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Candélabre renaissance et croix peinte L'Ombrie, 16e siècle

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À propos de cet article

Base d'un candélabre en bois sculpté, polychrome et doré ; croix peinte sur les deux faces. Ombrie ou Toscane, XVIe siècle 136 x 43,5 x 30 cm (La croix et la base du candélabre ont été assemblées ultérieurement) La base du candélabre est minutieusement sculptée et ornée de finitions polychromes et dorées. Les fûts prennent la forme de balustres rappelant les colonnes antiques et présentent des décorations de feuillage, des guirlandes et des visages de chérubins ailés. Les pieds sont façonnés en forme de pattes de lion. La base est également ornée de représentations de quatre saintes martyres, dont Sainte-Barbe et Sainte-Catherine d'Alexandrie. La plasticité des figures, soulignées par des lignes de contour fortes, les couleurs claires et vibrantes, sont des éléments stylistiques liés à la tradition ombrienne du XVIe siècle. Le dessin précis et élégant, ainsi que la palette de couleurs claires appliquées avec des modulations raffinées de clair-obscur, sont devenus la signature d'un style qui allait laisser une marque durable sur l'époque à venir. Cela se traduit par une préférence pour les images vibrantes et multicolores, accentuée dans ce cas par l'utilisation du rouge et du rose dans les vêtements du saint. Un ajout notable, introduit plus tard, est une croix polylobée peinte sur les deux faces. D'un côté, la Crucifixion est représentée de manière saisissante : le traitement du corps lui-même est conforme aux pratiques du haut Moyen Âge, soulignant le pathos en montrant Jésus mort, les bras affaissés par le poids du corps. La partie supérieure représente un pélican picorant sa poitrine pour nourrir ses petits de son propre sang, symbole du sacrifice du Christ sur la croix, dont le corps et le sang nourrissent de la même manière le célébrant pendant la messe. La partie inférieure représente le Golgotha. Au verso, la Résurrection est artistiquement présentée dans une iconographie de la Renaissance, rappelant la célèbre composition peinte par Piero della Francesca, aujourd'hui conservée au musée civique de Sansepolcro. En termes de composition, avec la représentation frontale du Christ tenant la bannière, ce motif s'est particulièrement répandu en Italie centrale, de la Toscane à l'Ombrie, tout au long du XVIe siècle. La construction à double face suggère qu'il a pu également être porté lors de processions liturgiques. En Ombrie, à partir du XIVe siècle, l'utilisation de croix portatives peintes sur les deux faces était devenue une pratique répandue, visant à satisfaire la clientèle monastique qui avait considérablement augmenté suite à l'établissement de nouvelles communautés religieuses. Les plus anciens crucifix peints en Toscane représentent le Christ en Christus Triumphans, ou "Christ triomphant", la tête haute et les yeux ouverts. Cette forme a été supplantée au XIIIe siècle par le Christus Patiens, ou "Christ souffrant", qui est souvent représenté la tête tombée sur l'épaule et les yeux fermés, comme sur notre croix. L'iconographie du Christ souffrant semble s'être développée à partir d'un nouvel intérêt pour la nature humaine du Christ, du développement de la fête du Corpus Christi et de l'importance accrue accordée à l'Eucharistie. Le processus d'humanisation de la figure du Christ atteint son apogée avec l'abandon de toutes les conventions expressives antérieures au profit de détails plus réalistes que nous pouvons observer dans ce Crucifix, tels que le ventre gonflé, les bras tendus à la limite de la déchirure musculaire, le corps tombant lourdement vers l'avant, le sang abondant sur le visage et le corps. les plaies, et la croix solidement ancrée dans le rocher du Calvaire. Il est intéressant de noter que les candélabres de la Renaissance ont souvent subi des modifications ultérieures, comme ici l'ajout de la croix polylobée. Cet ajustement, bien que postérieur à la création originale, n'en a pas diminué la valeur artistique. Au contraire, ils ont mis en valeur l'évolution des goûts et des préférences des générations suivantes, créant ainsi un dialogue entre les différentes périodes et les différents goûts. De grandes proportions et richement sculptée, cette base de bougeoir témoigne d'une grande magnificence et d'un grand savoir-faire artistique. La combinaison de rinceaux purement décoratifs et de formes picturales est typique de la décoration de la Renaissance du XVIe siècle. Si les candélabres étaient utilisés pour sanctifier des objets chrétiens, ils étaient aussi indéniablement associés à l'antiquité et au culte païen aux XVe et XVIe siècles. Chandelier Comme beaucoup d'objets décoratifs romains, ils se présentaient sous des formes extrêmement diverses. Une promenade dans la Galleria dei Candelabri des Musées du Vatican donne un aperçu de cette variété apparemment infinie de candélabres en marbre composés d'éléments naturels et artificiels. Au quinzième siècle, lorsque les candélabres sont devenus partie intégrante d'un lexique plus large de toutes les formes 'antica, ils apparaissent le plus souvent dans des contextes sacrés. Un grand nombre des premiers exemples conservés ont été produits par des artistes de Toscane, et c'est probablement dans cette région que les peintres et les sculpteurs ont exploré pour la première fois le potentiel du candélabre d'inspiration classique. Ce candélabre, orné de formes classiques antiques, incarne l'esprit de la Renaissance, mêlant l'innovation à des motifs complexes inspirés de l'esthétique romaine antique. L'utilisation de formes classiques, notamment de balustres, de guirlandes et de feuilles d'acanthe, reflète un effort conscient pour évoquer la grandeur de l'antiquité. Le candélabre Renaissance orné de formes classiques antiques témoigne de la fascination de l'époque pour le passé et de son attachement à l'excellence artistique. L'intégration harmonieuse de l'esthétique classique dans des objets fonctionnels tels que les candélabres a permis non seulement d'éclairer les espaces, mais aussi de mettre en lumière l'attrait durable de la beauté ancienne. Bibliographie : H. BELTING, L'Art e il suo pubblico. Funzione e form delle antiche immagini della passione, introduzione di G. Cusatelli, Bologna 1986 WALTER A. DYER, Furniture of the Italian Renaissance, Arts & Decoration (1910-1918), Vol. 7, No. 3 (JANVIER, 1917), pp. 131-134 Paul Davies et David Hemsoll, "Renaissance Balusters and the Antique," Architectural History 26,1983 E. SANDERBERG VAVALÀ, La croce dipinta italiana, Vérone 1929, II ed. Rome 1980, Elvio Longhi, La passione degli umbri, Crocifissi di legno tra Medioevo e Rinascimento, 2021

Dimensions:

Hauteur : 136 cm (53,55 po)Largeur : 43,5 cm (17,13 po)Profondeur : 30 cm (11,82 po)

Style:

Renaissance (De la période)

Matériaux et techniques:

Bois doré,Bois

Lieu d'origine:

Italie

Période:

XVIe siècle

Date de fabrication:

XVIe siècle

État:

Usure conforme à l'âge et à l'utilisation.

Adresse du vendeur:

Matériaux

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