Peintures de Henry Raeburn (circle)

Atelier/Cercle de François de Troy (Toulouse 1645 - Paris 1730) Portrait d'une jeune femme (probablement Marianne de Cogny, épouse de Philippe-Emmanuel de Beaufort) Peinture à l'hui...

Saint George Un disciple de Giovanni Battista Cima, connu sous le nom de Cima da CONEGLIANO (Conegliano c. 1449 - Conegliano c. 1517) Huile sur toile 126 x 49 cm. Encadré 143 x 65 c...

Agnolo di Cosimo, dit "le Bronzino" (Monticelli de Florence, 1503 - Florence, 1572) La Sainte Famille à San Giovannino Huile sur table (120 x 90cm. - Dans un cadre ancien (146 x 116 cm) L'ouvrage est accompagné de l'expertise du professeur Stephan D. Pepper, datée du 5.12.96 (Rome). Il s'agit d'une version de haute qualité de la célèbre "Sainte famille avec San Giovannino" créée en 1528 par Andrea del Sarto (Florence 1486 - 1530), l'un des représentants les plus remarquables parmi les protagonistes de la Renaissance florentine. Plus connue sous le nom de "Sainte Famille Borgherini" en raison du nom du commanditaire Giovanni Borgherini, membre de l'une des plus importantes familles florentines de l'époque, elle est aujourd'hui conservée au Metropolitan Museum de New York (Inv. 22.75). Avec cette composition grandiose et solennelle, Sarto confirme qu'il est "le peintre sans faille", comme aimait à l'appeler Giorgio Vasari : ses figures sont magistralement dessinées, rendues avec une splendide harmonie chromatique, et enfin la relation entre les figures, arrangée avec un air de noblesse, nous donne une chorégraphie sublime qui relie les quatre personnages. Le tableau, commandé l'année même où Florence a réussi à se libérer de la domination des Médicis et s'est déclarée République, contient également une signification politique, avec Jean-Baptiste, le saint patron de la ville, qui offre le globe terrestre avec la croix à l'Enfant Jésus, en continuant à le serrer de ses mains, pour symboliser que les deux - donc la ville et l'Église - agiront comme protecteurs et garants de la liberté de la république de Florentine. Considérée comme l'un des joyaux les plus importants de la Renaissance florentine, chef-d'œuvre de la première maturité du peintre, elle fut l'une des compositions les plus admirées et copiées de l'artiste, jouissant dès cette époque d'une fortune particulière auprès des collectionneurs florentins : ceci explique les nombreuses copies, autographes ou d'ateliers, qui enrichissent autant de musées internationaux [1]. Bien qu'il n'y ait pas, en termes de composition, une correspondance parfaite entre l'original et le tableau que nous proposons - qui reproduit en fait servilement la structure compositionnelle - il y a également des différences dans la disposition picturale et dans l'apparence qui en découle. La très grande qualité picturale qui distingue cette œuvre nous permet d'en associer la paternité à un grand auteur d'origine florentine du début du XVIe siècle, qui a su restituer toute la poésie originale, tout en la personnalisant avec sa propre empreinte stylistique. En particulier, la matière picturale appliquée de manière uniforme et la superbe utilisation des nuances, avec un modelé qui nous amène - comme le suggère Stephan D. Pepper dans son rapport - à redécouvrir la main juvénile d'Agnolo di Cosimo, dit "il Bronzino" (Monticelli di Florence, 1503 - Florence, 1572), maître incontesté pour la précision dans l'élaboration de la matière picturale et le traitement "voilant", avec lequel il rendait sa peinture glacée...

Cercle Frans Pourbus (Bruges, 1545 - Anvers, 1581) Portrait d'un gentleman en costume Renaissance avec un doublet noir et une collerette Fin du XVIe siècle Huile sur toile 46 x 32 ...

Peinture ancienne représentant Jésus avec le fils du commissaire (Lecture alternative : Saint Joseph avec l'enfant, ou la 'Paternité') Giovan Battista Salvi dit "le Sassoferrato" (1...

Portrait historique ancien dans le style de William Earlegie, vraisemblablement de David Carnegie, 4e comte de Northesk, pair et homme politique écossais. L'œuvre représente le perso...

Maître du perroquet (peintre actif à Anvers au début du XVIe siècle, dont le nom fait référence au perroquet qui apparaît toujours dans ses tableaux) - adepte du Madone sur le trône...

Peintre lombard du 17e siècle Saint Michel Archange Huile sur toile 139 x 75 cm. - Encadré 156 x 91 cm Tableau ancien représentant saint Michel Archange, immortalisé en pied sous l...

Thomas Spencer était l'un des principaux artistes sportifs et équestres de l'époque de John Wootton et de James Seymour ; son art présente une dette considérable envers celui de ce d...

Francesco Solimena (Canale di Serino 1657 - Barra 1747) atelier/cercle L'allégorie de l'Europe huile sur toile 102 x 76 cm. - avec cadre : 119 x 92 cm. L'œuvre, que l'on peut situ...

Ce splendide panneau, réalisé dans les dernières décennies du XVIe siècle, représente San Girolamo, un moine ayant vécu entre le IVe et le Ve siècle, présenté selon l'iconographie de...

Erasmus Quellinus II (Anvers 1607 - 1672) Vanitas (comme allégorie de la vanité de la vie ou de la jeunesse) Peinture à l'huile sur toile - cm. 121 x 84, dans le cadre cm. 135 x 98 L'ouvrage est accompagné d'une étude approfondie rédigée par le professeur Emilio Negro, dont nous présentons quelques extraits. Le thème du tableau que nous proposons est une singulière et rare "Vanitas", un sujet à forte valeur morale qui, dans le champ pictural, se réfère à une composition avec des éléments symboliques faisant allusion au thème de la fugacité de la vie, et donc destiné à solliciter le spectateur à méditer sur le caractère éphémère de la destinée humaine et sur la fragilité des plaisirs du monde. Ces sujets, qui ont eu un succès particulier dans le contexte flamand, sont des œuvres de grand charme, intéressantes à étudier et souvent difficiles à déchiffrer ; protagoniste de notre toile nous voyons un petit amour capricieux, assis sur un sarcophage, une sorte de Carpe Diem anthropomorphique pictural (saisissez l'instant fugitif), qui vous invite à méditer sur le caractère éphémère de la vie et à profiter des moments de bonheur qu'elle vous accorde ; et ce, quelles que soient les vicissitudes du destin, symbolisées par le pied du putto piétinant les pièces d'or, le tissu précieux, le sceptre, l'étole d'hermine, la tête de mort, le cor de chasse et les livres. À côté de lui se trouve une nature morte de fleurs multicolores, rassemblées dans un vase de cristal, dont la présence prend une signification allégorique évidente, puisqu'elles constituent la métaphore du caractère éphémère de la beauté juvénile qui, comme les fleurs fraîches, est destinée à se faner. . Il convient de souligner la pierre tombale sur laquelle est assise la dulcinée et sur laquelle figure le sigle "DMS", à dissoudre dans la phrase latine "Diis Manibus Sacrum", c'est-à-dire aux dieux sacrés des mains, ce qui correspond à l'invocation gravée sur les pierres tombales du dernier paganisme, adressée aux esprits des ancêtres déifiés. Un autre détail très intéressant est le drap blanc qui émerge des pages du volumineux psautier fermé, dans lequel est tracée, dans une belle calligraphie du XVIIe siècle, la phrase latine : " Defecerunt sicut fumus dies / mei Psal J.97 " pour traduire : " mes jours presque fumés ils se sont évanouis " (Psautier, Psaume 1. 97), équivalent à une autre exhortation à la réflexion sur la courte durée de l'existence. En ce qui concerne l'origine picturale de la composition en question, il convient tout d'abord de noter qu'il s'agit d'une réplique intéressante, avec quelques modifications, d'une œuvre à quatre mains d'Erasmus Quellinus le Jeune (la figure du putto) et de Daniel Seghers (la nature morte). De la même composition est également connue une version intitulée 'Allégorie du passage de la jeunesse', passée par Sotheby's à Amsterdam comme Cornelis Schut et Daniël Seghers (12.12.1991, Old master Paintings and Drawings, lot 218, Prix € 16,630, puis vendue à Londres comme Thomas Willeboirts Bosschaert...