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Brice MardenPoster dello studio di Brice Marden (firmato a mano da Brice Marden) Foto di Nan Goldin1996
1996
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Studio A di Brice Marden
Poster in litografia offset (firmato a mano da Brice Marden nel 2015)
Questa stampa è stata pubblicata in occasione della mostra di Brice Marden del 1996 presso la Matthew Marks Gallery di Chelsea, New York. L'immagine si basa sulla fotografia di Nan Goldin del 1995 che ritrae Marden al lavoro nel suo studio. La stampa è stata firmata da Brice Marden per l'attuale proprietario.
Un oggetto da collezione se firmato a mano!
Informazioni su Brice Marden:
In definitiva sto usando il dipinto come una cassa di risonanza per lo spirito. . . . Puoi dipingere ed entrare in un luogo dove i pensieri si fermano, dove puoi semplicemente essere e il risultato viene fuori. . . . La presento come una situazione aperta piuttosto che chiusa.
-Brice Marden
Brice Marden (1938-2023) ha continuamente perfezionato ed esteso le tradizioni dell'astrazione lirica. Sperimentando con regole, limiti e processi autoimposti e traendo ispirazione dai suoi ampi viaggi, Marden ha unito le formulazioni diagrammatiche del Minimalismo, l'immediatezza dell'Espressionismo astratto e il gesto intuitivo della calligrafia nella sua esplorazione del gesto, della linea e del colore.
Nato a Bronxville, New York, Marden ha conseguito un MFA presso la School of Art and Architecture dell'Università di Yale, dove tra i suoi insegnanti figuravano i pittori Alex Katz e Jon Schueler. Dopo la laurea ha lavorato come guardia al Museo Ebraico di New York. In quell'occasione, durante una retrospettiva su Jasper Johns del 1964, Marden studiò a fondo le prime opere di Johns e le considerò in relazione ai maestri barocchi che ammirava da tempo, come Francisco de Zurbarán, Francisco Goya e Diego Velázquez. I dipinti di Marden degli anni '60 includono sottili e scintillanti monocromi nei toni del grigio, a volte assemblati in opere a più pannelli, in modo simile ai dipinti neri e ai White Paintings di Robert Rauschenberg, che assunse Marden come assistente di studio nel 1966.
Un viaggio in Grecia all'inizio degli anni '70 portò Marden a creare i dipinti Hydra (1972), che catturano le tonalità turchesi del Mediterraneo, e Thira (1979-80), un dipinto composto da diciotto pannelli interconnessi ispirati alle ombre e alla geometria degli antichi templi. Per aumentare l'effetto di ogni colore, piano e pennellata, Marden sviluppò il processo unico di aggiungere cera d'api e trementina alla pittura a olio e di applicare la miscela in molti strati sottili. Marden ha utilizzato questa tecnica per i dipinti del Grove Group (1972-76) - esposti alla galleria Madison Avenue di Gagosian a New York nel 1991, insieme a opere correlate - e per i dipinti Red Yellow Blue (1973-74) - cinque permutazioni del trio primario - che sono stati riuniti per la prima volta dalla loro realizzazione presso Gagosian, 980 Madison Avenue, New York, nel 2013.
Negli anni '80 Marden iniziò a incorporare linee organiche e intersecanti, creando motivi ritmici su campi di colore. Esplorando queste linee sinuose, ha sperimentato lo spazio bianco, la cancellazione e i riferimenti al mondo naturale. Anek cercava di creare un'esperienza mistica attraverso la creazione di spazi astratti e sfuggenti. Poiché i suoi temi e le sue tecniche si sono sovrapposti, Marden li ha riuniti in opere coese, spesso composte da più parti, che ha descritto come i suoi "dipinti riassuntivi". Tra questi c'è The Propitious Garden of Plane Image, Third Version (2000-06), conservato nella collezione del Museum of Modern Art di New York, dove nel 2006 è stata organizzata la sua prima retrospettiva completa.
Negli ultimi anni Marden continuò a esplorare le qualità del monocromo. Questo impegno con i colori tenui ha informato i suoi disegni calligrafici e le opere su tela, come i dipinti di Nevis Steele (2007-15), ispirati alle sculture in pietra cinesi della fine dell'ottavo secolo. Nel 2017 ha rivolto il suo sguardo alle possibilità espansive della terre verte (terra verde), un pigmento argilloso a base di silicato di ferro, che ha utilizzato per la prima volta nel Gruppo Grove. Questi dipinti incorporano molte marche diverse di terre verte, ognuna delle quali rappresenta una variazione di questa tonalità indefinibile. Marden diluì la sua pittura a lenta essiccazione e la applicò gradualmente sulla tela in molti strati successivi, lasciando un residuo visibile del processo di pittura sul bordo inferiore di ogni tela.
Per gentile concessione di Gagosian Gallery
Informazioni su Nan Goldin:
La macchina fotografica fa parte della mia vita quotidiana tanto quanto parlare, mangiare o fare sesso.
-Nan Goldin
Nascendo dalla vita e dalle relazioni dell'artista e includendo se stessa come soggetto, il lavoro di Nan Goldin ha trasformato il ruolo della fotografia nell'arte contemporanea. Le sue fotografie e le sue opere in movimento affrontano temi essenziali come l'identità, l'amore, la sessualità, la dipendenza e la mortalità. Unendo arte e attivismo, Goldin ha affrontato l'epidemia di HIV/AIDS fin dagli anni '80 e oggi porta l'attenzione internazionale sulla crisi dell'overdose.
Nata a Washington nel 1953, Goldin è cresciuta fuori Boston. Ha lasciato casa all'età di quattordici anni e a sedici si è iscritta alla Satya Community School di Lincoln, nel Massachusetts, dove ha acquistato la sua prima macchina fotografica. Le prime fotografie in bianco e nero di Goldin, che trasmettono la bellezza, la vulnerabilità e la gioia dei suoi amici della comunità transgender di Boston, sono state esposte nella sua prima mostra personale nel 1973 al Project, Inc. di Cambridge, Massachusetts. Frequentando la School of the Museum of Fine Arts di Boston a partire dal 1974, inizia a lavorare principalmente con stampe Cibachrome e diapositive da 35 mm, scattando fotografie a colori saturi.
Trasferitasi a New York nel 1978, Goldin iniziò a documentare i membri della sua famiglia d'elezione in un ambiente di club New Wave, cinema No Wave e cultura gay post-Stonewall. Catturando momenti di baldoria e di amicizia, di intimità e di perdita, l'autrice ha intitolato questo lavoro La ballata della dipendenza sessuale, come una canzone de L'opera da tre soldi (1928) di Kurt Weill e Bertolt Brecht. In costante evoluzione, si è trasformato in una presentazione multimediale di quasi settecento diapositive accompagnate da una colonna sonora eclettica. Inizialmente proiettato nei locali notturni, è stato incluso nel Times Square Show del 1980, nella Biennale di Whitney del 1985 e in innumerevoli altre mostre nei musei di tutto il mondo. È stato pubblicato da Aperture nel 1986 come il primo dei tanti libri di Goldin ed è stato recentemente ristampato per la ventunesima volta.
Goldin documenta senza mezzi termini le lotte e il coraggio che hanno caratterizzato la risposta della sua comunità alla devastante epidemia di AIDS. Nel 1989 ha organizzato Witnesses: Against Our Vanishing presso l'A Space di New York, la prima mostra che presentava le opere di artisti che vivevano o erano morti di AIDS o la cui arte rispondeva alla malattia, tra cui David Armstrong, Peter Hujar, Greer Lankton e David Wojnarowicz.
Negli ultimi anni, Goldin si è concentrato sulla luce naturale, sul cielo e sul paesaggio in opere che esplorano la spiritualità e la mortalità. I suoi ritratti sono fotografie di individui e coppie, bambini e famiglie scattate per lunghi periodi; altre serie ritraggono stanze vuote con tracce palpabili di presenza umana. Presentate come immagini proiettate, griglie su larga scala di stampe multiple, stampe singole e libri, le fotografie di Goldin operano in sequenza narrativa con relazioni tematiche tra loro.
I'll Be Your Mirror, una retrospettiva sul lavoro di Goldin a metà carriera, è stata organizzata dal Whitney Museum of American Art di New York nel 1996 e ha viaggiato in tutta Europa. Nel 1996, in collaborazione con Edmund Coulthard, Goldin ha realizzato il film-documentario I'll Be Your Mirror, che offre un'esplorazione autobiografica del suo lavoro e interviste con i suoi amici e soggetti più stretti. La retrospettiva Le Feu Follet è stata inaugurata nel 2001 al Centre Pompidou di Parigi e ha fatto il giro del mondo.
Nel 2010, il Musée du Louvre di Parigi ha commissionato Scopophilia, dando a Goldin la possibilità di scattare foto della sua collezione, che ha abbinato a fotografie di tutta la sua carriera per esplorare la fluidità del genere e la costanza del desiderio. Un'importante presentazione recente, Memory Lost (2019-21), con la colonna sonora della compositrice Mica Levi s e la musica aggiuntiva di CJ Calderwood e Soundwalk Collective, racconta una narrazione ossessionante ed emotiva composta da immagini tratte dal suo archivio di migliaia di diapositive.
Nel 2017 Goldin ha fondato P & A. (Prescription Addiction Intervention Now) in risposta alla crisi delle overdose. Il gruppo mette in scena azioni pubbliche dirette a responsabilizzare Big Pharma e a smascherare la complicità delle istituzioni che accettano tali finanziamenti. Queste proteste hanno portato alla rimozione del nome Sackler dal British Museum, dal Solomon R. Guggenheim Museum, dal Musée du Louvre, dal Metropolitan Museum of Art, dalla Serpentine Galleries, dalla TATE e da altri musei e università. P.A.I.N. promuove trattamenti salvavita per le persone che fanno uso di droghe e sostiene una politica pubblica di riduzione del danno.
This Will Not End Well, una retrospettiva incentrata sulle diapositive e le installazioni video di Goldin, è stata organizzata dal Moderna Museet di Stoccolma nel 2022 e si sposterà allo Stedelijk Museum di Amsterdam, alla Neue Nationalgalerie di Berlino e al Pirelli HangarBicocca di Milano prima di arrivare negli Stati Uniti. All the Beauty and the Bloodshed (2022), un film diretto da Laura Poitras a cui Goldin ha collaborato, intreccia le narrazioni della vita, del lavoro e dell'attivismo dell'artista. È stato premiato con il Leone d'Oro alla 79ª Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia e come miglior documentario alla 38ª edizione degli Independent Spirit Awards e ha vinto i premi dell'associazione dei critici cinematografici come miglior documentario a New York, Londra, Los Angeles e Toronto. Il film è stato nominato come miglior documentario ai BAFTA Film Awards e ai 95° Academy Awards.
Per gentile concessione di Gagosian Gallery
- Creatore:Brice Marden (1938, Americano)
- Anno di creazione:1996
- Dimensioni:Altezza: 26,67 cm (10,5 in)Larghezza: 43,18 cm (17 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:
- Località della galleria:New York, NY
- Numero di riferimento:1stDibs: LU1745214019762
Brice Marden
L'acclamato artista americano Brice Marden ha lavorato per decenni in modalità astratta creando lussureggianti dipinti monocromatici a pannelli multipli e quaderni pieni di disegni ipnotici impregnati del lirismo della calligrafia. An He è stato considerato un maestro del minimalismo .
"In definitiva, uso il dipinto come cassa di risonanza per lo spirito", ha detto una volta Marden. "Puoi dipingere ed entrare in un luogo in cui il pensiero si ferma, dove puoi semplicemente essere e il risultato viene fuori".
Marden ha conseguito il BFA presso Boston University College of Fine Arts nel 1961 e il MFA presso Yale University's School of Art nel 1963. In seguito, l'originario di Bronxville, New York, si trasferì di nuovo a New York City. Lì è stato esposto alle opere di Jasper Johns mentre lavorava come guardiano al Museo Ebraico e successivamente all'arte di Robert Rauschenbergquando è diventato assistente di studio di Rauschenberg.
Oltre a questi artisti iconici e al movimento Abstract Expressionist, le ispirazioni di Marden erano numerose e di ampio respiro: viaggi alle isole di An He in Grecia a partire dai primi anni '70 (ha tenuto una casa lì), maestri del barocco come Francisco Goya e sculture in pietra cinesi della fine dell'ottavo secolo. Ognuna di queste influenze ha portato a una pietra miliare nella carriera di Marden, sia che abbia creato una serie di dipinti molto apprezzati, sia che abbia incorporato una nuova tecnica o un nuovo approccio in una pratica che si stava evolvendo da anni.
Marden è noto anche per aver sperimentato gli strumenti che utilizzava per dipingere le sue reti di linee colorate e ritmiche. A volte sostituisce i pennelli con dei bastoncini, immergendo le loro estremità nell'inchiostro e realizzando opere che fanno riferimento alla calligrafia cinese. Agli esordi, Marden era anche noto per dipingere con le spatole da cucina. La sua dedizione al gesto e alla linea era al centro della sua pratica.
Le opere di Marden si trovano nelle collezioni della Tate Britain, dell'Art Institute of Chicago, della National Gallery of Art di Washington, D.C. e di altre istituzioni.
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