France - Sculptures

Sculpture en grès émaillé noir de Michel Lanos. Signature de l'artiste sous la base. Vers 1980-1990. H : 19.5' x 6.5' x 8' pouces. Pièce unique.

Une importante sculpture de l'artiste italien Luciano Palmieri. Nommé : " La Mie Foglioline ". 1990 Signé Belle patine

Sculpture Mc Laren réalisée en aluminium poli des assiettes fabriquées à la main. Pièce exceptionnelle réalisée en soudé et façonné l'aluminium en de magistrales des œuvres d'a...

Sculpture Goril black réalisée avec du noirci aluminium, composé de nombreuses plaques d'aluminium. Pièce exceptionnelle.

Corrado Alberto MAZZEI (1885 - ?). Le Prelude. Sculpture en bronze à patine dorée représentant un lion et une lionne reposant sur un socle en bois coloré. Moule antique à cire perdue...

Piédestal N°2 Ce piédestal, conçu par Anne Jacquemin Sablon et réalisé par le céramiste Jean François Reboul, est fait de grès et de pigments colorés. Le piédestal est tourné et sculpté à la main. Dimensions : H 24 x P 17 cm H 9.44'' x D 6.69'' Jean-François Reboul est un sculpteur, né en 1952 à Toulon. Il est diplômé de l'École des Beaux-Arts d'Avignon. Depuis sa première exposition individuelle en 1980 à la Galerie Bernard B à Pont l'Abbé, il a organisé ses expositions à plusieurs reprises en Europe et a également participé à des foires internationales. Ses œuvres sont réalisées avec divers matériaux qui se fabriquent ou se transforment (argile, ciment, béton, bois, pâte de verre, matières premières, revêtements, plaque, etc.) sous des formes symboliques et simples. La matière est la substance et peut être lisse et rugueuse, blanche ou noire, subtile et délicate, ou épissée et solide. Aucune technique n'est interdite car chaque matériel doit servir son objectif, même s'il a sa spécificité. Reboul aime s'approprier du nouveau matériel, à condition de comprendre pour mieux l'utiliser. L'atelier actuel de l'artiste a été créé en 1982, et c'est là qu'il a commencé son voyage avec la technique Raku, ayant aujourd'hui plus de 30 expériences d'un processus de cuisson développé au Japon à la fin du 16ème siècle. Aujourd'hui, Jean-François Reboul s'inspire des figures astrales, de sa vision de laisser la matière parler pour sa forme. Il varie ses techniques et ses approches en fonction de l'argile - qu'il s'agisse de béton pour les grandes sculptures d'art ou de céramique pour les créations utilitaires. Galerie Anne Jacquemin Sablon La galerie Anne Jacquemin Sablon a ouvert ses portes au public en 2015. Il s'agit d'un espace dédié au design et aux arts appliqués contemporains. Il présente une collection de meubles, de luminaires, d'accessoires et d'œuvres d'art. La galerie est située dans un espace unique et historique, initialement une boutique de mode des années 1920. Aujourd'hui, il est rénové pour accueillir des artistes, des designers et des architectes d'intérieur. Comme, c'est un espace qui répond aux exigences de l'art et aux besoins des clients qui ont un intérêt particulier pour les arts appliqués et le design contemporain. En effet, la plupart des pièces sont conçues par des architectes français tels que Tristan Auer, Thierry Lemaire...

Sculpture d'un visage incliné en bronze patiné, Art contemporain, 21e siècle. Sculpture d'un visage incliné en bronze patiné, art contemporain, 21e siècle. h : 42cm, l : 40cm, p : 2...

Sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2015. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées...

Sculpture marée haute en bronze massif naturel finition bronze et en finition bronze rouillé vert. Pièce exceptionnelle.

Grande base de lampe en céramique sculptée à la main, grès à éléphant stylisé émaillé de couleur kaki. Pièce unique faite à la main et signée par les céramistes français Dalo La hau...

Sculpture Embleme Bronze all in bronze massif, technique du bronze à la cire perdue.

Sculpture en plâtre raffinée représentant une tête d'homme aux yeux fermés, réalisée en France dans les années 1950. Il présente une magnifique patine, ce qui ajoute à son allure et ...

Ces boiseries en chêne sculpté étaient probablement placées sur la façade de la maison, à proximité de la charpente d'une maison normande. Le sculpteur a représenté la vue de face de...

Sculpture de manchot empereur en blanc verni résine laquée. Créé par David Rousselot - Paris Deux tailles disponibles. Mesures : Petit modèle, L 50 x D 40 x H 85cm. Prix : €425...

Vase zoomorphe tripode en céramique incisée et peinte.   

Sublime bronze de l'artiste Henry FUGÈRE représentant un personnage armé d'une lance terrassant un lion. Sur la terrasse l'inscription "Bellica Virtus". Notre exemplaire est sign...

Paire de sculptures figuratives en terre chamotée dans le style de Jean Dubuffet. 1950, 50s. . France . Dimensions : Hauteur : 34 cm Largeur : 7 cm Profondeur : 7 cm . Elles rappel...

"La liseuse" de Carrier Belleuse bronze patiné doré, fin 19ème siècle, 26 cm de haut et 9 cm de diamètre. A noter qu'il manque 3 doigts. ...

KAREL HLADIK (1912-1967) Plaque décorative représentant un taureau Sculpture en bronze Signé et titré Karel Hladik (27 juin 1912 - le 27 avril 1967) est un sculpteur et pr...

Sculpture décorative érotique abstraite en grès moderne français par Barocco 1984 Barocco, c'est le nom d'un duo d'artistes français, Richard Tarone fabrique et tourne les pièces ...

Thierry Mazillé "Cathédrale de Strasbourg" à l'échelle du 1/100e, 2004-2007. Mesures : hauteur avec support : 174 cm. Pièce unique Œuvre créée à l'échelle, utilisant des co...

Cette fine sculpture d'ambre représentant Jésus-Christ est un objet très rare. On ne trouve des exemples de ce type que dans les pays germaniques. Déjà utilisé à la préhistoire, l...

Jean-Claude Capmarty se définit comme un « sculpteur doux ». Ce créateur, décédé en 2014, est l'auteur de nombreuses installations en France et dans le monde entier. Il utilise du fi...

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées, indéchiffrables, incontrôlables ? Wayne Fischer est un artiste capable de créer des œuvres qui nous obligent à nous poser des questions aussi émouvantes que celle-ci. S'il ne sait pas pourquoi, s'il ne peut pas expliquer les raisons profondes de sa recherche artistique, il connaît certainement les rouages et les limites du processus artistique qu'il a inventé. Il n'a jamais dévié du cap qu'il s'est fixé depuis l'université : traduire la vie. Les œuvres présentées ici montrent l'évolution de ses créations au cours des trente dernières années. Si Wayne Fischer a reçu plusieurs prix internationaux et a rapidement obtenu la reconnaissance de ses pairs dans le domaine de la céramique, il conserve néanmoins une position singulière à la fois incontournable et dérangeante. Ses sculptures sont paradoxales, puissantes et sensuelles, et provoquent un certain malaise. Ils sont beaux, charnels, touchables, tout en étant en dehors de l'idée standard de la beauté. L'ambiguïté de l'attraction et du rejet est au cœur de cette évolution. Les pièces des années 1980 et 1990 s'imposent par leur taille, leur stature et leur symétrie, qui leur confèrent un équilibre. Ils suscitent la surprise, la curiosité et jouent sur des contrastes à la fois doux et agressifs. Ils font référence au corps, aux muscles et au torse, sans présenter une réalité exacte. Ils ont un double visage, sont séduisants et énigmatiques. Les formes de Wayne s'inspirent des coquillages, des bivalves, parfois présentés comme s'ils flottaient dans l'espace. Mais la référence du monde marin au mystérieux corps féminin n'a qu'une seule interprétation et seules l'histoire et l'émotion conditionnent la réaction du spectateur : il accepte ou refuse de voir, d'être séduit. On le touche ou il s'enfuit. Les sculptures plus récentes sont appréciées dans la plénitude de leur volume rond et la recherche d'une pure beauté universelle. " Métamorphose ", l'œuvre récemment récompensée par la Fondation Bettencourt, est issue de cette série de pièces tournées et déformées au tour, ce qui pousse la porcelaine de l'intérieur, de sorte que les renflements évoquent le mouvement des vagues ou la musculature de plusieurs corps. L'exactitude, les ruptures nettes, l'assurance des lignes et des vallées témoignent de la puissance intérieure qui régit la création. L'énergie vitale exprimée est également ressentie par l'artiste comme l'origine de la céramique. Toutes les pièces sont courbes et tendues. Elles ne présentent aucune marque, aucun signe de la main, aucune empreinte, et pourtant elles donnent une impression de spontanéité, comme si un morceau d'argile tombé par terre trouvait sa forme par hasard. Selon les angles, le contenu devient "les origines du monde". La féminité et la sensualité sont exaltées. Inspirées du corps, avant et après la naissance, ou simplement de la mer, les parties de la sculpture se conjuguent autour d'une mystérieuse cavité intérieure, secrète et troublante. Le mur intérieur ne correspond pas à l'extérieur et possède ses propres volumes, déformations et intimité. Les pièces présentent deux types d'intérieurs : l'un ouvert et partiellement découvert, l'autre totalement caché à l'intérieur. Les différences de leur déformation respective renforcent l'impression de vie : la représentation subjective de muscles et d'os, de renflements poussés par une force intérieure, comme un mouvement viscéral de respiration. La surface de la céramique est craquelée mais douce et fine, réfléchissant même la lumière comme la peau. Les nuances de couleur renforcent l'expression de la sensualité. L'alignement de la technique et de ce qu'elle nous fait voir et ressentir a rarement été aussi intimement réussi. Wayne Fischer a perfectionné sa technique dans les années 1970 et y est resté fidèle. Il ajoute des fibres à l'argile à porcelaine choisie pour sa blancheur afin de créer et d'accentuer le volume autour de l'espace vide, en assemblant des dalles ou des pièces jetées. Ensuite, il fabrique une autre pièce qui prend sa place à l'intérieur ; les deux pièces sont formées sans aucune marque de main avant ou après leur assemblage. Ces sculptures sont dites à double paroi. Les colorants sont appliqués à l'aérographe, puis vaporisés d'une couche de glacis transparent. La pièce est colorée à la manière d'un peintre en maîtrisant la lumière. Les parties les plus sombres accentuent l'ombre et la profondeur, les parties les plus claires s'avancent et se concentrent sur la lumière. Après la cuisson à 1250o Celsius, chaque pièce est sablée pour enlever la brillance mais laisser la transparence, un doux crépitement et une illusion optique de profondeur. Cette description ne tient pas compte de la complexité et de la maîtrise nécessaire de ce procédé difficile et explique peut-être pourquoi cette technique fastidieuse n'a pas été reprise par d'autres céramistes. Cela demande un savoir unique que Wayne Fischer revendique avec détermination. "Vous devez sentir le matériau pour créer des pièces puissantes", dit-il. Une parfaite connaissance des matériaux est nécessaire pour exprimer ce que vous souhaitez, mais il est tout aussi important d'avoir quelque chose à dire avec cette technique. Wayne est un artiste avant tout. Dès qu'il se réveille, peu importe ce qu'il fait, Wayne est un artiste au point d'être parfois déconnecté de la réalité. Il ne fait aucune concession dans son processus, ni dans le temps qu'il consacre au travail. Il n'a pas cherché un emploi bien rémunéré, il n'a pas abandonné son art malgré les souffrances et les sacrifices, ou les tensions causées par son attitude intransigeante. Sa persévérance et son obstination ont permis de maintenir ses sculptures au plus haut niveau de qualité. En dehors des tendances artistiques contemporaines, sans appartenir à aucun mouvement, sans référence à la sculpture du XXe siècle qui a privilégié d'autres matériaux et techniques, Wayne Fischer innove. Son style n'appartient qu'à lui. Elle parle du corps sans être figurative, mais n'est pas vraiment abstraite car les pièces exsudent l'érotisme. Dans le respect de la simplicité des formes (influencé durant ses études par le travail de Barbara Hepworth), Wayne Fischer aborde l'inconscient et cherche à créer une discorde qu'il ressent lui-même par rapport aux œuvres de Bacon, Goya et Magdalena Abakanowicz. Il montre, comme Bernard Dejonghe...

Grande sculpture en bronze patiné d'Henri Vidal, vers 1900, période Art nouveau. Sculpture en bronze patiné du sculpteur Henri Vidal, période Art nouveau, vers 1900. H : 100cm, L : ...

Sculpture en chêne sculpté représentant Saint Louis de Gonzague, XVIIIe siècle. Sculpture italienne du XVIIIe siècle représentant Saint Louis de Gonzague en chêne sculpté. H : 75cm,...

Silvino Poza 1926 - 2010 Gaonera - Le Toréador Sculpture en bronze avec patine verte Technique de la cire perdue Signé : S.Poza Numeroté : n° 2/6 Biographie : Né en ...

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées, indéchiffrables, incontrôlables ? Wayne Fischer est un artiste capable de créer des œuvres qui nous obligent à nous poser des questions aussi émouvantes que celle-ci. S'il ne sait pas pourquoi, s'il ne peut pas expliquer les raisons profondes de sa recherche artistique, il connaît certainement les rouages et les limites du processus artistique qu'il a inventé. Il n'a jamais dévié du cap qu'il s'est fixé depuis l'université : traduire la vie. Les œuvres présentées ici montrent l'évolution de ses créations au cours des trente dernières années. Si Wayne Fischer a reçu plusieurs prix internationaux et a rapidement obtenu la reconnaissance de ses pairs dans le domaine de la céramique, il conserve néanmoins une position singulière à la fois incontournable et dérangeante. Ses sculptures sont paradoxales, puissantes et sensuelles, et provoquent un certain malaise. Ils sont beaux, charnels, touchables, tout en étant en dehors de l'idée standard de la beauté. L'ambiguïté de l'attraction et du rejet est au cœur de cette évolution. Les pièces des années 1980 et 1990 s'imposent par leur taille, leur stature et leur symétrie, qui leur confèrent un équilibre. Ils suscitent la surprise, la curiosité et jouent sur des contrastes à la fois doux et agressifs. Ils font référence au corps, aux muscles et au torse, sans présenter une réalité exacte. Ils ont un double visage, sont séduisants et énigmatiques. Les formes de Wayne s'inspirent des coquillages, des bivalves, parfois présentés comme s'ils flottaient dans l'espace. Mais la référence du monde marin au mystérieux corps féminin n'a qu'une seule interprétation et seules l'histoire et l'émotion conditionnent la réaction du spectateur : il accepte ou refuse de voir, d'être séduit. On le touche ou il s'enfuit. Les sculptures plus récentes sont appréciées dans la plénitude de leur volume rond et la recherche d'une pure beauté universelle. " Métamorphose ", l'œuvre récemment récompensée par la Fondation Bettencourt, est issue de cette série de pièces tournées et déformées au tour, ce qui pousse la porcelaine de l'intérieur, de sorte que les renflements évoquent le mouvement des vagues ou la musculature de plusieurs corps. L'exactitude, les ruptures nettes, l'assurance des lignes et des vallées témoignent de la puissance intérieure qui régit la création. L'énergie vitale exprimée est également ressentie par l'artiste comme l'origine de la céramique. Toutes les pièces sont courbes et tendues. Ils ne présentent aucune marque, aucun signe de la main, aucune empreinte, et pourtant, ils donnent une impression de spontanéité, comme si un morceau d'argile tombé par terre trouvait sa forme par hasard. Selon les angles, le contenu devient "les origines du monde". La féminité et la sensualité sont exaltées. Inspirées du corps, avant et après la naissance, ou simplement de la mer, les parties de la sculpture se conjuguent autour d'une mystérieuse cavité intérieure, secrète et troublante. Le mur intérieur ne correspond pas à l'extérieur et possède ses propres volumes, déformations et intimité. Les pièces présentent deux types d'intérieurs : l'un ouvert et partiellement découvert, l'autre totalement caché à l'intérieur. Les différences de leur déformation respective renforcent l'impression de vie : la représentation subjective de muscles et d'os, de renflements poussés par une force intérieure, comme un mouvement viscéral de respiration. La surface de la céramique est craquelée mais douce et fine, réfléchissant même la lumière comme la peau. Les nuances de couleur renforcent l'expression de la sensualité. L'alignement de la technique et de ce qu'elle nous fait voir et ressentir a rarement été aussi intimement réussi. Wayne Fischer a perfectionné sa technique dans les années 1970 et y est resté fidèle. Il ajoute des fibres à l'argile à porcelaine choisie pour sa blancheur afin de créer et d'accentuer le volume autour de l'espace vide, en assemblant des dalles ou des pièces jetées. Ensuite, il fabrique une autre pièce qui prend sa place à l'intérieur ; les deux pièces sont formées sans aucune marque de main avant ou après leur assemblage. Ces sculptures sont dites à double paroi. Les colorants sont appliqués à l'aérographe, puis recouverts d'une couche de glacis transparent. La pièce est colorée à la manière d'un peintre en maîtrisant la lumière. Les parties les plus sombres accentuent l'ombre et la profondeur, les parties les plus claires s'avancent et se concentrent sur la lumière. Après la cuisson à 1250o Celsius, chaque pièce est sablée pour enlever la brillance mais laisser la transparence, un doux craquement et une illusion optique de profondeur. Cette description ne tient pas compte de la complexité et de la maîtrise nécessaire de ce procédé difficile et explique peut-être pourquoi cette technique fastidieuse n'a pas été reprise par d'autres céramistes. Cela demande un savoir unique que Wayne Fischer revendique avec détermination. "Vous devez sentir le matériau pour créer des pièces puissantes", dit-il. Une parfaite connaissance des matériaux est nécessaire pour exprimer ce que vous souhaitez, mais il est tout aussi important d'avoir quelque chose à dire avec cette technique. Wayne est un artiste avant tout. Dès qu'il se réveille, peu importe ce qu'il fait, Wayne est un artiste au point d'être parfois déconnecté de la réalité. Il ne fait aucune concession dans son processus, ni dans le temps qu'il consacre au travail. Il n'a pas cherché un emploi bien rémunéré, il n'a pas abandonné son art malgré les souffrances et les sacrifices, ou les tensions causées par son attitude intransigeante. Sa persévérance et son obstination ont permis de maintenir ses sculptures au plus haut niveau de qualité. En dehors des tendances artistiques contemporaines, sans appartenir à aucun mouvement, sans référence à la sculpture du XXe siècle qui a privilégié d'autres matériaux et techniques, Wayne Fischer innove. Son style n'appartient qu'à lui. Elle parle du corps sans être figurative, mais n'est pas vraiment abstraite car les pièces exsudent l'érotisme. Dans le respect de la simplicité des formes (influencé durant ses études par le travail de Barbara Hepworth), Wayne Fischer aborde l'inconscient et cherche à créer une discorde qu'il ressent lui-même par rapport aux œuvres de Bacon, Goya et Magdalena Abakanowicz. Il montre, comme Bernard Dejonghe...

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçon...

Sculpture panthère acajou tout en main sculpté bois massif d'acajou avec finition bronze peinte à la main.

Sculpture en plâtre patiné de l'artiste Capovani, début du 20e siècle. Sculpture animalière représentant un lion terrassant un serpent par Capovani en plâtre à patine de bronze, déb...

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçon...

Sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 1989. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées, indéchiffrables, incontrôlables ? Wayne Fischer est un artiste capable de créer des œuvres qui obligent à se poser des questions aussi émouvantes que celle-ci. S'il ne sait pas pourquoi, s'il ne peut expliquer les raisons profondes de sa recherche artistique, il connaît à coup sûr les rouages et les limites du processus artistique qu'il a inventé. Il n'a jamais dévié de la voie qu'il s'était tracée depuis l'université : traduire la vie. Les œuvres présentées ici montrent l'évolution de ses créations au cours des trente dernières années. Si Wayne Fischer a reçu plusieurs prix internationaux et a rapidement obtenu la reconnaissance de ses pairs en céramique, il n'en conserve pas moins une position singulière à la fois incontournable et dérangeante. Ses sculptures sont paradoxales, puissantes et sensuelles, et provoquent un certain malaise. Elles sont belles, charnelles, touchables, tout en étant en dehors de l'idée standard de la beauté. L'ambiguïté de l'attirance et du rejet est au cœur de cette évolution. Les pièces des années 80 et 90 s'imposent par leur taille, leur stature et leur symétrie, qui leur confèrent un équilibre. Ils suscitent la surprise, la curiosité et jouent sur des contrastes à la fois doux et agressifs. Ils font référence au corps, aux muscles, au torse, sans présenter une réalité exacte. Ils sont à double face, séduisants et énigmatiques. Les formes de Wayne s'inspirent des coquillages, des bivalves, parfois présentés comme flottant dans l'espace. Mais la référence du monde marin au mystérieux corps féminin n'a qu'une interprétation et seules l'histoire et l'émotion conditionnent la réaction du spectateur : il accepte ou refuse de voir, d'être séduit. Il est touché ou il s'enfuit. Les sculptures plus récentes sont appréciées dans la plénitude de leur volume rond et la recherche d'une pure beauté universelle. "Metamorphosis", l'œuvre récemment primée par la Fondation Bettencourt, est issue de cette série de pièces tournées au tour et déformées, ce qui pousse la porcelaine de l'intérieur de sorte que les renflements évoquent le mouvement des vagues ou la musculature de plusieurs corps. La précision, les ruptures nettes, l'assurance des lignes et des vallées témoignent de la puissance intérieure qui gouverne la création. L'énergie vitale exprimée est également ressentie par l'artiste comme l'origine de la céramique. Toutes les pièces sont incurvées et tendues. Elles ne présentent aucun marquage, aucun signe de la main, aucune empreinte, et donnent pourtant une impression de spontanéité, comme si un morceau d'argile tombé à terre trouvait sa forme par hasard. Selon les angles, le contenu devient "les origines du monde". La féminité et la sensualité sont exaltées. Inspirées du corps, avant et après la naissance, ou tout simplement de la mer, les parties de la sculpture se conjuguent autour d'une mystérieuse cavité intérieure, secrète et troublante. Le mur intérieur ne correspond pas à l'extérieur, il a ses propres volumes, ses déformations et son intimité. Les pièces présentent deux types d'intérieurs : l'un ouvert et partiellement découvert, l'autre totalement caché à l'intérieur. Les différences de leurs déformations respectives renforcent l'impression de vie : la représentation subjective des muscles et des os, des bourrelets poussés par une force intérieure, comme un mouvement viscéral de respiration. La surface de la céramique est craquelée mais douce et fine, reflétant même la lumière comme la peau. Les nuances de couleurs renforcent l'expression de la sensualité. L'alignement de la technique et de ce qu'elle fait voir et ressentir a rarement été aussi intimement réussi. Wayne Fischer a perfectionné sa technique dans les années 1970 et y est resté fidèle. Il ajoute des fibres à l'argile à porcelaine choisie pour sa blancheur afin de créer et d'accentuer le volume autour de l'espace vide, en assemblant des dalles ou des pièces jetées. Ensuite, il fabrique une autre pièce qui prend sa place à l'intérieur ; les deux pièces sont formées sans aucune marque de main avant ou après leur assemblage. Ces sculptures sont dites à double paroi. Les colorants sont appliqués à l'aérographe, puis vaporisés d'une couche de glacis transparent. La pièce est colorée à la manière d'un peintre maîtrisant la lumière. Les parties plus sombres accentuent l'ombre et la profondeur, les parties plus pâles s'avancent et se concentrent sur la lumière. Après une cuisson à 1250o Celsius, chaque pièce est sablée pour enlever la brillance mais laisser la transparence, un doux crépitement et une illusion optique de profondeur. Cette description ne tient pas compte de la complexité et de la maîtrise nécessaire de ce processus difficile et explique peut-être pourquoi cette technique fastidieuse n'a pas été reprise par d'autres céramistes. Elle exige une connaissance unique que Wayne Fischer revendique avec détermination. "Il faut sentir le matériau pour créer des pièces puissantes", explique-t-il. Une parfaite connaissance des matériaux est nécessaire pour exprimer ce que l'on souhaite, mais il est tout aussi important d'avoir quelque chose à dire avec cette technique. Wayne est avant tout un artiste. Dès son réveil, quoi qu'il fasse, Wayne est un artiste au point d'être parfois déconnecté de la réalité. Il ne fait aucune concession dans son processus, ni dans le temps qu'il consacre au travail. Il n'a pas cherché un emploi bien rémunéré, il n'a pas abandonné son art malgré les souffrances et les sacrifices, ou les tensions provoquées par son attitude intransigeante. Sa persévérance et son obstination ont permis de maintenir la qualité de ses sculptures au plus haut niveau. En dehors des tendances artistiques contemporaines, sans appartenir à aucun mouvement, sans référence à la sculpture du XXe siècle qui a privilégié d'autres matériaux et d'autres techniques, Wayne Fischer innove. Son style lui est propre. Elle parle du corps sans être figurative, mais n'est pas vraiment abstraite car les pièces exsudent l'érotisme. Dans le respect de la simplicité des formes (influencé pendant ses études par le travail de Barbara Hepworth), Wayne Fischer aborde l'inconscient et cherche à créer une discorde qu'il ressent lui-même en relation avec les œuvres de Bacon, Goya et Magdalena Abakanowicz. Il montre, comme le fait Bernard Dejonghe...

Sculpture en bronze d'un ovale et d'un disque, sur un socle ovale en marbre noir La partie en bronze est signée C Cappello 1974 et est numérotée 42/90. Carmello Cappello (1912-...

Sculpture à deux visages en céramique émaillée blanche de Gisèle Buthod Garçon. Raku a tiré. Monogramme et signature de l'Artistics sous la bas...

Paire de bronzes représentant une danseuse et un musicien, sur une base en porcelaine de Paris, modèle de sculptures d'après Canova Bases restaurées, usure normale de la patine et d...

Une sculpture unique en porcelaine de Wayne Ficher. Conditions d'origine parfaites. Signé sous la base, Wayne Fischer. 2017.  

Groupe en bronze à patine brune, intitulé "L'enfance de Silène", signé Clodion et annoté "Cresson Éditeur" sur la base. Claude Michel (1738-1814), dit Clodion, est un sculpteur lorr...

Groupe en bronze à patine verte, signé sur la base par le sculpteur français Jean de Roncourt (19e/20e siècle). Cet artiste, qui a atteint l'apogée de sa gloire pendant la période Ar...

LIDICKY KAREL 1900 - 1976 Douleur Épreuve de bronze avec patine brune Signé sur la terrasse Mesures : Hauteur : 48,5 cm Provenance : S. MEHRINGER, Munich.

Paire de sculptures en biscuit, 1900, sur une jolie base en bois sculpté et doré. Paire de sculptures en biscuit représentant des danseuses en robe Art nouveau, 1900, sur un socle e...

Sculpture zoomorphe en céramique de Pierre Roulot. Conditions d'origine parfaites. Signé sous la base "Roulot". vers 1950-1960.

Ensemble de deux cornes de Bélier sur noble base en bois, pièce exceptionnelle,

Hublots de fuselage d'avion avec éclairage LED. Quatre éléments, taille réelle pièce exceptionnelle.

Vaso Crosta 01 Sculpture de Domingos Tótora Estúdio Dimensions : L 21 x P 21 x H 95 cm Matériaux : Carton recyclé. Domingo Tótora est né et a grandi à Maria da Fé, une ville de la r...

Bronze à patine brune du XIXe siècle, monté en lampe, époque Napoléon III Mesures : H : 44 cm, L : 32 cm, P : 17 cm.

Une sculpture en céramique "Bloc in motion" de Maarten Stuer. Cette pièce peut être placée à l'intérieur ou à l'extérieur. Monogramme de l'artiste sous la base. 2020. Pièce unique.

Groupe en bronze à patine brune représentant des Cupidons se disputant un cœur d'après Etienne-Maurice Falconet (1716-1791). Cette œuvre a connu un grand succès dans la seconde moiti...

Sculpture Décoration Panneau Corps Femmes en solide bois d'acajou blanchi. Tous sculptés à la main et bois poli. Les trois Grâces en abondance représentés sont dans un relief mural...

Sculpture Cheval poli en aluminium Assiettes fabriquées à la main. Pièce exceptionnelle réalisée en L'aluminium est soudé et façonné pour former des Œuvres d'art contemporain.

La sculpture est signée au dos mais n'est pas encore identifiée. Mesures : Sculpture en bronze Hauteur 43 cm, longueur 13 cm, profondeur 13 cm Base en pierre Hauteur 15 cm, lon...

Sculpture en céramique intitulée " Entre-deux " par Pierre Martinon. Conditions d'origine parfaites. Signé et daté à la base "Pierre Martinon 1991". Pièce unique. Loin du fra...

Cette sculpture sensuelle d'une femme allongée est réalisée en bronze à finition dorée. Il est signé A.R 1979. Fabriqué à la main dans la célèbre fonderie Valsuani.

Sculpture d'un buste de femme en bronze patiné, art contemporain, 21e siècle. Sculpture d'un buste de femme en bronze patiné, art contemporain, 21e siècle. h : 37cm, l : 26cm, p : 2...

Combinaison esthétique de fossiles de coquilles Saint-Jacques, appelées gigantopecten restitutensis, et d'une huître, voici une belle pièce de collection et de décoration sur son sup...

Grand bronze à patine brune d'Edouard Drouot (1859-1945). Ce sculpteur français est connu pour ses sculptures de scènes mythiques, caractérisées par un sens du mouvement et une impre...

BERNARD VIÉ LES DANSEURS " The Dancers ", 1986 Bronze, Fonderie Blanchet-Landowski, EA1 Mesures : Hauteur : 32 cm Largeur : 30 cm Profondeur : 10 cm Expositions : Nomb...

Paire de candélabres en bronze 19e siècle, Fratin Christophe Fratin (1801-1864) est un célèbre sculpteur animalier français qui a exposé au Salon de Paris de 1831 à 1842 et de 1850 à...

Sculpture Art déco en marbre blanc représentant une odalisque allongée, appuyée sur un coussin et tenant un éventail. La coiffe est stylisée, surmontée d'un bandeau à la mode des ann...

L'accolade de Pierre-Jules Mêne bronze XIXème siècle patiné Hautval médaille de terrasse de dimension 28 cm hauteur 24 cm profondeur pour 50 cm longueur. Informations complémentai...