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Litografia dopo Henri Matisse (after) Henri Matisse - Fern Artista : dopo Henri Matisse (after) Henri Matisse Firmato nella pietra, come emesso Edizione di 250 38 x 28 cm Riferimento : Litografia pubblicata nel 1965 per il Portfolio "Les Peintres mes amis" edito da Heures Claires. BIOGRAFIA DI MATISSE GIOVANI E ISTRUZIONE PRECOCE Henri Emile Benoît Matisse nacque in una minuscola e malandata casetta di un tessitore in rue du Chêne Arnaud, nella città tessile di Le Cateau-Cambrésis, alle otto di sera dell'ultima notte dell'anno, il 31 dicembre 1869 (Le Cateau-Cambrésis si trova nell'estremo nord di Francia vicino al confine con il Belgio). La casa aveva due stanze, un pavimento in terra battuta e un tetto che perdeva. Matisse disse molto tempo dopo che la pioggia cadeva attraverso un buco sopra il letto in cui era nato. Gli antenati di Matisse avevano vissuto nella zona per secoli prima dei convulsi sconvolgimenti sociali e industriali del XIX secolo. Matisse crebbe in un mondo che si stava ancora distaccando da uno stile di vita per certi versi immutato dai tempi dei Romani. L'avvento della ferrovia aveva portato Bohain sulla mappa industriale, ma la gente continuava a spostarsi a piedi o a cavallo. Il padre di Matisse, Émile Hippolyte Matisse, era un commerciante di cereali la cui famiglia era composta da tessitori. Sua madre, Anna Heloise Gerard, era figlia di una lunga stirpe di conciatori benestanti. Cordiale, estroversa, capace ed energica, era piccola e di corporatura robusta con la figura alla moda dell'epoca: seno e fianchi pieni, vita stretta, caviglie ordinate e piedi piccoli ed eleganti. Aveva una pelle chiara, zigomi larghi e un ampio sorriso. "Mia madre aveva un viso dai tratti generosi", ha detto suo figlio Henri, che ha sempre parlato di lei con particolare tenerezza della sensibilità. Per tutti i quarant'anni del suo matrimonio, ha fornito un sostegno incrollabile e roccioso a suo marito e ai suoi figli. Matisse disse in seguito: "Mia madre amava tutto ciò che facevo". Cresce nella vicina Bohain-en-Vermandois, un centro industriale tessile, fino all'età di dieci anni, quando il padre lo manda a St. Quentin per il liceo. Anna Heloise lavorava sodo. Gestiva la sezione del negozio del marito che vendeva pitture per la casa, preparando gli ordini dei clienti e consigliando le combinazioni di colori. I colori hanno evidentemente lasciato un'impressione duratura su Henri. Lo stesso artista disse in seguito di aver ereditato il suo senso del colore dalla madre, che a sua volta era un'abile pittrice su porcellana, una forma d'arte molto in voga all'epoca. Henri era il primo figlio della coppia. Il giovane Matisse era un ragazzo goffo che sembrava mal adattato ai rigori del Nord; in particolare, odiava gli inverni gelidi. Era un bambino pensieroso e, secondo il suo stesso racconto, era un sognatore, fragile e non particolarmente brillante. In seguito non ha mai perso il suo feeling con la terra natia, con i semi e con le coltivazioni che aveva incontrato in gioventù. I piccioni di lusso che teneva a Nizza più di mezzo secolo dopo aver lasciato la sua casa ricordavano le piccionaie dei tessitori nascoste dietro anche la più umile casa di Bohain. I ricordi d'infanzia di Matisse parlano di un'educazione severa. "Fai presto!" "Attenzione!" "Corri!" "Datti da fare!" erano i ritornelli che gli risuonavano nelle orecchie da ragazzo. Negli anni successivi, quando la sopravvivenza stessa dipendeva da abitudini di parsimonia e abnegazione, l'artista si vantava di essere un uomo del Nord. Quando Matisse ebbe a sua volta dei figli da crescere, si rimproverò per qualsiasi cedimento alla disciplina o per un'aperta dimostrazione di tenerezza come una debolezza da parte sua. Nel 1887 si recò a Parigi per studiare legge, lavorando come amministratore di tribunale a Le Cateau-Cambrésis dopo aver conseguito la qualifica. Sebbene considerasse l'avvocatura noiosa, nel 1888 passò comunque l'esame di stato con lode e iniziò a esercitare la professione a malincuore. Una volta terminata la scuola, il padre, un uomo molto più pratico, fece in modo che il figlio ottenesse un posto da impiegato in uno studio legale. PITTURA: INIZI La scoperta della vera professione di Matisse avvenne in modo insolito. In seguito a un attacco di appendicite, iniziò a dipingere nel 1889, quando sua madre gli portò del materiale artistico durante il periodo di convalescenza. In seguito ha dichiarato: "Dal momento in cui ho tenuto la scatola di colori tra le mani, ho capito che quella era la mia vita. Mi ci sono buttato a capofitto come una bestia che si getta verso ciò che ama". La madre di Matisse fu la prima a consigliare al figlio di non attenersi alle "regole" dell'arte, ma di ascoltare le proprie emozioni. Matisse era così impegnato nella sua arte che in seguito rivolse un avvertimento a alla sua fidanzata, Amélie Parayre, che poi sposò: "Ti amo molto, mademoiselle; ma amerò sempre di più la pittura". Matisse aveva scoperto "una specie di paradiso", come lo descrisse in seguito. Il suo drastico cambio di professione deluse profondamente il padre. Due anni dopo, nel 1891, Matisse tornò a Parigi per studiare arte all'Académie Julian e divenne allievo di William-Adolphe Bouguereau. Dopo un anno scoraggiante all'Académie Julian, se ne andò disgustato dallo stile di insegnamento troppo perfezionista. In seguito si formò con Gustave Moreau, un artista che nutriva inclinazioni più progressiste. In entrambi gli studi, come di consueto, gli studenti hanno disegnato infinite figure dal vero. Da Bouguereau apprese le lezioni fondamentali della pittura classica. Il suo unico strumento tecnico, quasi un feticcio, era il filo a piombo. Non importa quanto siano strani gli angoli in un Matisse, le verticali sono di solito vere e proprie. Moreau era un pittore che disprezzava l'"art du salon", quindi Matisse era destinato, in un certo senso, a rimanere un "reietto" del mondo dell'arte. Inizialmente non superò l'esame di disegno per l'ammissione all'École des Beaux-Arts, ma persistette e alla fine fu accettato. Matisse iniziò a dipingere nature morte e paesaggi nel tradizionale stile fiammingo, nel quale raggiunse una discreta abilità. La maggior parte dei suoi primi lavori utilizza una tavolozza scura e tende ad essere cupa. Chardin era uno dei pittori più ammirati da Matisse, avendo realizzato quattro delle nature morte francesi conservate al Louvre. Pur eseguendo numerose copie di antichi maestri, studiò anche l'arte contemporanea. Le sue prime sperimentazioni gli valsero la reputazione di membro ribelle dei suoi corsi di studio. Nel 1896, Matisse fu eletto membro associato della Société Nationale, il che significava che ogni anno poteva esporre i suoi dipinti al Salon de la Société senza doverli sottoporre a revisione. Nello stesso anno espose 5 dipinti nel salone della Société Nationale des Beaux-Arts e lo Stato acquistò due dei suoi quadri. Questo fu il primo e quasi unico riconoscimento che ricevette nel suo paese natale durante la sua vita. Nel 1897 e nel 1898 visitò il pittore John Peters Russell sull'isola Belle Île, al largo della costa della Bretagna. Russell lo introdusse all'impressionismo e all'opera di Van Gogh, che era stato un buon amico di Russell ma che all'epoca era completamente sconosciuto. Lo stile di Matisse cambiò completamente e in seguito avrebbe detto: "Russell è stato il mio insegnante e Russell mi ha spiegato la teoria del colore". Matisse osservò anche i matrimoni stabili di Russell e di altri artisti. Questo probabilmente lo influenzò a trovare in Amélie Noellie Parayre, la sua futura moglie, la sua ancora. La tavola da pranzo (1897) fu il primo capolavoro di Matisse, che aveva trascorso l'intero inverno a lavorare all'opera. Sebbene il Salon abbia esposto l'opera, l'ha appesa in una posizione inadeguata, disgustato da quelli che considerava i suoi aspetti radicali e impressionisti. Caroline Joblaud è stata la prima amante di Matisse per quattro anni, durante le sue iniziali lotte per affermare la sua direzione artistica e la sua carriera professionale. Caroline (chiamata anche Camille) diede a Matisse la sua prima figlia Marguerite nel 1894, che dopo il matrimonio di Matisse con Amélie Noellie Parayre fu accettata calorosamente, contrariamente all'ostilità convenzionale che tali accordi provocavano. Caroline posò varie volte per le composizioni dell'artista, mentre Marguerite servì molte volte come modella per Matisse nel corso della sua vita. MATRIMONIO CON AMÉLIE NOELLIE PARAYRE I Matisse di Bohain e i Parayre di Beauzelle non avevano esteriormente nulla in comune e non c'era motivo per cui Matisse e Amélie dovessero incontrarsi. Ma nell'ottobre del 1897 Matisse si recò a un matrimonio a Parigi e per caso si sedette accanto a lei durante l'esilarante banchetto che seguì. Non c'era stato un banale flirt tra loro, anche quando il vino scorreva, ognuno riconosceva l'altro come un vero metallo, e quando si alzarono da tavola lei tese la mano a Henri Matisse in un modo che lui non dimenticò mai. A quel tempo Matisse non era ancora la figura professorale della leggenda. Era noto come burlone, come canzonettista anticlericale e come colui che una volta aveva interrotto un concerto in un caffè solo per il gusto di farlo. I parenti di Amélie operavano all'epoca in un contesto sociale, intellettuale e politico di cui Matisse non aveva mai avuto esperienza. Si battevano per il libero pensiero, per la separazione tra Stato e Chiesa e per la secolarizzazione del sistema educativo francese. La sua famiglia, più agiata di quella di Matisse, fornì all'artista in erba il sostegno di cui aveva bisogno. Quando Matisse sposò Amélie nel gennaio del 1898, i due si erano presentati solo tre mesi dopo. La zia di Amélie, Noélie, e due dei suoi fratelli gestivano un negozio femminile di successo chiamato Grande Maison des Modes. Prima del suo matrimonio, Amélie aveva dimostrato di avere il dono di disegnare, realizzare e modellare cappelli per una clientela alla moda. Nel giugno del 1899 trovò un socio e aprì un negozio tutto suo in rue de Châteaudun. Questo permise a Henri e a lei di vivere, insieme a Marguerite, in un minuscolo appartamento di due stanze nella stessa strada. Madame Matisse, ferventemente fedele, avrebbe giocato un ruolo fondamentale nella vita e nella carriera dell'artista per oltre 40 anni. Marguerite sarebbe diventata il pilastro della vita di suo padre. Nel 1902 si verificò un disastro. I genitori di Amélie sono stati disonorati e rovinati finanziariamente in uno scandalo spettacolare di portata nazionale, in quanto ignari dipendenti di una donna il cui impero finanziario era basato sulla frode. Grazie ai suoi primi anni nello studio di un avvocato, Matisse fu in grado di occuparsi con grande efficacia dell'organizzazione della difesa del suocero. Quando tutti intorno a lui perdevano la testa, scoppiavano in lacrime e si sentivano più che dispiaciuti per se stessi, Henri Matisse affrontava i loro problemi uno per uno. Il calvario aveva avuto il suo peso, in più di un modo. I medici ordinarono a Matisse di recarsi a Bohain e di riposare completamente per due mesi. Amélie aveva perso sia il negozio di cappelli che l'appartamento in rue de Châteaudun. Per la prima volta, Henri, Amélie e i tre bambini erano uniti a Bohain, non avendo altro posto dove andare. Hillary Spurling, una delle biografe di Matisse, afferma che i ricordi di Amélie di quella disgrazia pubblica alimentarono un "sospetto verso il mondo esterno" che avrebbe sempre contraddistinto la famiglia Matisse. La famiglia Matisse formava una sorta di unità ermetica che ruotava intorno al lavoro e alla professione dell'artista. Hanno adattato le loro attività alle sue pause e alle sue sessioni di lavoro. Il silenzio era essenziale. Anche durante gli anni in cui Matisse visse per lo più da solo a Nizza, un rituale annuale di disimballaggio, stiratura, incorniciatura e appendimento si concludeva con l'intera famiglia che si riuniva per rispondere ai dipinti. La conferenza potrebbe durare diversi giorni. Poi sono stati ammessi i commercianti. Matisse e sua moglie avevano avuto due figli, Jean (nato nel 1899) e Pierre (nato nel 1900). An He non era sempre in pace con la sua famiglia. He scrisse che le loro opinioni non erano sempre in accordo "il che mi disturba notevolmente nel mio lavoro, per il quale ho bisogno della più completa calma e di coloro che mi circondano, una serenità che non posso trovare qui". Ho intenzione di trasferirmi in un villaggio a poche leghe di distanza". Pierre, suo fratello Jean e Marguerite rimasero vicini al padre durante tutte le vicissitudini e Matisse, nei suoi ultimi anni di invalidità, si dedicò ai suoi numerosi nipoti. Nel 1899, in un periodo in cui i suoi dipinti mostravano un talento ribelle ma non una direzione chiara, Matisse iniziò a frequentare corsi di modellazione e scultura dell'argilla. Incaricato di copiare uno dei capolavori scultorei del Louvre, scelse il Giaguaro che divora una lepre, un'opera violentemente precisa di Antoine-Louis Barye. In seguito, quando i suoi dipinti sembravano bloccati, si rivolse alla scultura per organizzare i suoi pensieri e le sue sensazioni. Influenzato dalle opere dei post-impressionisti Paul Cézanne, Gauguin, Van Gogh e Paul Signac, nonché dall'arte giapponese, Matisse fece del colore un elemento cruciale dei suoi dipinti. Matisse disse: "Nell'arte moderna, è indubbiamente a Cézanne che devo di più". Studiando i piani frammentati di Cézanne - che estendevano l'idea di natura morta a una contemplazione forzata delle superfici di colore stesse - Matisse fu in grado di ricostruire la propria filosofia della natura morta. Molti dei suoi dipinti dal 1899 al 1905 utilizzano una tecnica puntinista adottata da Signac. Nel 1898 si recò a Londra per studiare i dipinti di J.M.W. Turner e poi partì per un viaggio in Corsica. Dopo anni di povertà, Matisse attraversò il suo "periodo buio" (1902-03), passò brevemente al naturalismo, tornò a una tavolozza scura e nel 1903 disse agli amici che aveva perso ogni desiderio di dipingere e aveva quasi deciso di smettere. Fortunatamente, Matisse riuscì a guadagnare qualche soldo dipingendo un fregio per l'Esposizione Universale del Grand Palais di Parigi. An He ha anche viaggiato molto nei primi anni del 1900, quando il turismo era ancora un'idea nuova. Grazie alla ferrovia, ai battelli a vapore e ad altre forme di trasporto apparse durante la rivoluzione industriale, il viaggio divenne un'attività popolare. Da turista colto, ha sviluppato la sua arte con dosi regolari di viaggi. FAUVISMO La carriera di Matisse può essere suddivisa in diversi periodi che cambiano dal punto di vista stilistico, ma il suo obiettivo di fondo rimane sempre lo stesso: scoprire "il carattere essenziale delle cose" e produrre un'arte "di equilibrio, purezza e serenità", come disse lui stesso. Il cambiamento degli ambienti di studio sembra aver sempre avuto un effetto significativo sullo stile del suo lavoro. In questi primi anni di lotta Matisse definì il suo programma artistico rivoluzionario. An He non tiene conto della prospettiva, abolisce le ombre e ripudia la distinzione accademica tra linea e colore. An One cercava di ribaltare un modo di vedere evoluto e accettato dal mondo occidentale per secoli sostituendo una soggettività consapevole al posto della tradizionale illusione dell'obiettività. Matisse raggiunse il suo apice nel mondo dell'arte d'avanguardia nei primi anni del nuovo decennio. Esplorò la scena dell'arte moderna visitando spesso gallerie come Durand-Ruel e Vollard, dove fu esposto alle opere di Paul Cézanne, Paul Gauguin e Vincent van Gogh. La prima mostra personale di Matisse ebbe luogo nel 1904, senza molto successo. Il 16 maggio 1905 arrivò nell'affascinante porto catalano di Collioure, nel sud della Francia. Ben presto invitò il pittore André Derain (1880-1954), di 11 anni più giovane, a unirsi a lui. Nel 1905, Matisse era considerato la punta di diamante del movimento Fauve in Francia, caratterizzato da spontaneità e ruvidità di esecuzione e dall'uso del colore grezzo direttamente dalla tavolozza alla tela. Matisse combinò il colore puntinista e il modo di Cézanne di strutturare lo spazio pittorico tratto per tratto per sviluppare il Fauvismo, un modo di vedere il mondo piuttosto che di sentirlo con gli occhi. Quando l'estate fauve volgeva al termine, Derain lasciò Collioure con 30 dipinti, 20 disegni e circa 50 schizzi, per non tornare mai più, mentre Matisse partì alcuni giorni dopo, riportando a Parigi 15 dipinti finiti, 40 acquarelli e oltre 100 disegni. Tornò a Collioure nelle estati del 1906, 1907, 1911 e 1914. Il richiamo del sole si rivelerà sempre un potere ristoratore per l'artista nel corso della sua vita, soprattutto dopo periodi di grande sforzo emotivo. Quando le opere fauviste furono esposte per la prima volta al Salon d'Automne di Parigi, crearono uno scandalo. I testimoni oculari raccontano di risate provenienti dalla stanza VII dove erano esposti. Gertrud Stein, una delle più importanti future sostenitrici di Matisse, riferì che la gente graffiava le tele in segno di scherno. "È stato gettato un vaso di vernice in faccia al pubblico" è stata la reazione del critico Camille Mauclair. Louis Vauxcelles descrisse l'opera con la storica frase "Donatello au milieu des fauves!". (Donatello tra le bestie selvatiche), riferendosi a una scultura di tipo rinascimentale che condivideva la stanza con loro. Il suo commento fu stampato il 17 ottobre 1905 su Gil Blas, un quotidiano, ed entrò nell'uso popolare. Lo stesso Derain in seguito definì i colori dei Fauves "candelotti di dinamite". Il quadro che è stato attaccato è la Donna con cappello di Matisse, un ritratto di Madame Matisse. Questo quadro fu acquistato da Gertrude e Leo Stein, un fatto che ebbe un effetto molto positivo su Matisse che stava soffrendo di demoralizzazione per la cattiva accoglienza del suo lavoro. Matisse continuò i suoi esperimenti a Collioure, visibili nel dipinto La finestra aperta e la vista di Collioure, anch'esso un'opera caratteristica del Fauvismo per il suo colore grezzo e la noncuranza dei dettagli. Entrambe queste opere sul paesaggio del Mediterraneo francese presentano una netta evoluzione verso uno stile spontaneo e disinibito. Oltre ad André Derain, anche Georges Braque, Raoul Dufy e Maurice Vlaminck facevano parte del movimento Fauve. Tuttavia, gli amici intimi di Matisse tra gli artisti erano per lo più pittori minori di facili costumi, come Albert Marquet. La solitudine temperamentale di Matisse lo rendeva preda di depressioni vertiginose. In seguito ricordò un esaurimento nervoso che ebbe in Spagna, nel 1910: "Il mio letto tremava e dalla mia gola usciva un piccolo grido acuto che non riuscivo a fermare". Fin dall'inizio della sua carriera le donne furono uno dei motivi cardine della produzione dell'artista. La sua Gioia della vita (1906) ci trascina in un mondo di allucinata vivacità composto da ninfe ambientate in un idilliaco campo aperto e vestite di colori puri e contorni sensuali. Due donne si rilassano alla luce del sole mentre altre due chiacchierano ai margini della foresta. Una si accovaccia per raccogliere dei fiori mentre la sua compagna ne intreccia una catena tra i capelli. Una coppia si abbraccia mentre un altro gruppo si cimenta in una vivace danza rotonda in lontananza. In questo modo, Joy of Life ritrae le ninfe dei boschi impegnate in una celebrazione della loro vita, della loro femminilità e della loro sessualità. A causa della ricorrente presenza di donne nude e dell'interpretazione intensamente sensuale, molti osservatori hanno ipotizzato che Matisse, da uomo, dovesse essere un edonista. Al contrario, l'esame storico dimostra che in realtà era piuttosto un nordista abnegante che viveva solo per lavorare, e lo faceva nell'angoscia cronica, nel panico ricorrente e in mezzo a periodici esaurimenti. Mentre Picasso si ricompensava, man mano, con gratificazioni di tipo intellettuale ed erotico, Matisse non lo faceva. In un'epoca di ideologie, Matisse ha schivato tutte le idee, tranne forse una: l'arte è la vita con altri mezzi. Si ritiene spesso che la celebrazione disinibita delle donne di Matisse abbia preso le mosse dal dipinto Tre bagnanti (1882) di Cézanne (che aveva acquistato per sé insieme a un Van Gogh e a un Gauguin). Tuttavia, Matisse ritrae le donne come nutritive e accoglienti, a differenza della presenza proibitiva e massiccia dell'argilla di Paul Cézanne. FAME Il declino del movimento fauvista, dopo il 1906, non scoraggiò l'ascesa di Matisse. Dal 1906 al 1917 visse a Parigi e stabilì la sua casa, il suo studio e la sua scuola all'Hôtel Biron. Tra i suoi vicini ci sono lo scultore Auguste Rodin, lo scrittore Jean Cocteau e la ballerina Jean Duncan. Molte delle sue opere più belle furono create in questo periodo, quando era parte attiva del grande raduno di talenti artistici di Montparnasse, anche se non si adattava del tutto al suo aspetto conservatore e alle sue rigide abitudini di lavoro borghesi. In realtà, l'obiettivo dell'arte di Matisse era tutt'altro che rivoluzionario. Nel 1908, in una famosa dichiarazione tratta da "Appunti di un pittore", Matisse dichiarò come suo ideale un'arte "per ogni lavoratore mentale, per l'uomo d'affari come per il letterato, per esempio, un'influenza calmante e tranquillizzante sulla mente, qualcosa di simile a una buona poltrona che fornisce relax dalla fatica fisica". Le abitudini personali di Matisse erano incredibilmente regolari. In una giornata tipo si alzava presto e lavorava tutta la mattina con una seconda sessione di lavoro dopo pranzo, seguita dalle prove di violino, da una cena semplice (zuppa di verdure, due uova sode, insalata e un bicchiere di vino) e da un'andata a letto presto. Nel 1906 creò una serie di 12 litografie, tutte variazioni sul tema del nudo seduto. An ha scelto di condividere il suo lavoro grafico con il pubblico quasi subito. Le litografie furono esposte alla Galleria Druet di Parigi nello stesso anno in cui furono prodotte, mentre le xilografie furono esposte al Salon des Independants nella primavera del 1907. Nel 1907 Appolinaire, commentando Matisse in un articolo pubblicato su La Falange, disse: "Non siamo in presenza di un'impresa stravagante o estremista: L'arte di Matisse è eminentemente ragionevole". Nonostante la fama appena conquistata, le opere di Matisse continuarono ad essere oggetto di critiche veementi e fu difficile per lui provvedere alla famiglia. Il suo controverso dipinto Blue Nude del 1907 fu bruciato in effigie all'Armory Show di Chicago nel 1913. Contrariamente al destino degli impressionisti, Matisse e altri fauves poterono esporre nelle gallerie d'arte. Nel 1908 Paul Cassirer, il Mercante d'arte ed editore tedesco che svolse un ruolo importante nella promozione delle opere degli impressionisti e post-impressionisti francesi, allestì una mostra delle opere di Matisse a Berlino. Nello stesso anno il fotografo americano Alfred Stieglitz di New York gli organizzò una mostra personale nella sua piccola galleria di Manhattan chiamata 291, che di fatto introdusse Matisse nel potente mercato dell'arte americano. Nel primo decennio della sua notorietà come leader dei Fauves, Matisse era più ammirato dagli stranieri che dai francesi. Dopo tutto, sono stati i russi e gli americani ad acquisire collezioni significative dei suoi primi lavori quasi subito dopo la loro creazione. I grandi Matisse che vediamo oggi nei musei parigini sono stati acquistati per lo più dopo la morte dell'artista, in sostituzione dei diritti di successione. I francesi hanno impiegato molto più tempo per comprendere la grandezza di Matisse, sicuramente più a lungo della schiera internazionale di aspiranti talenti che affollavano le sue lezioni quando era ancora una delle figure più controverse dell'avanguardia parigina. Nell'estate del 1907, Matisse e sua moglie intrapresero un lungo viaggio in Italia "per lavoro e per piacere", visitando Venezia e Padova, dove ammirarono gli affreschi di Giotto. A Firenze furono ospiti degli Stein nella loro villa di Fiesole. Da questa base Matisse visitò Arezzo, per studiare Piero della Francesca, e Siena, attratto dai primi pittori senesi, in particolare da Duccio. PICASSO, GERTRUDE STEIN E LE SORELLE CONE Durante il primo decennio del XX secolo gli americani a Parigi Gertrude Stein, i suoi fratelli Leo Stein, Michael Stein e la moglie di Michael, Sarah, si interessarono molto all'arte di Matisse. Inoltre, i due amici di Gertrude Stein di Baltimora. Clarabel ed Etta Cone divennero grandi mecenati di Matisse e Picasso, collezionando centinaia di loro opere. Le sorelle Cone acquistarono il loro primo Matisse nel 1906 e, nei quattro decenni successivi, formarono una delle più grandi collezioni d'arte del mondo. La Collezione Cone non solo contiene le opere più importanti di ogni fase della lunga carriera di Matisse, ma riflette anche l'interesse speciale delle sorelle per il periodo di Nizza, quando una nuova complessità di forme e psicologia entrò nel fascino sempre più intenso dei suoi dipinti. Nell'aprile del 1906, durante un incontro a casa della leggendaria Gertrude Stein, Matisse fu presentato a Pablo Picasso, di 11 anni più giovane. Picasso e Matisse erano esteticamente molto diversi e i loro stili di vita non erano da meno. Matisse era nettamente più alto e raffinato del tarchiato e presuntuoso catalano, allora dominatore della turbolenta scena artistica parigina d'avanguardia. Si dice che i due si siano sempre guardati alle spalle. È risaputo che dopo la crescita della loro rivalità si sono schierati. Picasso disse in seguito: "Nessuno ha mai guardato i quadri di Matisse con più attenzione di me; e nessuno ha guardato i miei con più attenzione di lui". Una differenza fondamentale tra i loro concetti pittorici era che Matisse disegnava e dipingeva a partire dalla natura, mentre Picasso era molto più incline a lavorare con l'immaginazione. I soggetti dipinti più frequentemente da entrambi gli artisti erano donne e nature morte, con Matisse più propenso a collocare le sue figure in interni completamente realizzati. Gertrude Stein, che amava le polemiche, scrisse: "Il sentimento tra i picassisti e i matissiani divenne aspro". Sebbene Matisse abbia osservato seccamente che "le nostre dispute sono sempre state amichevoli", va sottolineato che Picasso e i suoi amici hanno lanciato freccette a ventosa contro il Ritratto di Marguerite di Matisse del 1906 (che Picasso aveva ottenuto in cambio della sua Brocca, ciotola e limone, del 1907). Mentre la frattura tra i due artisti alla fine si sanò, quella tra i loro sostenitori rimase. L'ACCADEMIA MATISSE DI PARIGI E SERGEI SHCHUKIN Nel 1909, con la famiglia Matisse visse in un ex convento sul Boulevard des Invalides, a Parigi, dove l'artista diresse una scuola di pittura. La sua immensa notorietà, che era stata confermata nel 1905-06 da Gioia della vita, un'opera che sembrava trasgredire ogni possibile norma di ordine pittorico e finezza pittorica. I suoi amici organizzarono e finanziarono l'Académie Matisse di Parigi, una scuola privata e non commerciale in cui Matisse istruiva giovani artisti. Ha operato dal 1911 al 1917. Hans Purrmann e Sarah Stein sono stati alcuni dei suoi studenti più fedeli. Sebbene sia durata solo tre anni (1908-11), durante la sua breve esistenza l'Académie Matisse divenne uno dei principali crocevia della pittura moderna per numerosi artisti europei e americani di talento. Data la reputazione che Matisse aveva acquisito come "uomo selvaggio" del colore modernista, deve essere stato uno shock per alcuni dei suoi primi studenti il fatto che il programma di insegnamento che offriva fosse notevolmente conservatore. Come scrisse in seguito Jean Heiberg, il primo norvegese a iscriversi all'Académie, in un libro di memorie: "La scuola aveva acquistato, su suggerimento di Matisse, una copia di due sculture antiche del Louvre, Marte e una scultura arcaica, che egli usava spesso come dimostrazione. Di tanto in tanto si liberava completamente del modello dal vero e disegnavamo solo dai calchi in gesso, e le sue critiche non erano meno proficue". Tra gli studenti di Matisse c'era Olga Meerson, un'ebrea russa che aveva studiato con Wassily Kandinsky a Monaco e che, già in possesso di uno stile elegante, cercò di rifarsi sotto la tutela di Matisse. Amélie sospettava il peggio. Forse una combinazione della gelosia di Amélie e di Meerson il bisogno ha provocato un Matisse per terminare il collegamento, con una sensazione negativa da parte di tutti. Meerson si trasferì a Monaco, dove sposò il musicista Heinz Pringsheim, cognato di Thomas Mann. Non avendo mai mantenuto la sua promessa come pittrice, si suicidò a Berlino nel 1929. Uno dei biografi di Matisse, che ha accesso a gran parte della corrispondenza dell'artista, sostiene che l'artista, dopo il suo matrimonio, raramente, se non mai, ha avuto rapporti sessuali con le modelle, nonostante i suoi evidenti sentimenti per molte di esse. All'inizio del XX secolo si distinsero due collezionisti d'arte russi: il commerciante di tessuti Sergei Shchukin (1854-1936) e l'industriale tessile Ivan Morozov (1871-1921). Entrambi acquistarono l'arte moderna francese, svilupparono una sensibilità per individuare le nuove tendenze e le pubblicizzarono in Russia. In questo periodo, Matisse iniziò il suo fecondo sodalizio con il magnate russo dei tessuti e collezionista visionario Sergei Shchukin. L'artista creò una delle sue opere principali, La Danse, appositamente per Shchukin come parte di una commissione di due dipinti. Ispirato a una danza circolare - forse una sardana - eseguita dai pescatori di Collioure, questo dipinto incarna lo scontro tra il sacro e la realtà. Le mani umane si uniscono, ma formano uno spirito divino. Inoltre, Matisse ha praticamente abbandonato la prospettiva. La piattezza dell'opera enfatizza l'idea, i colori e il materiale, un concetto che ha reso Matisse un modello per i modernisti. L'altro dipinto commissionato fu Musica, 1909. Shchukin era considerato da alcuni quasi un co-produttore di alcune delle più grandi opere dell'artista ed era fortemente commisurato al lavoro del pittore francese. In merito ai violenti attacchi al suo amico, il russo scrisse all'artista: "Il pubblico è contro di te, ma il futuro è tuo". Nel 1914 la casa di Shchukin a Mosca conteneva trentasette Matisse. "An He sceglieva sempre il meglio", ha detto l'artista. Durante la rivoluzione politica Lenin espropriò personalmente la collezione di Shchukin, ma permise a Shchukin di rimanere, negli alloggi della servitù, come custode e guida. An He morì a Parigi, nel 1936. La collezione si trova ora nei musei Hermitage e Pushkin. Dal 1911 al 1915 circa, Matisse lottò con le idee del Cubismo, un esperimento a cui sentiva di "non partecipare" perché non "parlava alla [sua] natura profondamente sensoriale". MAROCCO Come molti artisti d'avanguardia a Parigi, Matisse era ricettivo a una vasta gamma di influenze. È uno dei primi pittori a interessarsi a varie forme di arte "primitiva". La sua arte fu profondamente influenzata anche dall'arte pasquale. Matisse ha flirtato per la prima volta con l'idea di visitare il Marocco dopo un viaggio nella parte moresca della Spagna nell'inverno del 1910. Questo assaggio dei Mori accese la fiamma della speranza che in Marocco ci sarebbe stata maggiore ispirazione per dipingere. Inoltre, ben consapevole dei soggetti esotici del Marocco che avevano generato una grande ricchezza di ispirazione per il famoso pittore francese Delacroix quando aveva visitato il paese più di ottant'anni prima, Matisse riteneva che il Marocco avrebbe stimolato il suo genio pittorico come l'Europa non avrebbe potuto fare. An He non cercava né il pittoresco né il pornografico. In Marocco, sembra che Matisse abbia avuto difficoltà a trovare modelle disposte a posare per lui, soprattutto donne a causa della legge del velo. Solo le ebree e le prostitute erano esenti. Fortunatamente, Matisse ha trovato la prostituta Zorah per l'occasione. anche se non l'ha dipinta come una prostituta. Invece, nel suo primo quadro di lei, Zorah en Jaune, i temi sessuali sono decisamente assenti dalla tela. Essendo una prostituta abituata a esporre e sfoggiare il proprio corpo, Zorah avrebbe potuto facilmente essere dipinta nuda o con meno vestiti per mettersi in mostra, ma invece Matisse sceglie di tenerla vestita e in posa con prudenza. A differenza delle donne occidentali primitive e nude della Joy of Life di Fauve. La Zorah marocchina è vestita con rispetto e attenzione alle sue caratteristiche più sottili. An He sta sviluppando la sua capacità di dipingere con consapevolezza le qualità non sessuali del suo soggetto, un movimento che si allontana dalle donne fauve. Molti dei dipinti marocchini di Matisse sono coperti solo da sottilissime pennellate di pigmento, come se volesse far trasparire la consistenza della tela non dipinta per aggiungere crudezza ai marroni e ai grigi. Le odalische di Matisse sono state descritte come "finzioni elaborate" in cui l'artista ha ricreato l'immagine dell'harem islamico utilizzando modelle francesi in posa nel suo appartamento di Nizza. I tessuti, i paraventi, i tappeti, gli arredi e i costumi richiamavano l'esotismo dell'"Oriente" e fornivano un tema per la preoccupazione di Matisse per la figura e i motivi elaborati dei tessuti esotici. Sebbene l'interesse di Matisse per i tessuti sia evidente nelle composizioni realizzate durante il suo viaggio in Marocco del 1906, non è nato come una tipica attrazione europea per l'esotico. Era già presente in lui in quanto discendente di generazioni di tessitori, cresciuto tra i tessitori di Bohain-en-Vermandois, che negli anni '80 e '90 del XIX secolo era un centro di produzione di sete pregiate per le case di moda parigine. Come quasi tutti i suoi compatrioti del nord, aveva un apprezzamento innato per la loro struttura e il loro design. Conosceva le proprietà del peso e dell'attaccatura, sapeva come usare gli spilli e i modelli di carta ed era estremamente sicuro di sé con le forbici. Matisse era noto per essere un avido collezionista di tessuti, dai tempi in cui era un povero studente d'arte a Paris fino agli ultimi anni della sua vita, quando il suo studio di Nizza traboccava di tappeti persiani, delicati ricami arabi, tappezzerie africane dai colori intensi e un gran numero di cuscini, tende, costumi, paraventi e fondali colorati. I tessuti divennero presto il trampolino di lancio per i suoi esperimenti radicali con la prospettiva e un'arte basata su motivi decorativi e armonie pure di colori e linee. Quando cambiò casa, trasferì anche i suoi tessuti, descrivendoli come "la mia biblioteca di lavoro". An He ha arricchito la sua collezione per tutta la vita, dai mercati in Algeria, Marocco e Tahiti alle vendite di fine stagione dell'alta moda parigina. Lo spirito rivitalizzante del Marocco sarebbe vissuto nell'immaginazione dell'artista fino ai ritagli degli ultimi anni di vita. DOPO PARIGI Matisse continuò a evolversi in direzioni inaspettate anche se non divenne mai un pittore astratto (anche se alcune delle sue opere più avventurose, come la Veduta di Notre Dame del 1914 o la Tenda gialla del 1916, ci si avvicinano). I suoi motivi erano sempre riconoscibili e la tensione tra il soggetto e gli aspetti formali del dipinto era un concetto centrale del suo ideale artistico. Matisse si trasferì a Nizza nel 1917 per allontanarsi dall'attività bellica, dove i colori caldi e brillanti gli fecero scoprire "luoghi più semplici che non soffocano lo spirito". Il suo spirito divenne fedele alla "chiarezza argentea della luce" di Nizza e tornò a Parigi solo per pochi mesi ogni estate. Gli anni 1917-30 sono noti come il suo primo periodo nizzardo, quando il suo soggetto principale rimase la figura femminile o un'odalisca vestita con abiti orientali o in vari stadi di svestizione, raffigurata in piedi, seduta o sdraiata in un lussuoso interno esotico di sua creazione. Questi dipinti sono impregnati di luce del sud, colori vivaci e una profusione di motivi decorativi. Emanano l'atmosfera suggestiva di un harem. Nel 1929, Matisse sospese temporaneamente la pittura da cavalletto e si recò in America per far parte della giuria della 29esima edizione della Carnegie International e, nel 1930, trascorse un periodo di tempo a Tahiti e a New York, oltre che a Baltimora, nel Maryland, e a Merion, in Pennsylvania. Un importante collezionista di arte moderna e proprietario del più grande patrimonio di Matisse in America, il Dr. Albert Barnes di Merion, commissionò all'artista un grande murale per la pinacoteca a due piani della sua villa. Matisse scelse il soggetto della danza, un tema che lo preoccupava fin dal suo primo capolavoro fauve, La gioia di vivere. Gli americani furono tra i principali mecenati di Matisse per tutta la sua carriera, a partire dagli Stein (Leo Stein acquistò Joy of Life direttamente dal Salon nel 1906) fino alle sorelle Cone di Baltimora e al notoriamente irascibile Barnes. La monografia fondamentale di Matisse fu scritta durante la sua vita da un altro americano, Alfred Barr. Importante per promuovere la presenza di Matisse presso il pubblico transatlantico fu anche la galleria di Manhattan fondata nel 1931 dal figlio dell'artista, Pierre, che rimase una figura di spicco nel mondo dell'arte di New York per quasi sei decenni. Oltre al padre, rappresentò Balthus, Calder, Dubuffet, Giacometti, Miro, Tanguy e altri, molti dei quali erano anche amici. Nel corso della sua lunga e produttiva carriera, Matisse rinfrescò periodicamente le sue energie creative passando dalla pittura al disegno, alla scultura e ad altre forme di espressione artistica. Durante la sua vita produsse anche 12 libri illustrati noti come "livre d'artiste" (libro d'artista), un tipo specifico di libro illustrato che divenne comune in Francia verso la fine del secolo. Questi libri erano edizioni deluxe e limitate, destinati a essere collezionati e ammirati come opere d'arte, oltre che letti. Questo processo iniziò quando l'editore svizzero Albert Skira contattò per la prima volta il maestro moderno nel 1930 per illustrare l'opera Poesies, del poeta simbolista francese del XIX secolo. Stéphane Mallarmé . Matisse rispose all'invito di Skira con grande entusiasmo e quell'estate dedicò la maggior parte della sua attenzione alla commissione mentre risiedeva a Parigi. Il risultato è stato una collezione di 29 splendide incisioni, di cui il Museo ne esporrà 16. Il soggetto, come le poesie stesse, varia notevolmente, anche se molte delle immagini riflettono le vacanze dell'artista nel Pacifico meridionale. Le incisioni di Matisse delle poesie di Mallarmé sono considerate tra i suoi più grandi lavori di stampa. Nel 1941, sempre per Skira, Matisse iniziò uno dei suoi progetti di stampa più complicati e di successo, Florilege des Amours de Ronsard, illustrando le poesie d'amore del poeta rinascimentale francese del XVI secolo Pierre de Ronsard. Il soggetto e le immagini forti di Ronsard si prestavano con grazia ai temi preferiti da Matisse: frutta, fiori, forme femminili e ritratti. L'artista stesso ha selezionato le poesie e ha tradotto le opere dal francese rinascimentale a quello contemporaneo per la pubblicazione dell'antologia. DIVORZIO E RELAZIONI FAMILIARI TARDIVE Nonostante le sue durature amicizie con altri artisti, famosi e non, i giorni e le notti di Matisse erano assorbiti da un lavoro solitario. Suonare il violino sembrava una consolazione più intima per decenni di abusi critici rispetto all'affetto di sua moglie e dei suoi figli. Sebbene il loro matrimonio fosse ancora piuttosto fragile, i Matisse decisero di rimanere a Nizza quando il loro contratto d'affitto in Place Charles-Félix scadde nell'estate del 1938. Matisse e sua moglie si separarono nel 1939 dopo 41 anni quando Amélie cercò di licenziare la giovane e fredda Lydia Delectorskaya, un'orfana rifugiata dalla Siberia, che era stata assunta come compagna di Amélie. Tuttavia, il matrimonio dei Matisse non si scontrò con un rivale romantico, ma con il desiderio dell'artista di stare da solo. Il primo culmine si è raggiunto anni prima, nel 1913, quando Amélie ha posato più di cento volte per il Ritratto di Madame Matisse. Il diario di un'amica riportava all'epoca. "Pazzo! Piangere! Di notte recita il Padre Nostro! Di giorno litiga con la moglie!". Il ritratto, che fu l'ultima opera a entrare nella collezione di Shchukin, causò a Matisse "palpitazioni, pressione alta e un costante tambureggiamento nelle orecchie". Questa frenesia non era rara quando Matisse aveva difficoltà con un dipinto. An He si riferì al dipinto anni dopo in una lettera a lei come "quello che ti ha fatto piangere, ma in cui sei così bella". Amélie cedette la guida della famiglia a Marguerite. Il ritratto del 1913 fu il suo ultimo dipinto di lei. Matisse e sua moglie si incontrarono l'ultima volta per discutere i dettagli della loro separazione legale, nel luglio del 1939. Una delle disposizioni principali era che tutto sarebbe stato diviso in parti uguali tra i due coniugi. L'incontro ebbe luogo a Parigi alla Gare St. Lazare e durò trenta minuti, durante i quali Amélie Matisse continuò a chiacchierare con il marito. "Mia moglie non mi guardava mai, ma io non le toglievo gli occhi di dosso...", scrisse Matisse la sera di quell'ultimo incontro: "Non riuscivo a spiccicare una parola.... Rimasi come scolpito nel legno, giurando di non farmi mai più beccare in quel modo". "Cercherò di isolarmi come se fossi ancora assente", annunciò Matisse al suo primo ritorno a Parigi dopo la separazione ufficiale dalla moglie, "lasciando raramente il suo appartamento, tranne che per le visite al cinema (il suo primo film a colori, con Danny Kaye, fu una rivelazione)". Dopo il suo licenziamento, la Delectorskaya si sparò al petto con una pistola, con un effetto sorprendentemente lieve. Poco dopo la separazione legale tra l'artista e la moglie, la Delectorskaya era tornata. Arrivò con un bouquet di margherite bianche e fiordalisi blu dal giardino della zia il 15 luglio, giorno di Sant'Enrico. La loro collaborazione durerà fino alla morte di Matisse nel 1954. La sua volontà è sempre stata indomita: batteva a macchina, teneva registri e conti meticolosi e pagava le bollette di casa. Organizzò anche la corrispondenza di Matisse e coordinò i suoi affari con un pugno di ferro, oltre a essere la sua assistente di studio e musa. E quando è stata chiamata in causa, ha persino perlustrato la campagna in bicicletta alla ricerca di provviste durante la guerra. Matisse affermò che l'intera famiglia si bloccò in sua assenza, il che, alla luce di ciò che Lydia realizzò, è tutto, se non un eufemismo. Di fronte al gelido risentimento della famiglia, il russo disse di Matisse: "Sapeva come impossessarsi delle persone e farle sentire indispensabili". Era così per me, ed era così per Mme. Matisse". La vita con Matisse deve essere stata molto faticosa, ma era stata la vocazione scelta da Amélie, dopo anni di studio in casa. Il suo ruolo centrale nella vita dell'artista era la sicurezza, che il mecenatismo di Shchukin le forniva, insieme a una grande casa a Issy-les-Moulineaux, dove la famiglia si trasferì nel 1909. Tuttavia, in questo periodo Matisse era sempre più assente. Nel 1930 i suoi viaggi lo portarono negli Stati Uniti, dove rimase entusiasta di New York, e a Tahiti. Matisse trovò che Tahiti era "superba e noiosa allo stesso tempo. . . Lì il tempo è bellissimo all'alba e non cambia fino a sera. Una felicità così immutabile è faticosa". An He si tuffò dalla barriera corallina e non dimenticò mai i colori delle madrepore e dell'acqua verde assenzio; questi appaiono in ritagli come Polinesia, 1946, o L'uccello e lo squalo, 1947, come immagini di una natura spettacolare e, nel complesso, benefica. Nel settembre del 1940 assunse una sostituta temporanea per la sua infermiera notturna abituale. L'agenzia gli invia una giovane studentessa infermiera di ventuno anni: Monique Bourgeois. Dopo un anno di scuola per infermieri si è recata a Nizza per trovare lavoro presso l'ufficio di collocamento della scuola per infermieri. Era fortunata. Un artista di nome Henri Matisse stava cercando un'infermiera notturna temporanea. Il 26 settembre 1942 suonò il campanello dell'appartamento di Matisse a Cimiez. Lydia rispose. Monique puntellava i cuscini di Matisse, leggeva per lui e faceva passeggiate con lui; la sua arguzia e la sua conversazione diretta lo incantavano. Si trovò subito a suo agio con Matisse e presto le loro conversazioni divennero più personali. Matisse parlava di sé, della sua famiglia e dei suoi nipoti che adorava. Quando Matisse fu in grado di farlo, si alzò dal letto e mostrò a Monique il suo studio e i suoi dipinti. Si prese cura di lui per 15 notti, durante le quali ebbe diversi attacchi consecutivi di forti dolori allo stomaco. Il ritorno dell'infermiera notturna abituale di Matisse pose fine ai compiti di Monique. Matisse dipinse quattro tele di lei, oltre a numerosi schizzi a carboncino o a inchiostro. Si sedeva su una graziosa ma piuttosto scomoda sedia di legno a schienale dritto per due o tre ore alla volta. Brevi periodi di riposo, non più di un quarto d'ora, venivano trascorsi in totale silenzio sorseggiando una tazza di tè. Il loro lavoro insieme culmina nel marzo del 1943 con la pittura del Tabac Royal. Al termine del suo incarico, le chiese di posare per lui e lei acconsentì con riluttanza. "Ero piuttosto sorpresa, perché non ero mai stata considerata una bellezza", ha scritto in un libro del 1993 sulla loro amicizia. "Non mi sono mai accorta se fosse innamorato di me", ha dichiarato in un'intervista del 1992 alla rivista Paris-Match. "Ero un po' come la sua nipote o la sua musa, ma lui è sempre stato un perfetto gentiluomo". La carriera di Monique cambiò radicalmente: l'8 settembre 1944 prese il velo e assunse il nome di Suor Jacques-Marie. Matisse si oppose strenuamente alla decisione della Bourgeois di entrare in convento, ma si riconciliò con lei e alla fine decise di realizzare il sogno delle suore di avere una cappella per il loro convento. Non vide più Matisse per due anni. Matisse potrebbe essersi reso conto in tarda età di aver oppresso i suoi figli con il tipo di pressioni per soddisfare i suoi standard che aveva subito da suo padre. Pierre, del ragazzo di The Piano Lesson, ha detto: "Sì, ero io, e non hai idea di quanto detestassi quelle lezioni di piano". È opinione comune che Matisse non sia stato in grado di trasferire nelle sue relazioni familiari il successo che aveva ottenuto nella sua arte e che questa disfunzione si sia estesa al figlio Pierre. Tuttavia, le 829 lettere, che possono arrivare fino a 21 pagine, danno un'impressione diversa del rapporto tra padre e figlio. Dopo la separazione definitiva di Henri dalla moglie, Pierre divenne l'indispensabile confidente del padre. L'anziano scrive al figlio: "Sei l'unico membro della famiglia con cui posso comunicare"; e ancora, in modo toccante: "Che ne sarebbe di me, se tu non fossi più qui?". Sebbene Matisse non abbia mai concesso al figlio i diritti esclusivi per esporre i suoi dipinti, fu intimamente coinvolto nella Galleria Pierre Matisse come attività commerciale, guidando la carriera del figlio fin dai primi coraggiosi giorni di Pierre, ambizioso immigrato di 24 anni. ''Devi arrivare con ogni vantaggio possibile e tenere testa a tutto e a tutti'', scrive Pierre al padre. ''La gelosia americana è terribile e non ha nulla della cortesia esteriore della gelosia francese''. Marguerite aveva sposato un brillante letterato, Georges Duthuit, che fu il miglior critico di Matisse durante la sua vita; quando Duthuit le fu infedele, l'artista gli proibì di scrivere sul suo lavoro. Matisse non è mai così toccante come nel racconto delle due settimane che Marguerite trascorse con lui dopo la sua fuga nel 1945. DISEGNO E SCULTURA Matisse sperimentò il disegno per tutta la sua vita, spesso aiutandolo a risolvere problemi compositivi e stilistici o nuove idee. A metà degli anni '30, creò una serie di disegni a penna e inchiostro sul tema dell'artista e della sua modella, mentre all'inizio degli anni '40 concepì le sue famose sequenze di Thèmes et Variations, opere di scarso spessore disegnate in modo sensibile, con un tratto elegante e privo di sfumature, che descrivono forme semplificate di figure femminili o nature morte. Alla fine degli anni '40 e all'inizio degli anni '50, i suoi disegni diventano più audaci, la linea di contorno più spessa, le forme ancora più semplificate e prive di dettagli. La scultura fu un altro mezzo perseguito da Matisse fin dai primi anni e, sebbene indipendente nell'espressione, fu spesso utilizzata per trovare una soluzione a problemi pittorici o divenne un'ispirazione per la pittura. "Scolpivo come un pittore", disse Matisse, "non scolpivo come uno scultore". Nella scultura a rilievo, l'artista poté affrontare la massa e la forma del corpo nello spazio reale e allo stesso tempo chiarire il suo senso di rappresentazione della forma umana sulla tela. Potremmo dire che la donna rappresentata in questo rilievo si trova tra i regni della scultura e della pittura, o tra la realtà tridimensionale e la piattezza della rappresentazione pittorica. Più della metà delle sculture di Matisse furono completate tra il 1900 e il 1910; inoltre lavorava spesso in serie, manipolando la forma e semplificandola nel corso degli anni. Tra le sue opere più conosciute ci sono la serie di quattro rilievi di schiena (1903-31), la serie di cinque teste di Jeannette (1910-16) e il Grande nudo seduto (1925-29). Matisse viene citato ampiamente a proposito della sua arte. Molto probabilmente parlò della sua esperienza di artista in una lettera del 1941 a Pierre, riferendosi a un quadro particolarmente straziante del suo amico Georges Rouault: "Un uomo che fa quadri come quello che stavamo guardando è una creatura infelice, tormentata giorno e notte. An He si sfoga con la sua passione nei suoi quadri, ma anche, suo malgrado, con le persone che lo circondano. Questo è ciò che le persone normali non capiscono mai. Vogliono godere dei prodotti degli artisti - come si potrebbe godere del latte di mucca - ma non possono sopportare i disagi, il fango e le mosche". NUOVE DIREZIONI: TAGLI DI CARTA Gran parte della fonte di ispirazione di Matisse era poetica. Come la sua arte, la poesia o la prosa poetica che Matisse amava era intima, sensuale e personale. Negli ultimi anni sviluppò la pratica di leggere poesie all'inizio di ogni giornata, prima di sollevare un pennello, una matita o un ago da incisione. Le sue fonti erano le poesie medievali francesi di Charles d'Orléans e Pierre de Ronsard, oltre agli scritti più avanguardistici di Stéphane Mallarmé, Henry de Montherlant, Louis Aragon e altri. Matisse ha notato che la poesia è come l'ossigeno: "proprio come quando si salta fuori dal letto si riempiono i polmoni di aria fresca". Questo lo ha mantenuto giovane nel cuore, come un sensuale elisir di giovinezza. An He ha realizzato centinaia di disegni, stampe originali e libri illustrati. Quest'ultima forma d'arte comprendeva quelli che Matisse chiamava i suoi "libri di fiori". Si trattava di oggetti bellissimi in sé, ispirati alla tradizione del manoscritto medievale. Volti, parti del corpo, amanti, frutta e fiori rivelano le squisite linee arabescate di Matisse, insieme a uno straordinario senso del colore. Per il celebre Jazz, ad esempio, le immagini sono caratterizzate da colori brillanti, linee vorticose e arabeschi che formano serie di forme simili a gioielli, in temi che spaziano dal circo alle forme femminili in mezzo al mare. Matisse realizzò le sue immagini con stencil colorati basati su ritagli di carta. Nel 1941 a Matisse fu diagnosticato un cancro e, dopo l'intervento chirurgico, iniziò a usare una sedia a rotelle. Prima di sottoporsi a una rischiosa operazione a Lione, scrisse una lettera ansiosa a suo figlio Pierre, insistendo sul fatto che "amo la mia famiglia, veramente, profondamente e caramente". Ha lasciato un'altra lettera, da consegnare in caso di morte, in cui fa pace con Amélie. Tuttavia, la straordinaria creatività di Matisse non poteva essere smorzata. "Une seconde vie", una seconda vita, così chiamava gli ultimi quattordici anni della sua vita. In seguito all'operazione, ha trovato una rinnovata e energie inaspettate. Questa nuova vita ha portato a una straordinaria esplosione di espressione, il culmine di mezzo secolo di lavoro, ma anche a un rinnovamento radicale che gli ha permesso di creare ciò per cui aveva sempre lottato: "Ho avuto bisogno di tutto questo tempo per raggiungere lo stadio in cui posso dire ciò che voglio dire". Fino alla sua morte si sarebbe preso cura di Lydia Delectorskaya, che aveva anche posato per l'artista numerose volte. Con l'aiuto di assistenti si dedicò alla creazione di collage di carta ritagliata, spesso su larga scala, chiamati gouaches découpés. Manovrando le forbici su fogli di carta preparati, inaugurò una nuova fase della sua carriera. Il ritaglio non era un'abdicazione dalla pittura e dalla scultura: lo chiamava "pittura con le forbici". Matisse disse: "Solo ciò che ho creato dopo la malattia costituisce il mio vero io: libero, liberato". Inoltre, la sperimentazione con i ritagli offrì a Matisse innumerevoli opportunità di creare un ambiente nuovo ed esteticamente piacevole: "Poiché sono costretto a rimanere spesso a letto a causa delle mie condizioni di salute, ho fatto un piccolo giardino intorno a me dove posso camminare...". Ci sono foglie, frutti, un uccello". Nel 1947 pubblicò Jazz, un libro in edizione limitata contenente stampe di collage colorati di carta tagliata, accompagnati dai suoi pensieri scritti. Negli anni '40 lavorò anche come artista grafico e realizzò illustrazioni in bianco e nero per diversi libri. "Le pareti della mia camera da letto sono ricoperte di ritagli", scrisse a Rouveyre nel 1948. "Non so ancora cosa ne farò". SECONDA GUERRA MONDIALE Nel 1941, suo figlio Pierre, riferì che Matisse aveva subito una grave operazione. Gli amici cercarono di convincere l'anziano artista a lasciare la Francia, ma Matisse disse: "Se tutte le persone di talento lasciassero la Francia, il paese sarebbe molto più povero". Ho iniziato una vita da artista molto povera e non ho paura di esserlo di nuovo. . . . L'arte ha il suo valore; è una ricerca della verità e la verità è tutto ciò che conta". La Seconda Guerra Mondiale portò a un crollo totale delle strutture di vita di Matisse: la sua salute, il suo matrimonio e il destino sconosciuto dei suoi quadri in Russia e nella Francia occupata. Nel 1943, per sfuggire alla minaccia di un bombardamento alleato su Nizza, Henri Matisse si trasferì nella Villa Le Rêve, alla periferia di Vence. Costruita nel 1930 per una famiglia inglese, sarà la sua casa e il suo studio per i cinque anni successivi e qui non solo dipingerà e disegnerà, ma creerà anche la serie di ritagli di carta Jazz. Matisse descrisse questo processo come "disegno con le forbici", spiegando: "I ritagli di carta mi permettono di disegnare a Colon, che vedo come una semplificazione. Invece di disegnare il contorno e di inserire il colore, modificando l'uno e l'altro, disegno direttamente a colori". Completati tra il 1943 e il 1944, i 20 ritagli di carta a collage per Jazz furono tradotti in pochoirs (stencil), che furono poi stampati e pubblicati in un'edizione di 270 esemplari nel 1947. Il soggetto delle tavole di Jazz spazia dal circo alla mitologia alla natura. Le tavole sono accompagnate da un testo composto e scritto a mano dall'artista stesso. Matisse intendeva che il testo, che espone il ruolo dell'artista, avesse una funzione principalmente visiva. L'amore di Matisse per le sue colombe e per i suoi gatti Minouche e Coussi era evidente in una serie di fotografie scattate a Villa Le Rêve da Helene Adant, una cugina di Lydia Delectorskaya. La passione di Matisse per gli uccelli (e in particolare per le colombe) iniziò nell'estate del 1936. Tornato a Parigi e passeggiando lungo le rive della Senna, il suo L'attenzione è stata attirata dai mercanti che vendevano una varietà di uccelli canori e colombe in gabbia. Tornava a casa con cinque o sei uccelli alla volta e si dilettava con le loro forme e colori, il piumaggio e il canto. Il suo amore per gli uccelli durò per il resto della sua vita. Verso la fine dei suoi giorni, Matisse regalò a Picasso, che amava gli uccelli e aveva canarini e piccioni, l'ultimo dei suoi piccioni di fantasia. Picasso ne disegnò il ritratto sul famoso poster "Colomba della Pace". Durante la guerra, Matisse si isolò e raramente espresse i suoi sentimenti politici e tenne la sua arte lontana dalla politica in ogni circostanza. È noto che creò il riverberante idillio domestico La lezione di piano nell'estate del 1916, mentre la morte avanzava a Verdun. Durante la Seconda Guerra Mondiale la Resistenza francese aveva colpito le due donne più importanti della sua vita, Amélie e Marguerite. Marguerite era una dattilografa per la clandestinità comunista e Marguerite, che fungeva da corriere, così come suo figlio Jean, coinvolto in operazioni di sabotaggio. (Amélie fu imprigionata per sei mesi; Marguerite fu torturata dalla Gestapo ma riuscì a fuggire da un carro bestiame in panne diretto verso un campo di prigionia in Germania durante i caotici mesi finali della guerra. Matisse, assolutamente non politico, rimase scioccato quando seppe che sua figlia Marguerite lo era stata. CORRISPONDENZA Negli anni 1941-1954 Matisse si impegnò in una singolare corrispondenza con il disegnatore e scrittore satirico francese André Rouveyre (1879-1962), nella quale si riflette e si riflette la sua continua produzione e innovazione. È forse il più bel carteggio del XX secolo e racconta la storia di un'amicizia importante. Matisse e Rouveyre si incontrarono come giovani studenti all'Ecole des Beaux-Art di Parigi alla fine degli anni '90 del XIX secolo, ma i corsi delle loro vite divennero presto molto diversi e le loro strade si divisero in gran parte negli anni successivi. Solo quando si rincontrarono casualmente durante la guerra, dopo l'operazione di Matisse, si sviluppò la loro stretta amicizia. Nonostante le notevoli differenze tra i due, Rouveyre, come risulta dalla corrispondenza, seguì da vicino il processo di lavoro di Matisse. La corrispondenza si distingue da tutte le altre per la sua estensione e frequenza - per lunghi periodi si scrissero quotidianamente, a volte più volte al giorno - e per l'abbondanza di disegni, schizzi e buste decorate da Matisse. Le lettere, caratterizzate da intimità e umorismo irresistibile, parlano sia degli eventi della vita quotidiana che del lavoro di Matisse e ci forniscono quindi una visione unica del processo creativo dell'artista e dei suoi pensieri sulla sua vita e sul suo lavoro. Verso la fine della sua vita, Matisse sperimentò una rinnovata esplosione di creatività in una serie di opere di ineguagliabile purezza, raffinatezza e libertà - manifestazioni di un vero e proprio "stile tardo". La creatività di Matisse si estese all'area delle arti grafiche e dell'illustrazione di libri, quest'ultima iniziata quando aveva già sessant'anni, con le illustrazioni delle Poésies di Stéphane Mallarmé (1932). ULTIMI ANNI: CHAPELLE DU ROSAIRE A VENCE Nel 1951, Matisse completò un monumentale progetto di quattro anni per la progettazione degli interni, delle vetrate e delle decorazioni della Chapelle du Rosaire a Vence. Questo progetto ha inorridito la gerarchia cattolica ma anche il mondo dell'arte contemporanea, allora largamente influenzato dal dogma comunista. Si dice spesso che Picasso abbia consigliato a Matisse di arredare un bordello. Questo progetto fu il risultato della stretta amicizia tra Matisse e Suor Jacques-Marie. La copertura della stampa non è stata sempre così utile e i giornalisti hanno sensazionalizzato la relazione tra l'artista e la suora. Suor Jacques-Marie sostiene che non è mai successo nulla di spiacevole tra loro. Ma la loro profonda simpatia reciproca è evidente nelle conversazioni di lei e nei frammenti di corrispondenza di lui. Suor Jacques-Marie conobbe Matisse nel 1942, quando era una studentessa di infermieristica di nome Monique Bourgeois e Matisse, all'età di 70 anni e in convalescenza per un cancro all'intestino, cercava una "giovane e graziosa infermiera notturna". Il prestigio di Matisse era tale che poté finanziare in gran parte il progetto da solo e dopo il suo completamento, la cappella fu inaugurata nel 1951 con una cerimonia guidata dall'Arcivescovo di Nizza. All'inizio sconcertate, le sorelle del convento hanno iniziato ad amare il suo casta serenità e colore effervescente. Mentre lavorava, i modelli e gli assistenti erano gelosamente sorvegliati, tagliati fuori dai contatti con l'esterno e più o meno confinati nei locali. Picasso, accompagnato dalla sua amante Françoise Gilot, era un visitatore frequente e gradito. Mentre si sfidavano come vecchi duellanti, parlavano di arte. La Cappella aveva richiesto quattro anni per essere completata e aveva stremato Matisse, che ormai non era più in grado di stare in piedi per lunghi periodi e doveva attaccare il pennello a una lunga asta. Ma a casa sua, seduto sul letto o su una sedia a rotelle, continuava a fare ritagli a guazzo. Dopo che Rouveyre lo prese in giro per aver abbracciato la religione, Matisse invitò l'amico a guardare il suo ritaglio di donna nuda, Zulma, al Salone di Maggio di Parigi del 1950: "Vedrai il risveglio dei convertiti", fu la sua risposta. La Gerbe, foglie multicolori che ricordano uno spruzzo di fiori, fu completata pochi mesi prima della sua morte, ma esplode di vita. L'artista che aveva quasi reinventato il colore nella pittura aveva ormai trovato la libertà nella semplicità della decorazione. "Ne ho la padronanza", disse a Rouveyre in una lettera. "Ne sono certo". Nel 1952 viene inaugurato il Musée Matisse nella casa natale dell'artista, Le Cateau-Cambrésis, al quale l'artista dona 100 delle sue opere, valutate fino a 14.000.000 di dollari. Matisse morì per un attacco di cuore all'età di 84 anni, il 3 novembre 1954, con Marguerite e Delectorskaya al suo fianco. Lydia Delectorskaya partì immediatamente con la valigia che aveva tenuto pronta per quindici anni. An He è sepolto nel cimitero del Monastère Notre Dame de Cimiez e nella zona è stato aperto un Museo Matisse.

Creatore:
(after) Henri Matisse (Francese)
Dimensioni:
Altezza: 38 cm (14,97 in)Larghezza: 28 cm (11,03 in)Profondità: 1 mm (0,04 in)
Tecnica:
Litografia
Movimento e stile:
Moderno
Periodo:
1950-1959
Condizioni:
Località della galleria:
Collonge Bellerive, Geneve, CH
Numero di riferimento:
1stDibs: LU16121341043

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Joan Miro - un piatto da L'Issue Dérobée

Di Joan Miró

Joan Miro - un piatto de L'Issue Dérobée Acquaforte, acquatinta e puntasecca a colori 1974 Dimensioni: 36 x 54 cm Edizione: 220 Jacques Dupin, L'Issue Dérobée, Maeght Editeur, Pari...

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Anni 1970, Moderno, Stampe astratte

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Litografia

Joan Miró
Joan Miro - un piatto da L'Issue Dérobée, 1974

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Joan Miro - L'Issue Dérobée - Acquatinta originale

Di Joan Miró

Joan Miro - L'Issue Dérobée - Acquatinta originale 1974 Dimensioni: 36 x 54 cm Edizione: 220 Jacques Dupin, L'Issue Dérobée, Maeght Editeur, Paris, 1974 (C. libri 187) Biografia ...

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Anni 1970, Moderno, Stampe astratte

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Joan Miró
Joan Miro - L'Issue Dérobée - Acquatinta originale, 1974

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Joan Miro - Litografia astratta originale

Di Joan Miró

Litografia astratta originale di Joan Miro Miro Artista: Joan Miro Stampante : Mourlot Portafoglio: Souvenir e ritratti d'artista Anno: 1972 Edizione: 800 Riferimento: Mourlot, 850 ...

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Anni 1970, Astratto, Stampe astratte

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Joan Miró
Joan Miro - Litografia astratta originale, 1972

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Joan Miro - Litografia astratta

Di Joan Miró

Litografia astratta di Joan Miro Miro Artista: Joan Miro Piastra III da "Litografie di Mirò I Mezzo: Litografia su pergamena Rives Anno: 1972 Dimensione immagine: 10" x 13" Dimension...

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Joan Miró
Joan Miro - Litografia astratta, 1972

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Joan Miro - Cane che gioca - Litografia a colori

Di Joan Miró

Joan Miro - Cane che gioca - Litografia a colori Artista: Joan Miro Composizione 7 per il libro "Joan Miro" di Jacques Prevert Editore: Maeght Anno: 1956 Dimensioni: 23 x 38 cm Rifer...

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Joan Miro - Cane che gioca - Litografia a colori, 1956

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