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Ritratto di donna in abito verde e gioielli di perle c.1660 Dipinto John Wright

1660 circa

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Informazioni sull’articolo

In questa splendida opera, dipinta all'incirca all'epoca del Grande Incendio di Londra del 1666, una bella donna giovane indossa un abito verde sopra una chemise bianca e una sciarpa color ruggine legata intorno al seno. In primo piano c'è l'accessorio per eccellenza: le perle, un accessorio obbligatorio nell'abbigliamento femminile nei ritratti almeno dal 1630. In questo caso, vengono utilizzati tra i capelli e come un unico filo intorno al collo. Sebbene la modella potesse permettersi delle perle proprie, queste erano anche oggetti di scena comuni negli studi degli artisti. L'abbigliamento e l'acconciatura aiutano a collocare il ritratto cronologicamente tra gli anni 1660 e 1670, quando entrambi erano di moda. Il finto cartiglio in pietra con fogliame d'acanto che circonda il personaggio era un motivo popolare in questo periodo e fu utilizzato da un gran numero di artisti in Inghilterra. L'opera è un ottimo esempio di ritratto barocco inglese e illustra l'eccezionale abilità del pittore, la personalizzazione dei volti e il realismo unico, in particolare nel trattamento del viso e dei morbidi riccioli dei capelli che sono definiti con leggerezza e destrezza. Wright aveva acquisito una notevole reputazione come artista e fu pittore alla corte inglese; oggi è riconosciuto come uno dei principali pittori indigeni britannici della sua generazione. John Michael Wright è stato uno dei pochi pittori nativi del luogo a trovare il favore delle alte sfere della società. An He introdusse un sapore italiano nella pittura britannica, a differenza di tutti gli altri ritrattisti della seconda metà del secolo. Le sue caratterizzazioni realistiche tendono a rafforzare la critica di Pepy, secondo cui i ritratti di Lely erano "buoni ma non simili" e, nel 1662, confrontando i due artisti "ma Signore, la differenza che c'è tra le loro due opere". Nacque a Londra e si formò inizialmente a Edimburgo sotto l'apprendistato di George Jameson, un pittore di notevole fama il cui lavoro era paragonabile a quello dei suoi contemporanei inglesi a Londra. All'inizio del 1640 si recò a Roma e si immerse nello studio di alcuni dei più illustri pittori dell'epoca. Nel 1648 divenne membro dell'Accademia di San Luca, unendosi ad altri artisti di spicco come Poussin e Velasquez. Tornò a Londra nel 1656 e due anni dopo una pubblicazione lo riconobbe come uno dei principali artisti inglesi. L'individualità distintiva di Wright e il suo successo come artista possono essere attribuiti, in parte, al suo variegato background artistico e alla sua formazione. Nel corso di oltre un decennio trascorso a Roma, insieme alla pratica pittorica in Francia e presumibilmente nei Paesi Bassi, Wright accumulò un'esperienza che superava quella di qualsiasi altro pittore britannico della seconda metà del XVII secolo. Questa vasta esperienza conferisce una qualità internazionale alle sue opere. La maggior parte dei suoi soggetti non si conforma ad alcun archetipo facciale prevalente; al contrario, possiedono tratti unici e abilmente personalizzati, in netto contrasto con le rappresentazioni convenzionali di Lely della bellezza femminile. Inoltre, la tavolozza dei colori di Wright, caratterizzata da toni freddi e tenui, è molto diversa dalle tonalità tipicamente più calde di Lely. Le donne ritratte nei suoi ritratti, che erano principalmente al di fuori dei circoli di corte, incarnano un comportamento femminile più tradizionale, caratterizzato da una modestia tranquilla e sottomessa. Misure: Altezza 100cm, Larghezza 85cm, Profondità 8cm incorniciato (Altezza 39.5", Larghezza 33.5", 3" incorniciato)
  • Attribuito a:
    John Michael Wright (1617 - 1694, Britannico)
  • Anno di creazione:
    1660 circa
  • Dimensioni:
    Altezza: 100 cm (39,38 in)Larghezza: 85 cm (33,47 in)Profondità: 8 cm (3,15 in)
  • Tecnica:
  • Movimento e stile:
  • Periodo:
  • Condizioni:
    Le condizioni sono ottime e può essere appeso e utilizzato immediatamente. Il dipinto è stato sottoposto a una rigorosa valutazione delle condizioni da parte di un conservatore professionista prima di essere messo in vendita.
  • Località della galleria:
    London, GB
  • Numero di riferimento:
    1stDibs: LU1199115931042

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Il Secolo d'Oro olandese della pittura è stato un periodo della storia olandese, che si estende all'incirca fino al XVII secolo, in cui il commercio, la scienza, l'esercito e l'arte olandesi erano tra i più acclamati al mondo. Gli esploratori olandesi tracciarono nuovi territori e si stabilirono all'estero. Il commercio della Compagnia Olandese delle Indie Orientali prosperò e gli eroi delle battaglie navali furono decorati e divennero eroi nazionali. In questo periodo, gli Antichi Maestri olandesi iniziarono a prevalere nel mondo dell'arte, creando una profondità di ritratti realistici delle persone e della vita della zona che difficilmente è stata superata. I pittori del Secolo d'Oro ritraevano le scene che i loro esigenti mecenati volevano vedere. Questa nuova ricchezza derivante dalle attività mercantili e dall'esplorazione, unita alla mancanza di mecenatismo ecclesiastico, spostò i soggetti artistici dai generi biblici. L'abito era una componente fondamentale nei ritratti e l'abbigliamento esuberante ribadisce l'incredibile ricchezza di questa donna. L'autore avrà visitato l'atelier dell'artista e avrà visionato gli esempi esposti. Avrebbero scelto le dimensioni e il tipo di composizione e su questa base avrebbero negoziato il prezzo, che sarebbe stato determinato anche dalla complessità degli abiti e dei gioielli che dovevano essere raffigurati e dai materiali da utilizzare. A conti fatti, questo ritratto sarebbe costato alla donna (o a suo marito) una somma considerevole. Il colore nero era considerato umile e devoto ma allo stesso tempo raffinato e sofisticato e il colore di tessuto più costoso da tingere e da mantenere. I cittadini spendevano fortune per acquistare bellissimi abiti neri. Tale uniformità deve aver avuto anche un effetto collaterale psicologico e ha contribuito a creare un senso di coesione della classe media; il nero collettivo della classe borghese benestante avrà dato ai suoi membri un senso di solidarietà. Il colore è sempre stato un elemento stimolante per gli artisti e quando questo ritratto fu dipinto ne esistevano almeno cinquanta sfumature e altrettanti tessuti e accessori diversi. Gli artisti si sono impegnati a fondo per raffigurare le sottili sfumature di colore, i tessuti e le trame e il modo in cui riflettevano la luce; si trattava di uno sfondo ideale per accostare l'oro e i pizzi bianchi e nitidi con un effetto drammatico. Il personaggio è una donna sposata o vedova, come è evidente dall'abbigliamento che indossa e dalla posizione, alla sua destra; è molto probabile che questo ritratto fosse un pendente appeso al lato destro del ritratto del marito, come era consuetudine all'epoca. Indossa un vlieger, un tipo di abito o mantello senza maniche indossato dalle donne sposate e benestanti tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo. Sono note le varianti con maniche corte o spalle alte. A volte le maniche venivano fissate con degli occhielli e spesso venivano praticate delle fessure per far passare le cinture o le mani. Questo tipo di costume a tre pezzi era un capo d'abbigliamento standard nei ritratti delle donne dell'élite civica nel periodo 1600-40. Si trattava di una variante della "ropa" spagnola e serviva come marchio di fabbrica delle donne borghesi sposate e benestanti. Le ragazze e le donne non sposate, comprese le beghine, indossavano invece un bouwen (un abito con un corpetto aderente e una gonna chiusa tutt'intorno). 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