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Stefanie Schneider
Max in Pool - Contemporaneo, Paesaggio, Figurativo, scaduto, Polaroid, analogico
1999

Name: Max in Pool - Contemporaneo, Paesaggio, Figurativo, scaduto, Polaroid, analogico
Brand: Stefanie Schneider
Price: 2510.46 AUD
Availability: InStock
Rating: 4.9 (36 reviews)

Informazioni sull’articolo

Max in piscina (29 Palms, CA) - 1999 Edizione 3/10, 48x46cm, Stampa analogica a C, stampata a mano dall'artista su carta Fuji Crystal Archive, basata su una Polaroid. Etichetta e certificato di firma. Numero d'inventario dell'artista 612. Non montato. Stefanie Schneider: Uno sguardo tedesco sull'Ovest americano Le opere di Stefanie Schneider evocano l'ossessione di Ed Ruscha per l'esperienza americana, la ricchezza dei deserti di Georgia O'Keefe e la solitudine dei dipinti ossessionanti di Edward Hopper. Ma come ha fatto questo fotografo tedesco a diventare uno degli artisti più importanti della narrativa americana del XX e XXI secolo? Nata in Germania nel 1968, la fotografa Schneider ha diviso il suo tempo tra Berlino e Los Angeles dagli anni '90 fino a quando si è stabilita definitivamente dove il suo processo inizia nell'Ovest americano, in luoghi come le piane e i deserti della California meridionale, dove fotografa i suoi soggetti. A Berlino, Schneider ha sviluppato e ingrandito le sue opere a mano. Il tema della conservazione e del deterioramento è un elemento centrale dell'opera di Schneider. In un'intervista rilasciata ad Artnet nell'ottobre 2014, l'artista ha spiegato come le proprie esperienze di dolore e perdita la ispirino. il mio lavoro assomiglia alla mia vita: L'amore, perso e non corrisposto, lascia il segno nelle nostre vite come un dolore insensato che non ha posto nel presente" ''L'ex amante vive i residui dell'amore come un amputato vive la sensazione di un arto fantasma'' - Stefanie Schneider I soggetti di Schneider sono spesso ritratti in ambientazioni apocalittiche: pianure desertiche, parcheggi per roulotte, campi petroliferi, motel fatiscenti e spiagge vuote, soli o, se non lo sono, non collegati tra loro. è l'esperienza tangibile dell'assenza che ha ispirato il mio lavoro", ha spiegato Schneider. Barnebys, 3 maggio 2017 Stefanie Schneider intervistata dal regista olandese Willem Baptist Quando ha deciso di lavorare con le Polaroid? Perché le Polaroid sembrano essere così ben sintonizzate con i nostri sensi, la nostra percezione e la nostra mente (artistica)? Ho iniziato a usare pellicole Polaroid scadute nel 1996. Ha la qualità più bella e racchiude perfettamente la mia visione. I colori da un lato, ma poi il momento magico di assistere alla comparsa dell'immagine. Il tempo sembra essersi fermato e l'atto di osservare lo sviluppo dell'immagine può essere condiviso con le persone intorno a voi. Cattura un momento, che diventa passato così istantaneamente che il decadimento del tempo è ancora più evidente; - conferisce all'immagine un certo sentimentalismo. Il momento Polaroid è sempre originale. Un artefatto. Perché utilizzare un mezzo del passato? Per me l'analogico è sempre stato presente nel presente. Per la nuova generazione, l'analogico è interessante perché è nuovo per loro. Capisco che le persone cresciute nell'era digitale si interrogheranno sulla sua utilità, ma sono loro a poterla recuperare se vogliono. Quando ho iniziato a lavorare con Polaroid, non era il passato. Era un mezzo parzialmente dimenticato, ma esisteva comunque. È mia per scelta, perché non esiste un sostituto alla bellezza tangibile. È imperfetto? La perfezione imperfetta in un modo "wabi-sabi". Il wabi-sabi (侘寂) rappresenta una visione globale del mondo o un'estetica giapponese incentrata sull'accettazione della transitorietà e dell'imperfezione. L'estetica è talvolta descritta come una bellezza imperfetta, impermanente e incompleta. se un oggetto o un'espressione è in grado di suscitare in noi un senso di serena malinconia e un desiderio spirituale, allora si può dire che quell'oggetto è wabi-sabi". il wabi-sabi nutre tutto ciò che è autentico riconoscendo tre semplici realtà: nulla dura, nulla è finito e nulla è perfetto" La fotografia Polaroid è riconoscibile o addirittura talvolta un cliché? Assolutamente! C'è qualcosa di scontato nel modo in cui mostro il Sogno Americano. Lo vivo io stesso, cercando di trovare la perfezione in un mondo imperfetto. Raggiungere l'orizzonte. Il sogno si infrange, il cliché crolla. Ci sono diversi modi per coinvolgere il pubblico. Si potrebbero fare film come "Gummo" di Harmony Korine, un capolavoro a mio avviso, ma che probabilmente allontanerebbe gran parte del pubblico. Una certa formazione cinematografica è un prerequisito. Oppure si può iniziare con dei cliché, il pubblico si sente al sicuro e questo lo attira nella profondità del vostro mondo senza che se ne renda conto o che capisca esattamente dove lo si sta conducendo. Fare appello alle emozioni e al subconscio. Normale, cambiamento, nuova normalità. Nel suo lavoro lei rivisita continuamente il paesaggio dell'Ovest americano. Cosa la attira di nuovo in questa scena? La California del Sud rappresenta per me un sogno. Il contrasto tra il nord della Germania, dove sono cresciuta, e il sole infinito di Los Angeles è stato il primo ad attrarmi. Il West americano è il mio sogno d'elezione. Gli spazi ampi e aperti offrono prospettive che articolano emozioni e desideri. L'isolamento alimenta sentimenti di libertà o, a volte, la riflessione sul proprio passato. L'High Desert di 29 Palms ha una luce molto chiara e vivida, che è fondamentale. La pellicola Polaroid scaduta produce "imperfezioni" che, a mio avviso, rispecchiano il declino del sogno americano. Queste cosiddette "imperfezioni" illustrano la realtà di quel sogno che si trasforma in un incubo. La disintegrazione della società occidentale. State giocando con la temporalità del materiale e il valore del momento stesso? Il valore del momento è fondamentale, perché è quel momento che state cercando di trasformare. Tutto il materiale è temporaneo, è relativo, e il tempo è per sempre. Perché la pellicola analogica è più pura e intuitiva? È tangibile e luminoso e rappresenta un singolo momento. Il momento digitale può rimanere nella scatola (il disco rigido, la fotocamera, il computer, ecc.) per sempre, per non essere mai toccato, né inserito in un album fotografico, né inviato in una lettera, né appeso a una parete. La stampa lo rende un traguardo. Il mondo analogico è più selettivo perché è reale. Il cinema è una scelta. Il clic digitale mondiale distrugge questo momento. La generazione senza memoria a causa del sovraccarico di informazioni e dei guasti al disco rigido. Gli album fotografici appartengono al passato. Perché ci si sente così? È così che funziona l'istinto umano. Quando ero bambino, ogni foto scattata era un momento speciale. La pellicola fotografica analogica e il materiale Super-8 erano tesori costosi. I ricordi della mia famiglia sono stati creati scegliendo alcuni momenti nel tempo. C'era uno sforzo dietro l'immagine. Il rullino poteva aspettare mesi all'interno della macchina fotografica prima di essere utilizzato tutto. Da lì, la pellicola doveva essere sviluppata, il che richiedeva più tempo, e infine, quando le foto venivano ritirate dal negozio, i ricordi venivano visitati di nuovo insieme come una famiglia. Chi sapeva allora quanto fossero fugaci questi tempi. La condivisione dei ricordi era un rituale. Qual è la sua filosofia dietro l'arte della Polaroid? L'"obsoleto" è tutt'altro che obsoleto. Le cose non sono sempre come appaiono e ci sono messaggi nascosti. I nostri ricordi e i nostri sogni sono sottovalutati. È lì che inizia il vero apprendimento e la comprensione, aprendosi a prospettive diverse. Chi siamo e da dove veniamo è importante. Una Polaroid è una testimonianza della nostra esistenza. Ma il nostro tempo si sta esaurendo velocemente. Cosa l'ha ispirata a utilizzare la cinematografia in stop motion? Il mio lavoro ha sempre assomigliato a fotogrammi di film. Ricordo la prima volta che ho portato una scatola di Polaroid e le ho fatte scivolare sulla scrivania di Susanne Vielmetter (la mia prima galleria). Immediatamente è emerso che c'era una storia da raccontare. Le storie sono cresciute. Per me era innegabile che la storia emergente fosse il luogo in cui ero destinato ad andare. Ho realizzato quattro cortometraggi prima del mio ultimo lungometraggio, The Girl behind the White Picket Fence. Il film dura 60 minuti con oltre 4000 polaroid montate. Ricordate che il nostro subconscio riempie gli spazi vuoti, le parti mancanti della storia tra i fotogrammi della fotografia permettono un'esperienza più profonda e personale per lo spettatore. Questo se vi abbandonate e vi fidate di me come regista, che vi condurrò in un luogo dove forse non siete mai stati prima. Perché pensa che sia importante possedere un'opera d'arte? abbiamo l'arte per non morire di verità Nietzsche

Creatore:
Stefanie Schneider (1968, Tedesco)
Anno di creazione:
1999
Dimensioni:
Altezza: 48 cm (18,9 in)Larghezza: 46 cm (18,12 in)Profondità: 3 mm (0,12 in)
Tecnica:
Carta per archivio,Carta fotografica,C Print,Polaroid
Movimento e stile:
Contemporaneo
Periodo:
2000-2009
Condizioni:
Località della galleria:
Morongo Valley, CA
Numero di riferimento:
1stDibs: LU65238243822

Stefanie Schneider
Il sogno di Renée - I ragazzi (Days of Heaven) - Paesaggio, cavallo, ragazzi, 2006

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Categoria

Anni 2010, Contemporaneo, Fotografia a colori

Materiali

Carta per archivio, C Print

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Massimo Listri, Biblioteca Laurenziana II, Firenze, Italia, 2016

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Stefanie SchneiderMax in Pool - Contemporaneo, Paesaggio, Figurativo, scaduto, Polaroid, analogico1999

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