre, bien qu'il ait été conscient du pouvoir des symboles et du climat culturel de la guerre froide. Cette guerre entre les superpuissances, l'Amérique et l'Union soviétique, du début des années 1940 jusqu'aux années 1980, n'a pas été caractérisée par des combats militaires réels, mais par un climat de tension et des perceptions mutuelles d'hostilité entre l'Est et l'Ouest, le communisme et le capitalisme, ce qui a entraîné l'accumulation d'armes, d'armes nucléaires et de trafics d'influence dans le monde entier.
J'étais loin de me douter que je figurerais également sur une liste du FBI, probablement pour notre petit projet artistique. Je me findais le long des gratte-ciel de Bigli et je me faufilais dans une librairie rouge, en regardant par-dessus mon épaule, je finissais quelques livres, je les emportais dans un sac brun et je sortais nonchalamment à la lumière du jour. Je revenais avec les livres, le cœur battant, et Andy me disait, mi-plaisantant, mi-sérieux : "Avez-vous été suivi par quelqu'un ?" Je répondrais : " Je ne pense pas, mais si c'était le cas, je pense que je suis un peu trop vieux pour dire que je suis un étudiant qui étudie la révolution russe. " Puis il disait : "Tu en as trouvé de bonnes ?" Je ne l'ai jamais vraiment fait. Elles étaient trop flat ou trop graphiques. La réponse était de descendre à Canal Street, dans une quincaillerie, et d'acheter un vrai marteau et une vraie faucille. Je pourrais alors les photographier, éclairés par de longues ombres menaçantes. Et ajouter le côté dramatique qui manquait aux versions des livres écrits au pochoir. Une troisième dimension de contours grossiers était ajoutée et lorsque les peintures étaient terminées, elles ressemblaient toujours à des manèges de parc d'attractions. Montez à bord de The Hammer and Sickle (le marteau et la faucille). Seulement 25 cents, si vous osez. Pas pour les faibles ou les âmes sensibles. Cela m'a toujours amusé que Can, le capitaliste par excellence, et moi, le libertaire par excellence, puissions être soupçonnés d'activités communistes.
Ronnie Cutrone, assistant de Warhol, Marteau et faucille, 2002
Bien entendu, la politique ne peut être totalement bannie de cette image. Mais même si M. Warhol n'est pas exactement à l'avant-garde du mouvement ouvrier international, il peut certainement revendiquer le statut d'ouvrier expérimenté (il a 50 ans cette année) et assidu. Dans ces nouveaux tableaux, il s'est inspiré de la sculpture (les stabiles de Calder, les variantes géantes d'objets ménagers de Claes Oldenburg), de l'architecture (des tours de San Gimignano au World Trade Center) et de la peinture (en étalant la couleur comme un écolier étale de la confiture lors de son premier jour en colonie de vacances) pour aboutir à un résultat final qui allie imagination et coup de poing.
John Russell, The New York Times, 21 janvier 1977
La plupart des acheteurs de l'attirail soviétique étaient des Américains et des Européens de l'Ouest. Tous seraient écoeurés à l'idée de porter une croix gammée. Aucun ne s'est toutefois opposé au port de la faucille et du marteau sur un tee-shirt ou un chapeau. C'était une observation mineure, mais parfois, c'est à travers de telles observations mineures que l'on peut le mieux observer l'état d'esprit d'une culture. Car ici, la leçon ne pouvait être plus claire : alors que le symbole d'un meurtre de masse nous fills d'horreur, le symbole d'un autre meurtre de masse nous fait rire.
Anne Applebaum, Gulag, 2003
La période punk a vu une renaissance du tatouage, une pratique qui affirme visiblement notre passé rituel "non civilisé" et dont le crâne occupe une place importante dans le langage pictural. En raison d'une série d'associations "primitives" et sexuelles, le tatouage est proscrit par les conventions occidentales traditionnelles. Mais les tatouages persistent, servant à décorer, séduire, choquer, effrayer, à déclarer la non-conformité.... [L'exhibitionnisme de Warhol, semblable à un tatouage, lors de l'inauguration de ses peintures "Hammer and Sickle" en 1977, a rassemblé diverses structures de pouvoir et de plaisir : la marque de capitalisme du monde de l'art et du système des galeries ; un emblème communiste représenté dans des peintures intitulées Still Lifes (natures mortes), dans lesquelles l'ombre semble plus réelle (menaçante) ; l'association avec le cuir, l'homosexualité, les droits et l'esthétique des homosexuels ; la folie disco en tant que nouveau marché social et industrie du divertissement.
Gary Garrels, Discussions in Contemporary Culture, n° 2, 1989
Avec l'aimable autorisation du musée Andy Warhol
Et ci-dessous, l'essai du catalogue sur la série de peintures Hammer & Sickle, tiré d'une vente aux enchères de Phillips en 2013 qui a vendu l'une des peintures Hammer & Sickle de Warhol sur laquelle cet acétate était basé :
"Je pense que j'ai été influencé par tout le monde. Mais c'est une bonne chose. C'est papa". Andy Warhol
"Tout le monde me demande toujours si je suis communiste parce que j'ai fait Mao. Alors maintenant, je fais des marteaux et des faucilles pour le communisme, et des crânes pour le fascisme". Andy Warhol
"Pour Andy, elles étaient aussi une extension de la nature morte classique. Depuis des années, je photographiais des natures mortes pour Andy ... il aimait expérimenter et réactualiser des thèmes classiques. Pour lui, c'était la meilleure partie de l'art". (R. Cutrone, "Hammer and Sickle", Andy Warhol : Hammer and Sickle, catalogue d'exposition, Londres : Haunch of Venison, 2004, p. 5).
Le présent lot, exécuté en 1977, est un exemple unique de la célèbre série Hammer and Sickle d'Andy Warhol. Elle a été exposée pour la première fois sous le titre Still Lifes à la Leo Castelli Gallery de New York en 1977, et est dédiée à Bob Colacello, l'ami de Warhol, qui a édité pendant 12 ans le magazine Interview, consacré aux célébrités de l'artiste.
Avec Hammer and Sickle, Warhol prouve une fois de plus qu'il est le premier iconoclaste du XXe siècle, démontrant sa capacité unique à soulever des questions idéologiques, historiques et sociales à l'aide d'une seule image frappante. S'inspirant du symbole communiste et des couleurs classiques de la propagande soviétique - le blanc, le noir et le rouge - Warhol prive le marteau et la faucille de leur aura sévère habituelle et les transforme en un objet consumériste attrayant, au même titre que les canettes de Coca-Cola et les boîtes de tampons de savon Brillo qu'il avait déjà réalisés. Cependant, cette fois-ci, le sujet n'est pas un produit du capitalisme américain, mais son exact opposé, l'emblème de l'idéologie communiste. Si ses premières boîtes controversées de tampons de savon Brillo visaient à déstabiliser le seuil entre la haute et la basse culture - sapant la séparation moderniste de Clement Greenberg entre l'art et le kitsch - le marteau et la faucille vont encore plus loin en confondant l'imagerie produite en masse avec la propagande. Pour Warhol, tant les boîtes de tampons de savon Brillo que le marteau et la faucille ne sont rien d'autre que des articles faits pour être vendus : qu'il s'agisse d'un objet ou d'une idée, cela ne fait aucune différence.
Adoptés pour la première fois par l'Armée rouge, puis intégrés au drapeau national de l'Union soviétique, le marteau et la faucille croisés étaient censés symboliser l'unité entre les ouvriers industriels et agricoles travaillant ensemble pour l'État. Pour sa série Hammer and Sickle, Warhol a démonté cette icône communiste en ses composants, en arrangeant les outils en différentes compositions qui ont ensuite été photographiées par son assistant Ronnie Icone. Inspiré par les graffitis italiens de la faucille et du marteau vus lors d'un voyage à Naples, Warhol avait initialement demandé à Cutrone de rechercher des images du symbole dans les librairies locales. Mais les images du livre se sont avérées, selon ses propres termes, trop plates ou trop graphiques, comme le rappelle Cutrone : "La réponse a été de descendre à Canal Street, dans une quincaillerie, et d'acheter un vrai marteau et une faucille. Je pouvais ensuite les photographier, éclairés par de longues ombres menaçantes, et ajouter le côté dramatique qui manquait aux versions écrites au pochoir... Cela m'a toujours amusé qu'Andy, le capitaliste par excellence, et moi, le libertaire par excellence, puissions être soupçonnés d'activités communistes" (Hammer and Sickle, cat. ex. , New York, C&M Arts, 2002). Il en résulte un important corpus d'œuvres - comprenant de la peinture et de la sérigraphie sur toile, des dessins et des collages - dans lequel l'artiste expérimente différentes solutions, comme s'il déplaçait des objets dans une composition ordinaire de nature morte.
Si l'on considère Hammer and Sickle comme une version contemporaine du genre typique de la nature morte du XVIIIe siècle, la présente œuvre devient un memento mori, un rappel des horreurs de la guerre et des dictatures. Bien que l'on puisse dire la même chose de la série des crânes de Warhol - et peut-être plus généralement de ses Guns and Knives - l'artiste a ici abordé l'iconographie communiste avec un sens de l'ironie un peu plus poussé. En regardant de plus près le manche de la faucille, on peut lire "Champion no. 15 by True Temper", le logo du fabricant américain. Warhol se moque-t-il du marché libéral américain ou du communisme ? Ou les deux ? La différence entre le capitalisme et le communisme, entre le "bon" et le "mauvais", est irrémédiablement brouillée. Warhol réduit le marteau et la faucille à de simples objets et, avec son œil averti, les transforme encore davantage en images abstraites d'une beauté saisissante.
- Créateur:Andy Warhol (1928 - 1987, Américain)
- Année de création:1976
- Dimensions:Hauteur : 40,01 cm (15,75 po)Largeur : 50,17 cm (19,75 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:very good condition - as it was delivered to Chromacomp by Warhol.
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745214125762
Andy Warhol
Le nom de l'artiste américain Andy Warhol est pratiquement synonyme de Pop art, le mouvement qu'il a contribué à façonner dans les années 1960. Il était extrêmement prolifique, et les archives de photographies originales , prints, drawings, paintings et d'autres œuvres d'art qu'il a laissées derrière lui sont extrêmement vastes.
Andy Warhol est connu pour son appropriation intelligente des motifs et des images de la publicité populaire et des spots publicitaires, qu'il a intégrés dans des œuvres graphiques et vibrantes utilisant des technologies de production de masse telles que la gravure, la photographie et la sérigraphie. Plus tard dans sa carrière, Warhol a étendu son œuvre à d'autres formes de médias, en fondant le magazine Interview et en réalisant des séances de photos de mode et des films sur place à la Factory, son studio mondialement connu à New York.
Né et éduqué à Pittsburgh, Warhol s'est installé à New York en 1949 et a mené une brillante carrière d'illustrateur commercial. Bien qu'il ait réalisé des dessins fantaisistes comme passe-temps pendant ces années, , sa carrière d'artiste plasticien a commencé au milieu des années 1950 avec des dessins à la tache d'encre et des sérigraphies dessinées à la main. La lithographie de 1955 You Can Lead a Shoe to Water illustre la manière dont il a incorporé dans ses œuvres des styles et des techniques publicitaires, en l'occurrence des publicités pour des chaussures.
Enfant, Warhol était souvent malade et passait le plus clair de son temps au lit, où il faisait des croquis et rassemblait des collections de photographies de stars de cinéma. Il décrit cette période comme formatrice en termes de compétences et d'intérêts. En effet, Warhol est resté obsédé par les célébrités tout au long de sa carrière, produisant souvent des séries consacrées à un visage célèbre ou à un objet de la culture populaire, comme le président Mao ou la soupe à la tomate Campbell. La sérigraphie de 1967 Marilyn 25 incarne son amour des couleurs vives et des sujets célèbres.
Warhol était une figure culturelle de premier plan à New York dans les années 1960, 1970 et 1980. La Factory était un lieu de rencontre pour les célébrités, les écrivains, les drag queens et les autres artistes de l'époque, et les collaborations étaient fréquentes. À ce jour, Warhol reste l'un des artistes les plus importants du XXe siècle et continue d'exercer une influence sur les créateurs contemporains.
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Antoni Clavé
Sans titre, extrait de l'album International 2 Portfolio, 1977
Technique mixte : Lithographie en relief
29 1/4 × 19 3/4 pouces
Édition 1/50
Signé et numéroté au recto
Non encadré
Il s'agit d'une rare lithographie de l'artiste graphique, peintre et sculpteur catalan de renommée mondiale, signée et numérotée au crayon à partir de l'édition limitée à seulement 50 exemplaires. Superbe provenance car il a été acquis à partir du portefeuille original d'Album International, numéro 1 sur 50.
Le texte de la page de colophon se lit comme suit :
Né à Barcelone, il vit à Saint-Tropez, en France.
Lithographie en relief, édition de 50 exemplaires, chacun numéroté et signé par l'artiste.
Antoni Clavé biographie
Antoni Clavé est né à Barcelone le 5 avril 1913. À partir de 1926, il suit des cours du soir à l'Escuela de Artes y Oficios "Llotja", une école que Picasso et Miró ont tous deux fréquentée dans leur jeunesse. En 1927, l'un des professeurs de Clavé lui trouve un poste d'apprenti peintre en bâtiment en raison de sa fascination croissante pour la nature pratique de la peinture et en particulier pour les matériaux utilisés pour ce travail, comme l'apprentissage de la préparation des peintures.
En 1932, Clavé cesse de suivre les cours du soir et, sur la recommandation d'Illescas, un architecte, est embauché dans l'entreprise Cinaes, où il conçoit les affiches hebdomadaires des cinémas.
Pendant la guerre civile espagnole (1936-1939), il a servi de dessinateur pour le gouvernement républicain, mais a finalement été contraint de fuir en France. Après un bref internement au camp des Haras à Perpignan, Clavé s'installe à Paris en 1939 sans papiers, dessinant des bandes dessinées et travaillant comme illustrateur pour s'en sortir.
Dans les années 1940, l'œuvre de Clavé montre l'influence stylistique de Bonnard et Vuillard, jusqu'à ce qu'il rencontre son compatriote espagnol expatrié Pablo Picasso en 1944. Cette rencontre a marqué un tournant dans le style de Calle, qui a toujours été reconnaissant d'être considéré comme un ami de Don Pablo, comme il l'appelait.
À partir de 1946, Clavé réalise de nombreux dessins pour le ballet et le théâtre à Paris, Munich, Londres et New York et, dans les années 1950, il se tourne vers l'illustration de livres. Il a été nommé pour deux Oscars (meilleure direction artistique et meilleurs costumes) pour son travail sur le film Hans Christian Andersen (1952).
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