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Louise Bourgeois & Tracey EminDo Not Abandon Me (firmata a mano con pennarello verde da Tracey Emin)2010
2010
Informazioni sull’articolo
Louise Bourgeois & Tracey Emin
Do Not Abandon Me (firmato a mano con pennarello verde a metà pagina del titolo da Tracey Emin), 2010
Monografia cartonata in tela, senza copertina (firmata a mano in pennarello verde a metà pagina del titolo da Tracey Emin).
Edizione limitata di 1500 esemplari (questa è eccezionalmente firmata a mano; l'edizione normale non è firmata)
Firmato a mano con pennarello verde a metà pagina del titolo da Tracey Emin
14 1/4 × 12 1/4 × 1/2 pollici
Questa elegante monografia in edizione limitata e altamente collezionabile, con tavole in stoffa e senza copertina, è stata pubblicata in un'edizione limitata dichiarata di 1500 esemplari (l'edizione regolare non era firmata) per accompagnare la mostra "Louise Bourgeois & Tracey Emin Do Not Abandon Me" di Carolina Nitsch, NY, dal 10 settembre al 23 ottobre 2010 e Hauser & Wirth, Londra, dal 18 febbraio al 22 marzo 2011.
Firmato a mano con pennarello verde a metà pagina del titolo da Tracey Emin.
È un regalo superbo!
Informazioni sul libro:
Editore: Hauser & Wirth Publishers / Carolina Nitsch (settembre 2010)
Inglese; Copertina rigida rilegata; 42 pagine con illustrazioni a colori
Il titolo dell'editore:
Do Not Abandon Me", una collaborazione tra Louise Bourgeois & Tracey Emin, consiste in sedici opere intime realizzate tra il 2008 e il 2010.
Informazioni su Tracey Emin:
L'autoritratto e il nudo sono presenti in tutta la sua pratica, che Emin ha descritto come "riti di passaggio, del tempo e dell'età, e la semplice consapevolezza che siamo sempre soli". I suoi primi lavori si riferiscono alla sua famiglia, alla sua infanzia e alla sua caotica adolescenza, cresciuta nella città balneare di Margate e andata via di casa all'età di quindici anni. Quello che è successo dopo viene esplorato, in modo non tragico né sentimentale, attraverso il disegno, la pittura, il film, la fotografia, l'appliqué cucito, la scultura, il neon e la scrittura, mentre le vicissitudini di relazioni, gravidanze e aborti si intersecano con il suo impegno nelle discipline formali dell'arte. Più recentemente, l'artista ha vissuto il suo corpo come un campo di battaglia, attraverso la malattia e l'invecchiamento, di cui parla con la sua caratteristica impavidità.
Il titolo scherzoso della prima mostra personale di Emin, My Major Retrospective 1963-1993, suggerisce che l'artista riteneva che, nonostante fosse all'inizio della sua carriera, fossero già successe cose importanti.Il suo ossessivo assemblaggio di cimeli personali includeva piccole fotografie dei dipinti della sua scuola d'arte che aveva distrutto, un "cimitero fotografico" che rivelava l'ammirazione per i dipinti di Egon Schiele e Edvard Munch.L'artista racconta questo "suicidio emotivo" nel CV Cunt Vernacular (1997) di Tracey Emin, tra i vari primi lavori video che danno un'ulteriore visione della sua formazione come artista, evidenziando i momenti di epifania attraverso l'uso della narrazione in prima persona. Ho capito che c'era l'essenza della creatività, quel momento di concezione", dice in How It Feels (1996), un film fondamentale in cui racconta la storia del suo aborto. L'intero essere di ogni cosa... doveva riguardare la sua vera origine". Parlando con la telecamera mentre cammina per le strade di Londra, conclude che l'arte concettuale, in quanto atto di riproduzione, è inseparabile dalla vita interiore dell'artista. Sviluppando questo legame, l'inquietante film Homage to Edvard Munch and All My Dead Children (1998) mostra l'artista sul molo vicino alla casa di Munch, nuda e prostrata in posizione fetale, l'alba che sorge sull'acqua mentre solleva la testa e urla - una risposta gutturale all'immagine iconica del grande pittore.
Nel 1998, Emin ha creato My Bed, una presentazione senza censure del suo habitat più personale. Il letto matrimoniale è diventato astratto dalla funzione e si trova sul pavimento della galleria, in conversazione con la storia dell'arte e palcoscenico di eventi della vita: nascita, sonno, sesso, depressione, malattia, morte. L'accumulo di oggetti reali (ciabatte, preservativi, sigarette, bottiglie vuote, biancheria intima) sul letto sfatto e intorno ad esso costruisce un ritratto dell'artista con un'impressionante concretezza, sfidando le convenzioni per esporre ciò che la maggior parte delle persone terrebbe riservato. L'opera ha ottenuto l'attenzione internazionale nell'ambito del Turner Prize, facendo entrare Emin nella coscienza pubblica. Un'altra opera che è diventata un sinonimo della sua arte di divulgazione è stata la scultura Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 (1995, distrutta nel 2004), in cui i nomi di tutte le persone con cui ha condiviso il letto - amici, amanti e familiari - sono stati cuciti all'interno di una tenda, un'area in cui lo spettatore è invitato a riflettere sul proprio inventario.
Esplicitamente femminista e riconoscendo l'influenza della sua amica e collaboratrice Louise Bourgeois, la scelta del mezzo è parte integrante della storia che Emin racconta. Nelle coperte e nelle trapunte ricamate a mano, tradizionalmente associate al lavoro femminile, l'artista trafigge il campo visivo con le parole, combinando ritagli di materiale diverso con cuciture irregolari per comporre affermazioni la cui sintassi e ortografia non vengono corrette. Con titoli come Mad Tracey from Margate. Everyone's been there, (1997) o Helter Fucking Skelter (2001), registrano l'acuta sensibilità dell'artista nei confronti delle opinioni di coloro che la circondano e forniscono una risposta, così come il mezzo è una risposta alla classificazione delle belle arti, per secoli dominate da artisti maschi. Nel momento in cui è diventata famosa, sia a livello nazionale che internazionale, Emin ha usato la pubblicità per punzecchiare altre forme di decoro nel mondo dell'arte professionale, come ad esempio non dare mai troppe spiegazioni. In forma più lunga, il suo libro di memorie, Strangeland (2005), offre un resoconto del suo viaggio per diventare "una donna fottuta, pazza, anoressica, alcolizzata, senza figli, bellissima". Non avrei mai immaginato che sarebbe stato così". Il testo è pieno di errori di ortografia che sfidano la forma e trasmettono un senso di processo non filtrato, come nel caso della sua lunga rubrica per The Independent (2005-09), in cui raccontava le sue vicende settimanali con il titolo "La mia vita in una colonna".
La serie continua di neon di Emin presenta frammenti di testo nella sua riconoscibile scrittura obliqua, elevando pensieri e sentimenti fugaci come aforismi: You touch my Soul (2020), I Longed For you (2019) o I don't Believe in Love but I believe in you (2012). La sua formulazione di affermazioni in seconda persona ha l'effetto di mettere lo spettatore al centro della situazione e può racchiudere un'intera storia d'amore in una frase concisa, come in I want my time with You (2018), un neon di venti metri di larghezza che accoglie i passeggeri della stazione londinese di St Pancras. Parte fondamentale della sua pratica dagli anni '90, i neon evocano le luci del lungomare di Margate, con un senso di crepuscolo e di glamour sbiadito. Il suo luogo di nascita è un soggetto costante e riemerge nelle sculture di grandi dimensioni, dove il legno recuperato e i materiali trovati vengono assemblati in strutture frastagliate che alludono alla spiaggia, al molo, alle capanne e ai segnali di marea. Il famoso parco a tema di Margate, "Dreamland", è citato in diverse opere, tra cui Self-Portrait (2001), che ricrea l'inferno del parco divertimenti, e It's Not the Way I want to Die (2005), che ricorda le montagne russe ondulate in legno sgangherato e consumato, fragile fino al punto di crollare. Margate è "parte di me", dice Emin, e mentre guarda al passato guarda ora al futuro con la creazione di TKE Studio, una nuova scuola d'arte e studi di artisti.
Le questioni della mortalità e della centralità del corpo riproduttivo femminile guidano La Madre (2021), una delle sculture pubbliche più significative di Emin. Situato in modo permanente accanto al nuovo Museo Munch di Oslo, segna la morte di sua madre e chiude il cerchio della sua ammirazione per Munch. Quindici tonnellate di bronzo per nove metri di altezza, questa donna con "le gambe aperte verso il fiordo" è visibile da lontano sulla terra e sull'acqua, un monumento alla figura femminile come protettrice senza compromettere la sua vulnerabilità o il suo erotismo. Al contrario, Baby Things, l'accurata rappresentazione in bronzo delle piccole scarpe e dei vestiti smarriti dei bambini, è stata installata quasi per caso all'esterno del Padiglione Britannico della Biennale di Venezia (2007) e della Triennale di Folkestone (2008).
Di recente, il lavoro di Emin è stato caricato dalla gravità della sua situazione medica, dato che nel 2020 le è stato diagnosticato un cancro alla vescica. Gli autoritratti scattati con la fotocamera a letto vedono l'artista alle prese con la sua insonnia "paralizzante" nelle ore piccole e durante la convalescenza da un lungo intervento chirurgico. I suoi dipinti della figura nuda hanno un'energia tempestosa. La linea grafica di Emin, a volte delicata o vigorosa, trasmette un senso di urgenza; con ogni gesto abbandonato e assertivo, si sta scorticando. Gocce e cancellazioni indicano la fluidità del corpo, che oscilla tra gioia e sofferenza nel suo viaggio tra la nascita e la morte. Le esplosioni di colore alludono a un io che viene sopraffatto dal sentimento e che trionfa nella pura sensualità.
Tracey Emin è nata nel 1963 a Londra. Attualmente vive e lavora tra Londra, il sud della Francia e Margate, nel Regno Unito. Emin ha esposto ampiamente, tra cui mostre importanti alla Royal Academy of Arts, Londra (2020); Musée d'Orsay, Parigi (2019); Château La Coste, Aix-en-Provence, Francia (2017); Leopold Museum, Vienna (2015); Museum of Contemporary Art, Miami (2013); Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012); Turner Contemporary, Margate, Regno Unito (2012); Hayward Gallery, Londra (2011); Kunstmuseum Bern (2009); Scottish National Gallery of Modern Art, Edimburgo (2008); Centro de Arte Contemporáneo, Malaga, Spagna (2008); Art Gallery of New South Wales, Sydney (2003); Stedelijk Museum, Amsterdam (2002).
Nel 2007 Emin ha rappresentato la Gran Bretagna alla 52° Biennale di Venezia e la sua installazione My Bed è stata inclusa nelle mostre "In Focus" alla TATE Britain con Francis Bacon (2015), alla Tate Liverpool con William Blake e anche alla Turner Contemporary, Margate insieme a William Turner (2017). Nel 2011, Emin è stata nominata professoressa di disegno alla Royal Academy of Arts di Londra e nel 2012 è stata nominata Commendatore dell'Eccellentissimo Ordine dell'Impero Britannico per il suo contributo alle arti visive.
Per gentile concessione di Whiting Cube
Informazioni su Louise Bourgeois:
Nata in Francia nel 1911 e attiva in America dal 1938 fino alla sua morte nel 2010, Louise Bourgeois è riconosciuta come una delle artiste più importanti e influenti del XX secolo. Per oltre sette decenni, il processo creativo della Bourgeois è stato alimentato da una realtà introspettiva, spesso radicata nella rivisitazione catartica dei traumi della prima infanzia e nell'esame sincero della sessualità femminile. Articolata da motivi ricorrenti (tra cui parti del corpo, case e ragni), simbolismo personale e liberazione psicologica, la complessità concettuale e stilistica dell'opera di Bourgeois - che impiega una varietà di generi, media e materiali - gioca sui poteri di associazione, memoria, fantasia e paura.
Il lavoro della Bourgeois è inestricabilmente legato alla sua vita e alle sue esperienze: scandagliare le profondità dell'emozione e della psicologia attraverso piani di espressione bidimensionali e tridimensionali. L'arte", come ha detto una volta in un'intervista, "è l'esperienza, la ri-esperienza di un trauma". Nascendo da processi di concettualizzazione distinti e altamente individualizzati, la molteplicità di forme e materiali di Bourgeois mette in atto un gioco perpetuo: allo stesso tempo incorpora ed evoca le emozioni, per poi dissiparle e disperderne la presa psicologica. Utilizzando motivi, colori drammatici, fitte matasse di filo e una grande varietà di mezzi di comunicazione, il codice simbolico distintivo di Bourgeois racchiude le complessità dell'esperienza umana e dell'introspezione individuale.
Piuttosto che perseguire preoccupazioni formaliste fini a se stesse, la Bourgeois si sforzò di trovare i mezzi più appropriati per esprimere le sue idee ed emozioni, combinando una vasta gamma di materiali - Variously, tessuto, gesso, lattice, marmo e bronzo - con un repertorio infinito di oggetti trovati. Sebbene la sua opera attraversi i regni della pittura, del disegno, della stampa e della performance, la Bourgeois è conosciuta soprattutto per il suo lavoro di scultura.
Le prime opere di Bourgeois includono i suoi distinti "Personaggi" della fine degli anni '40 e dell'inizio degli anni '50; una serie di sculture libere che fanno riferimento alla figura umana e a varie strutture urbane, compresi i grattacieli. I "Personaggi" servivano come surrogati fisici degli amici e della famiglia che la Bourgeois si era lasciata alle spalle in Francia, evidenziando al contempo un interesse per l'architettura che risale alla sua infanzia. La sua installazione di queste sculture come "ambienti" raggruppati nel 1949 e nel 1950 prefigurava gli incontri immersivi dell'arte installativa vent'anni prima dell'ascesa del genere alla ribalta.
Il lavoro di Bourgeois è stato incluso nella mostra fondamentale "Eccentric Abstraction", curata da Lucy Lippard per la Fischbach Gallery di New York nel 1966. Seguirono importanti scoperte sulla scena internazionale con la retrospettiva del 1982 del Museum of Modern Art di New York, la partecipazione della Bourgeois a Documenta IX nel 1992 e la rappresentanza degli Stati Uniti alla 45esima Biennale di Venezia nel 1993.
Nel 2001, Bourgeois è stato il primo artista a cui è stato commissionato di riempire la cavernosa Turbine Hall della TATE Modern. La retrospettiva del 2007 della TATE Modern dedicata alle sue opere, che successivamente ha raggiunto il Centre Pompidou di Parigi, il Guggenheim Museum di New York, il Museum of Contemporary Art di Los Angeles e l'Hirshhorn Museum & Sculpture Garden di Washington D.C., ha cementato la sua eredità come grande dama del tardo modernismo.
- Per gentile concessione di Hauser & Wirth
- Creatore:Louise Bourgeois & Tracey Emin
- Anno di creazione:2010
- Dimensioni:Altezza: 36,2 cm (14,25 in)Larghezza: 31,12 cm (12,25 in)Profondità: 1,27 cm (0,5 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:
- Località della galleria:New York, NY
- Numero di riferimento:1stDibs: LU1745213546192
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5,0
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