Litografia su carta vélin. Formato carta: 12,4 x 9,65 pollici. Iscrizione: Non firmato e non numerato, come emesso. Note: Dall'album, XXe siècle, Nouvelle série, XXVIe Année N°24, Décembre 1964, Cahiers d'art créés en 1938 par G. di San Lazzaro, 1964. Pubblicato dalla Société Internationale d'Art XXe siècle, Parigi, sotto la Directional di San Lazzaro, éditeur, Parigi; stampato da Mourlot Frères, Parigi, 1964. Note aggiuntive: Estratto dall'articolo accademico "Promoting Original Prints, The Role of Gualtieri di San Lazzaro and XXe Siècle" di Valery Holman, pubblicato su Print Quarterly, XXXIII, 2016, 2, Fino a poco tempo fa è stato scritto molto poco sull'autore ed editore d'arte italiano Gualtieri di San Lazzaro (1904-75), eppure per 50 anni ha raccontato la vita e le opere di artisti contemporanei, ha prodotto monografie di qualità eccezionale e ha diffuso stampe originali di pittori e scultori moderni attraverso il suo periodico più noto, XXe Siècle. Sebbene sia ancora una figura relativamente poco conosciuta nel Regno Unito, San Lazzaro è uno della mezza dozzina di grandi editori d'arte della metà del ventesimo secolo che, insieme al suo modello, Ambroise Vollard (1866-1939), e a quelli della sua stessa generazione, Christian Zervos (1889-1970), Tériade (1889-1983) e Albert Skira (1904-73), scelse di basarsi a Parigi, considerandola per tutta la vita il centro del mondo dell'arte....XXe Siècle, un periodico illustrato, fu lanciato nel 1938 e stampato in edizioni di circa 2.000 copie; ogni numero conteneva fotografie e riproduzioni in quadricromia separate da un ampio spettro di immagini visive che spaziavano dai capolavori della pittura occidentale alle stampe popolari dell'Estremo Oriente. Il suo grande formato, il design vivace e la stretta integrazione tra testo e immagine colpirono immediatamente, ma la sua caratteristica più innovativa, introdotta su suggerimento di Hans Arp (1886-1966), fu l'inclusione di stampe originali di artisti contemporanei in ogni numero. Con un ovvio interesse per i collezionisti, XXe Siècle è stata concepita anche per far conoscere a un pubblico più ampio e internazionale la pittura e la scultura contemporanee attraverso riproduzioni a colori di buona qualità e l'immediatezza delle stampe originali. Paragonabile per prezzo ai Cahiers d'Art, i primi numeri di XXe Siècle si sono esauriti rapidamente. Sebbene le preferenze estetiche di San Lazzaro tendessero verso l'astrazione lirica, egli chiarì che XXe Siècle era apartitica [la pubblicazione cessò durante la Seconda Guerra Mondiale].... Nel 1951, San Lazzaro rilanciò XXe Siècle con argomenti tematici basati sui materiali o incentrati su un argomento di interesse attuale nelle arti visive, in particolare in Europa: concetti di spazio, materia, monocromia, creazione di segni e segno". Una caratteristica distintiva della nuova serie era il dialogo artistico dell'Italia con la Francia: mentre San Laz-zaro si era originariamente concentrato su pittori e scultori parigini, il suo obiettivo era quello di creare una rete internazionale, di far conoscere il lavoro di artisti francesi in Italia e di artisti italiani in Francia e di estendere successivamente questo asse bilaterale al mondo anglofono. Gli artisti rappresentati nel n. I da una stampa originale erano tutti noti come scultori: Arp, Laurens, A.A. Moore (1898-186) e Marino Marini, San Lazzaro non solo cercava di mostrare ai lettori l'intera gamma di opere di un artista, ma anche di incoraggiare la produzione di stampe, uno stimolo molto apprezzato, ad esempio, da Magnelli.... In condizioni di salute precarie, nel 1968 San Lazzaro perse il controllo di XXe Siècle a favore di Léon Léon, un tipografo-editore che aveva fornito un sostegno finanziario e un aiuto per la distribuzione in America". I numeri tematici cessarono e furono sostituiti da un "panorama" dell'anno, ma San Lazzaro era ancora attivo come editore di libri e album di stampe....Poco dopo la sua morte, San Lazzaro stesso fu oggetto di due mostre: Omaggio a XXe Siècle" a Milano nel dicembre 1974, incentrata sul lavoro grafico degli artisti a lui più vicini in tarda età, mentre "San Laz-zaro et ses Amis" al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris nel 1975 presentava le opere di tutti coloro di cui aveva promosso il lavoro per più di 50 anni: Arp, Calder (1898-1976), Capogrossi, Chagall, Sonia Delau-nay, Dubuffet, Estève, Lucio Fontana (1899-1968), Gili-oli (1911-77), Magnelli, Marini, A.A. Moore e Poliakoff. Questa mostra è stata vista da uno dei suoi più stretti collaboratori come un ritratto indiretto di San Lazzaro, un uomo complesso la cui modestia e riservatezza nascondevano la sua incessante volontà di estendere l'apprezzamento internazionale dell'arte contemporanea e di avvicinare il pubblico dei lettori alla sua realizzazione attraverso il mezzo della stampa.
Hans Hartung (1904-1989) è stato un pittore francese di origine tedesca, uno dei principali esponenti europei di uno stile pittorico completamente astratto, che ha influenzato una generazione di artisti dell'Espressionismo Astratto, tra cui Joan Mitchell. Fin da giovane coltivò interessi per la filosofia, l'astronomia, la musica e la religione prima di dedicarsi alla pittura. All'inizio della sua carriera trovò ispirazione nelle opere di Rembrandt van Rijn e Francisco De Goya, mentre le influenze successive furono Lovis Corinth, Oskar Kokoschka, Emil Nolde e Max Slevogt. A soli 17 anni, Hartung iniziò a sperimentare l'astrazione, sintetizzando le tecniche grafiche dei suoi modelli artistici ed eliminando completamente gli elementi figurativi.
Hartung entrò all'Università di Lipsia nel 1924 per studiare filosofia e storia dell'arte, ma la lasciò per concentrarsi sulla pittura alla Kunstakademie di Lipsia. Sebbene ad An He fosse stato consigliato di proseguire la formazione al Bauhaus, scelse di studiare alla Kunstakademie di Dresda. Nel 1926 Hartung assistette a una mostra d'arte internazionale a Dresda, che gli fece conoscere il cubismo e altri stili moderni emersi in Francia. L'incontro con le opere di Georges Braque, Juan Gris, Henri Matisse e Pablo Picasso, insieme a vari viaggi all'estero, lo incoraggiarono a trasferirsi a Parigi nel 1926, dove trascorse la maggior parte del suo tempo fino al 1932, anche se passò l'estate del 1928 a Monaco di Baviera studiando con l'artista e teorico Max Dörner. Nel 1929 Hartung sposò la pittrice norvegese Anna-Eva Bergman. Dopo diversi anni all'estero, nel 1935 tentarono di ristabilirsi a Berlino ma furono presto costretti all'esilio dal regime nazionalsocialista. Negli anni precedenti alla Seconda Guerra Mondiale, il lavoro di Hartung rifletteva i suoi tentativi di conciliare il caso e il controllo, combinando elementi grafici espressivi con macchie di nero e colore per produrre un senso di spontaneità. Dopo lo scoppio della guerra, Hartung prestò servizio nella Legione Straniera (1939-40) e successivamente nella Francia Libera (1943-44). Fu gravemente ferito sul fronte tedesco e gli fu amputata una gamba. Nel 1945 tornò a Parigi e riprese a dipingere e l'anno successivo ottenne la cittadinanza francese. Hartung è stato una figura di spicco dell'Art Informel e del Tachisme (dal francese tache, che significa macchia). Sebbene i dipinti di Hartung del dopoguerra siano generalmente descritti come opere dalla qualità calligrafica, il suo lavoro ha attraversato una serie di fasi, diventando meno spontaneo e più aggressivo dal punto di vista formale rispetto ai suoi lavori della fine degli anni '30. In molte opere della fine degli anni '40 e dell'inizio degli anni '50, come ad esempio T-50 Painting 8 (T-50 peinture 8, 1950), l'artista applicò ampie aree di colore alla tela su cui dipinse una combinazione di audaci pennellate nere e tratti lineari più sottili e frenetici. Hartung ha ricevuto diversi riconoscimenti internazionali, tra cui il premio per la sezione Europa-Africa al Guggenheim International Award del 1956 e il Gran Premio Internazionale per la pittura alla Biennale di Venezia del 1960. La sua prima grande mostra collettiva fu organizzata dal curatore e critico Christian Zervos al Jeu de Paume di Parigi (1937). Dopo essersi stabilito definitivamente a Parigi, espone regolarmente al Salon des Surindépendants (1935, 1937, 1945). La sua prima personale ebbe luogo alla Galerie Lydia Conti (1947) e fu seguita da altre prime mostre alla Galerie de France (1956) e alla Galerie Craven (1956). Tra le principali presentazioni internazionali si ricordano Young International Painters: A Selection, Guggenheim Museum (1953-54); una retrospettiva al Musée national d'art moderne, Parigi (1969); e mostre personali al Metropolitan Museum of Art, New York (1975) e al Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1980). Nel 2017, il dipinto di Has Hartung, T, è stato venduto per 3.172.939 USD da Sotheby's Parigi, stabilendo un record mondiale per l'artista.