Charles Houghton Howard Arte

Charles Houghton Howard nacque a Montclair, nel New Jersey, terzo di cinque figli di una famiglia colta e istruita che affondava le sue radici nella colonia della Baia del Massachusetts. Suo padre, John Galen Howard, era un architetto che si era formato al M. I. T. e all'École des Beaux Arts di Parigi e aveva fatto il suo apprendistato a Boston con John H. H. Richardson. A New York, l'anziano Howard lavorò per McKim, A. Mead e White prima di aprire uno studio privato di successo. Mary Robertson Bradbury, la madre di Charles, aveva studiato arte prima di sposarsi. John Galen Howard trasferì la sua famiglia in California nel 1902 per assumere la posizione di architetto supervisore del nuovo campus dell'Università della California a Berkeley e per ricoprire il ruolo di professore di architettura e primo preside della Scuola di Architettura (istituita nel 1903). I quattro Howard diventarono artisti e si sposarono tutti con artisti, lasciando un'eredità familiare di arte nell'area della baia di San Francisco che dura ancora oggi, in particolare nel design, nei murales e nei rilievi della Coit Tower e negli edifici del campus di Berkeley.

Charles Howard si è laureato in giornalismo presso l'Università della California a Berkeley nel 1921 e si è laureato in inglese presso le università di Harvard e Columbia prima di intraprendere un viaggio di due anni in Europa. Howard andò in Europa come aspirante scrittore. Ma un'esperienza quasi religiosa, la visione di un quadro di Giorgione in una remota cittadina fuori Venezia, si rivelò un'epifania che cambiò la sua vita. Secondo le sue stesse parole, "ho interrotto subito il tour e mi sono affrettato a tornare a Parigi, per iniziare a dipingere. Da allora dipingo ogni volta che posso" (Charles Howard, "What Concerns Me", Magazine of Art 39, n. 2 [febbraio 1946], p. 63). Il successo di Giorgione, che utilizzava un linguaggio visivo strutturato e razionale per trasmettere emozioni forti sulla tela, convinse immediatamente Howard che la pittura, e non la letteratura, era il veicolo migliore per esprimere ciò che voleva dire. Howard tornò negli Stati Uniti nel 1925, confermato nel suo intento di diventare un artista.

An He si stabilì a New York e si mantenne come pittore nel laboratorio di decorazione di Louis Bouché e Rudolph Guertler, dove si specializzò nella pittura murale. Dedicando il tempo libero al suo lavoro, visse al Greenwich Village e si immerse nell'ambiente culturale d'avanguardia del centro. La fine degli anni '20 e l'inizio degli anni '30 furono gli anni dell'apprendistato artistico di Howard. Non ha mai seguito una formazione artistica formale, ma il suo occhio acuto, la profondità dei sentimenti e l'intenso impegno nel processo di creazione dell'arte gli hanno permesso di assimilare elementi di pittura in modo intuitivo dall'ampia varietà di arte che lo interessava. An He trovò ispirazione nei movimenti modernisti dell'epoca, sia per la loro adesione a qualità formali astratte sia per la natura cosmopolita e internazionale dei movimenti stessi. Influenzato profondamente dal Surrealismo di , Howard faceva parte di un gruppo di surrealisti americani ed europei raggruppati intorno a Julien Levy. Levy aprì la sua galleria dal nome omonimo nel 1931 e divenne famoso nel gennaio del 1932, quando organizzò e ospitò Surrealisme, la prima mostra del Surrealismo in America, che includeva un'opera di Howard. Levy rimase la forza preminente nella promozione del Surrealismo in America fino alla chiusura della sua galleria nel 1949. L'associazione di Howard con Levy all'inizio degli anni '30 conferma il posto dell'artista nella comunità d'avanguardia della New York di quel periodo.

Nel 1933, Howard lasciò New York per Londra. È probabile che tra i fattori che portarono al trasferimento ci fossero il desiderio di Howard di far parte di una comunità artistica internazionale e il suo matrimonio con l'artista inglese Madge Knight (1895-1974). A Londra, si associò all'Unit One, un gruppo di pittori, scultori e architetti modernisti definito dall'impegno dei suoi membri verso l'arte astratta e surrealista. Howard fiorì in questo ambiente, sviluppando uno stile surrealista personale fatto di forme astratte e biomorfe combinate con immagini vagamente rappresentative, simili per molti versi alle opere di Wassily Kandinsky, Jean Arp, Joan Miró e Alexander Calder. Il commento di Howard stesso sulle affinità stilistiche è azzeccato (e molto più onesto di quanto sia solito fare tra gli artisti): "Ho accolto con favore l'influenza di altri pittori. Non credo nella pura originalità e nell'elaborazione del mio lavoro mi sono affidato alla mia ossessione. Se non fosse abbastanza forte da integrare la propria espressione, mi sembra che non servirebbe comunque a nulla dipingere" (come citato in Dorothy Miller, ed., Americans 1942, cat. espositiva. [New York: The Museum of Modern Art, 1942], p. 75). Howard partecipò alla storica Mostra Internazionale del Surrealismo presso la New Burlington Galleries di Londra nel 1936, la prima mostra sul Surrealismo tenutasi in Inghilterra, dimostrando ancora una volta l'alta considerazione che la sua arte godeva nei circoli artistici londinesi. Nel 1939, Peggy Guggenheim organizzò una mostra personale di Howard presso la sua galleria londinese, Guggenheim-Jeune.

Howard intendeva le sue opere come tappe di un processo di auto-scoperta psicologica: "Sono in realtà tutti ritratti dello stesso soggetto generale, della stessa idea, portata avanti per quanto sono in grado di fare in quel momento". Allo stesso tempo, non erano intese come specifiche dell'artista, ma piuttosto come dichiarazioni accessibili di un'umanità condivisa.

Non appartengo a un'élite. Non scopro segreti. Mi occupo di materiale che è in possesso di tutte le persone, presentandolo con l'anonimato fondamentale di un essere umano sulla faccia della terra. Realizzo immagini con forme comuni all'uomo di ogni luogo, di ogni razza, di ogni generazione, indipendentemente dal tempo. (Howard, "Cosa mi preoccupa", pag. 64).

Lo storico dell'arte Douglas Douglas osserva:

Il Surrealismo attraeva [Howard] per diverse ragioni: era europeo e moderno; aveva il potenziale, soprattutto se combinato con l'astrazione, di funzionare simbolicamente come analogo di stati psicologici e condizioni interne; riconosceva la mente come un campo di battaglia di forze contrastanti, un deposito di immagini archetipiche; e incarnava una visione del mondo che corteggiava l'anarchia e il caos, il cambiamento e la trasformazione (Dreishpoon, "Some Thoughts on the Enigmatic Charles Howard", in Charles Howard 1899-1978: Drama of the Mind, cat. espositiva. [New York: Hirschl & Adler Galleries, 1993], pp. 6-7).

L'arte di Howard è caratterizzata da una disciplina e da un controllo rigorosi, che si riflettono nel suo metodo di lavoro. An He lavorava senza sosta su singoli quadri, realizzando numerosi studi prima di iniziare a dipingere e poi creando lentamente e con attenzione fino a raggiungere il risultato desiderato. Sebbene Howard impiegasse alcune tecniche automatiche nelle fasi germinali dello sviluppo delle sue composizioni, quando arrivava il momento di stendere la pittura sulla tela, non lasciava nulla al caso. L'atto di dipingere a olio non è mai diventato "facile" per Howard. An He ha dichiarato: "[La pittura] non è un'attività che fa tendenza. È una fatica. È una battaglia noiosa e tortuosa con un mezzo intrattabile. È deludente in ogni momento, per quanto si possa essere scrupolosi e utilizzare tutta l'esperienza e l'abilità possibile" (Howard, "Cosa mi preoccupa", pagg. 63-64).

Howard visse per sette anni a Londra prima di tornare a San Francisco nel 1940, all'inizio della Seconda Guerra Mondiale. In patria lavorò come addetto alla costruzione di navi in un cantiere navale in tempo di guerra; prestò servizio come redattore presso l'Office of War Information di San Francisco e, in seguito, insegnò pittura alla California School of Fine Arts. Continuò a dipingere nel suo modo metodico, esponendo regolarmente in importanti luoghi contemporanei, tra cui il Carnegie Institute di Pittsburgh, la Pennsylvania Academy of Fine Art di Philadelphia, il Whitney Museum di New York e la Corcoran Gallery di Washington, D.C., costruendosi così una reputazione critica nel suo paese natale. Howard è stato incluso nella storica mostra Americans 1942 al Museum of Modern Art di New York e nello stesso anno ha partecipato alla mostra inaugurale della galleria Peggy Guggenheim Museum di New York, Art of This Century. Nel 1946, l'opera di Howard fu oggetto di un'importante mostra retrospettiva di trentatré olii e numerose gouache e disegni presso il California Palace of the Legion of Honor di San Francisco, che consacrò l'artista come figura di spicco del modernismo americano.

Charles e Madge Knight Howard tornarono in Inghilterra nel 1946 e si stabilirono a Helions Bumpstead, un piccolo villaggio nel nord-ovest dell'Essex, vicino al confine con il Suffolk e il Cambridgeshire. Howard si reinserì rapidamente nella comunità artistica londinese che aveva alimentato la sua carriera negli anni Trenta. Dal 1959 al 1963 ha insegnato pittura alla Camberwell School of Arts and Crafts di Londra. Timido e studioso per natura, Howard aderì strettamente alla modalità pittorica che aveva stabilito negli anni '30 e '40, rimanendo fedele alla sua visione di un'arte surrealista capace di esprimere complessi stati psicologici interiori. Sebbene la sua posizione lo collocasse al di fuori delle correnti artistiche contemporanee, posizione rafforzata dall'allontanamento dal suo paese d'origine, Howard si sentiva a suo agio nel seguire un percorso indipendente. La sua opera comprende quindi un corpo di lavori coerente e unificato che rappresenta uno stile personale e distintivo perfezionato nel tempo. Howard rimase in Inghilterra fino al 1970, quando lui e Madge si ritirarono a Bagna di Lucca, in Italia.

Lo scavo, datato 1932, è un'importante opera ad olio giovanile di Howard, dipinta a New York prima della sua partenza per Londra e che segna la fine del suo periodo di apprendistato. Il dipinto evoca un paesaggio onirico di strada e scavi, combinando la modellazione ferma e sicura di Howard e le sue forme nitidamente delineate in un'attenta composizione che impiega le distorsioni che contraddistinguono lo stile surrealista. Il dipinto offre una prima espressione dell'astrazione dura che ha reso così distintivo il lavoro successivo di Howard. Excavation è stato incluso nella prima mostra personale di Howard alla Julien Levy Gallery di New York, nel 1932-33. Lo spettacolo ha lasciato perplessi i recensori che non erano preparati allo stile d'avanguardia di Howard. Solo negli anni '40 i critici americani cominciarono a comprendere la strenua devozione di Howard per l'astrazione a tinte forti. All'epoca della sua retrospettiva al California Palace of the Legion of Honor, a San Francisco, nel 1946, e della successiva mostra personale di quell'anno alla Nierendorf Gallery, a New York, la critica aveva finalmente "capito" cosa stava facendo Howard. Una recensione della mostra di Nierendorf ha offerto una valutazione tipicamente entusiastica:

Un evento interessante per gli amanti dell'astratto è l'attuale mostra di tele del pennello di Charles Howard, presso la Nierendorf Galleries. La mostra è retrospettiva e comprende opere eseguite tra il 1925 e il 1946. . . .

Queste tele ponderate, di un pittore ampiamente riconosciuto come all'avanguardia nella corrente astratta americana (anche se attualmente è un espatriato, residente in Inghilterra), ricompenseranno ampiamente un attento esame da parte di coloro che si occupano seriamente di problemi di composizione, spazio e colore. Il senso dell'artista per la composizione e il posizionamento delle forme è sorprendente e non sbaglia mai (Ben Wolf, "Charles Howard, Veteran Abstractionist", Art Digest 21 [1 ottobre 1946], p. 18).

Ci sono voluti quasi 15 anni ma, come dimostrato da quanto sopra, lo stile senza compromessi di Howard alla fine ha ricevuto il giusto riconoscimento.

Poche opere di Howard dei primi anni '30 sono venute alla luce. Lo stesso scavo è rimasto in una collezione privata per molti anni e non è stato visto dal pubblico dal 1946. Man mano che emergeranno altre opere importanti del primo periodo di Howard, speriamo di poter comprendere meglio la prima carriera di uno dei più importanti artisti astratti americani. Detto questo, Howard rimane ancora oggi un artista sottovalutato e non sufficientemente riconosciuto, quindi di particolare interesse per i collezionisti più esigenti. In parte, il suo basso profilo è dovuto alle dimensioni limitate della sua opera, un riflesso dell'estrema riflessione e del tempo che ha dedicato a ogni lavoro. Ma soprattutto, Howard ha seguito la propria musa, sfuggendo a qualsiasi facile etichetta: in parte surrealista, in parte pittore astratto. An He si poneva decisamente al di fuori dell'espressionismo che dominava il mondo dell'arte nella seconda metà del XX secolo. Pur facendo parte di un'importante famiglia artistica della Bay Area, dipinse solo durante gli anni della guerra e lasciò poche tracce della sua presenza. Era un giovane artista a New York e se ne andò nel 1933, quindi non si affiliò mai a nessuna "Scuola di New York". La maggior parte della sua vita creativa l'ha trascorsa come espatriato in Inghilterra: un americano, certo, ma anche un uomo difficile da classificare. Sposato ma senza figli, non lasciò eredi per promuovere la sua reputazione postuma. Nonostante tutto questo, per decenni Howard ha goduto dell'ammirazione entusiasta dei suoi colleghi artisti e dei critici d'arte. Le sue opere sono presenti in importanti collezioni come l'Art Institute di Chicago, il Metropolitan Museum of Art di New York e il Museo d'Arte Moderna di San Francisco.

(Biografia fornita da Hirschl & Adler)