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59" x 73,5" Edizione di 5
La cruda immediatezza e l'esperienza vissuta nello scattare una fotografia contano per me tanto quanto il modo in cui compongo l'inquadratura. È il mio legame personale con questi luoghi e l'intrigo emotivo o intellettuale che mi prende durante il processo che spero risuoni nella stampa. Cerco di catturare lo stato d'animo e la promessa, il silenzio e la solitudine di quel lungo momento di consapevolezza. Nella mia precedente attività di architetto e ora nella mia carriera di fotografo, sono affascinato dall'opportunità di investire simboli e narrazioni nella forma costruita o di vedere la metafora in uno spazio materiale. Ho un interesse costante per le soglie e gli spazi liminari, luoghi che sembrano in qualche modo un ponte tra il concreto e l'effimero, elevati al di sopra del tempo, consacrati. Il sublime risiede anche in uno spazio ordinario. E sebbene le meravigliose capacità del processo digitale permettano di imprimere in un'immagine uno straordinario livello di chiarezza, dettaglio e sensualità, mi piace
Nel 1858, Gaspard-Felix Tournachon - conosciuto con il nome di "Nadar" - montò una macchina fotografica a lastre umide su un pallone gigante alimentato a gas, diventando il primo a fare fotografie aeree. Jules Verne definì Nadar "un Icaro con ali sostituibili". Come nell'epoca classica, lo spirito dell'epoca era ancora una volta animato dal potenziale dell'altezza. Ma il noto caricaturista Honore Daumier - tipicamente il più incisivo cronista sociale del secolo - dubitava che ci fosse qualcosa di esteticamente vantaggioso da una prospettiva così elevata. La famosa litografia satirica di Daumier, Nadar che eleva la fotografia all'altezza dell'arte, era intesa come una presa in giro della pretesa artistica della fotografia aerea e come un avvertimento contro il suo scopo di sorveglianza. La stampa di Daumier mostra Nadar che si erge sopra Parigi con la sua macchina fotografica puntata verso il basso e ogni edificio sottostante contrassegnato dalla parola "PHOTOGRAPHIE". Già si pensava che l'utilità della visione panottica fosse superiore al suo fascino sublime o all'opportunità trascendentale. Questa tensione tra scopo utilitario e ispirazione artistica è la forza inaspettatamente irresistibile dell'ipnotica serie di astrazioni aeree di David Burdeny, intitolata Salt. Le sue fotografie di grande formato e luminosamente intriganti delle saline occupano la vaga zona di confine tra il prosaico e il poetico. Nella nostra epoca iperconnessa di GPS, mappe di Google e informazioni istantanee, la reazione istintiva a queste scene potrebbe essere innanzitutto quella di determinare il dove e il perché di esse - la loro posizione a livello del suolo o il fatto biologico/ambientale. Per vedere prima le strade di servizio e i fossi di drenaggio o per capire come l'equilibrio chimico degli stagni salati crei queste particolari fioriture di colore. Queste letture servono a radicare la visione nel luogo comune e nell'ordine stabilito - il qui e ora - e a sminuire la sublimità dell'esperienza aerea. Ma le fotografie di Sale di Burdeny vogliono essere più evocative ed esaltanti che pedestri. Fin dall'inizio della sua carriera di fotografo d'arte - certamente aiutata dalla sua precedente pratica architettonica - Burdeny ha sempre avuto un abile apprezzamento per il potenziale artistico dello spazio puro e per il modo in cui può essere strutturato in modo mirato per attrarre i sensi. An He è diventato un
maestro del momento fotografico realizzato al servizio di una sensibilità sublime. I suoi primi lavori in bianco e nero a lunga esposizione creavano una monumentalità minimalista da paesaggi spogli che sembravano privatamente spirituali e sembravano esistere al di fuori del tempo. E la forza impressionante degli iceberg nella sua serie Nord/Sud crepitava con una maestosità terrificante simile a quella che i poeti e gli artisti romantici del diciannovesimo secolo consideravano. Persino i docenti seduti da soli e con attenzione all'Hermitage nella recente serie Bright Future di Burdeny sembrano essere consapevoli del profondo privilegio della percezione sensuale. Ciò che Salt aggiunge a questa conversazione è l'uso astuto dell'eredità artistica e del sublime intrigo dell'arte astratta per approfondire l'interesse di Burdeny per gli spazi liminari. Grazie all'uso di forme amorfe, campi di colore allungati e linee verticali, frastagliate e sinuose, le immagini di Burdeny ricordano l'espressività pittorica di Rothko, Still, Newman, Diebenkorn e dell'ultimo Willem de Kooning. L'effetto non è tanto intenzionale quanto disponibile: la riorganizzazione astratta del paesaggio visivo da parte del modernismo (che ha preso il via essenzialmente nella Parigi prebellica con Robert Delaunay e le sue scene aeree della Torre Eiffel) permette una lettura non oggettiva di queste composizioni. Ma perché preoccuparsi? Cosa ci guadagniamo a vedere il paesaggio come un'esperienza non oggettiva o il colore come uno "strumento" (come lo definiva Rothko) per esplorare le emozioni del subconscio? Nel suo saggio del 1948, The Sublime is Now, Barnett Newman ha fornito la risposta essenziale: "l'immagine che produciamo è quella evidente della rivelazione". E questo potere di rivelazione personale rimane una preoccupazione attiva nell'arte contemporanea. Una recente indagine triennale condotta dalla Tate ha rivelato quanto sia attivo il campo degli artisti che presentano nuovi modi di considerare il sublime e il potenziale di "trascendenza immanente,... un'esperienza trasformativa". Con la serie Salt di Burdeny, una volta lasciata andare la mappa, si coglie l'opportunità dell'opera. Poi l'immensità del panorama, la forza espressiva della luce e del colore e le complesse sensazioni di solitudine e liberazione prendono il sopravvento, prendono il volo. Burdeny riesce a rendere in forma visiva l'ineffabile esperienza di andare alla deriva, di fluttuare al di sopra di tutto, di perdersi al di là dell'ordine umano delle cose (un'idea intelligente visto come l'uomo ha definitivamente ordinato questi campi di sale funzionanti). In alcune immagini - come Saltern Study 15 - c'è il senso del potenziale trasfigurativo dell'espansione, un desiderio di infinito. Mentre Red Water, Hut Lagoon rivela l'impressionante bellezza dell'abisso come un calderone rosso. Nel loro splendore astratto, le immagini di Burdeny fanno leva sulla psiche e hanno una potente forza emotiva.
La leggenda di Icaro viene spesso raccontata come una parabola di arroganza sconfitta, ma può essere letta anche come un testo di trasformazione, come il trionfo, per quanto temporaneo, dell'emozione sulla ragione. Una volta in volo, in alto e lontano dall'ordine regolare della vita, Icaro provò l'euforia e l'estasi di una prospettiva alterata. Sebbene la tradizione culturale ricordi debitamente che Icaro è tornato sulla terra, forse dovremmo sottolineare maggiormente quanto deve essere stato straordinario mentre era lassù. Fortunatamente, Burdeny ha usato la sua macchina fotografica per testimoniare la continua risonanza di queste rivelazioni trascendentali.
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- Creatore:David Burdeny (1968, Canadese)
- Dimensioni:Altezza: 53,34 cm (21 in)Larghezza: 66,04 cm (26 in)
- Più edizioni e dimensioni:32” x 40" Edition of 7Prezzo: 6.600 USD44” x 55” Edition of 10Prezzo: 8.000 USD59” x 73.5” Edition of 5Prezzo: 17.000 USD
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:
- Località della galleria:Greenwich, CT
- Numero di riferimento:1stDibs: LU25115892242
David Burdeny
David Burdeny (nato nel 1968. Winnipeg, Canada) si è laureato con un master in Architettura e Interior Design e ha trascorso la prima parte della sua carriera esercitando la professione prima di affermarsi come fotografo. Burdeny traduce il suo intimo apprezzamento per la struttura, i dettagli e il valore metaforico dello spazio in osservazioni sublimi su come il mondo contemporaneo sia ancora gravido di mistero e potenzialità. I suoi primi lavori di immagini in bianco e nero di formato quadrato rendevano lo spazio in termini crudi ed elementari. I paesaggi spogli sembrano modellati per servire come spazi liminali, come soglie, portali e punti di partenza che conducono lo spettatore a una complessa intimità con la forza espressiva della consapevolezza empirica. Nelle serie successive, Burdeny ha esplorato scene d'interni sia opulente che austere che sfruttano al massimo la sensualità del colore. Sia che si concentrino su spazi ordinari o su ambientazioni iconiche, le fotografie di Burdeny occupano una terra di mezzo artistica tra il fisico e l'atmosferico, il concreto e lo spirituale, l'attuale e l'idealizzato. Burdeny ha esposto le sue serie fotografiche in numerose mostre personali e collettive in Canada, negli Stati Uniti e in Europa. David Burdeny vive a Delta, B.C. e lavora nel suo studio di Vancouver.
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