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John Chamberlain
John Chamberlain, Cable firmado de Western Union sobre una exposición de escultura en Leo Castelli
1982

Name: John Chamberlain, Cable firmado de Western Union sobre una exposición de escultura en Leo Castelli
Brand: John Chamberlain
Price: 5468.18 AUD
Availability: InStock
Rating: 5 (62 reviews)

Acerca del artículo

John Chamberlain Carta firmada a mano sobre la exposición de Leo Castelli, 1982 Máquina de escribir sobre papel (firmado a mano) 6 1/2 × 8 1/2 pulgadas Firmado a mano por el artista, Firmado con rotulador morado El telegrama/carta firmado a mano hace referencia a la exposición de Chamberlain en la legendaria Galería Leo Castell. ¡Un trozo de historia! Biografía de John Chamberlain John Chamberlain (1927 - 2011) fue un artista estadounidense por excelencia, que canalizó la fuerza innovadora de los años de posguerra en una práctica implacablemente inventiva que abarcó seis décadas. Alcanzó la fama por sus esculturas realizadas entre finales de los años 50 y los 60 a partir de piezas de automóvil, obras pioneras que transformaron eficazmente la energía gestual de la pintura expresionista abstracta en tres dimensiones. Con escalas que van de la miniatura a lo monumental, las composiciones de Chamberlain de metal retorcido, aplastado y forjado también tendieron un puente entre el Process Art y el Minimalismo, llevando los principios de ambos a un nuevo parentesco. Estas obras singulares le consagraron como uno de los primeros artistas estadounidenses en determinar el color como componente natural de la escultura abstracta. Desde finales de la década de 1960 hasta el final de su vida, Chamberlain aprovechó el potencial expresivo de una asombrosa variedad de materiales, que iban desde el plexiglás, la resina y la pintura, hasta la espuma, el papel de aluminio y las bolsas de papel. Tras pasar tres años en la United States Navy durante la II Guerra Mundial, Chamberlain se matriculó en el Instituto de Arte de Chicago y en el Black Mountain College, donde desarrolló los fundamentos críticos de su obra. Chamberlain vivió y trabajó en muchas partes de Estados Unidos, moviéndose entre Nueva York, Long Island, Los Ángeles, Santa Fe, Connecticut y Sarasota, antes de establecerse finalmente en Shelter Island. En muchos sentidos, cada lugar provocaba una sensibilidad material distinta, a menudo definida por la disponibilidad de ese material o las limitaciones del espacio físico. En Nueva York, Chamberlain sacó chatarra y placas acústicas de doce pulgadas del techo de su estudio. Eligió el uretano en Los Ángeles en 1965 (un material que había estado considerando durante muchos años), y la película en México en 1968. Finalmente, volvió al metal en 1972 y, en Sarasota, amplió la escala de sus obras para realizar sus icónicas Góndolas (1981 - 1982). El movimiento del artista y la posterior evolución de la obra son indicativos no sólo de una especie de inquietud estadounidense, sino también de la propia evolución personal de Chamberlain: a veces describía su uso de los materiales del automóvil como autorretratos escultóricos, impregnados del equilibrio y el ritmo característicos del propio artista. Chamberlain se negó a separar el color de su práctica, diciendo: "Nunca he pensado en la escultura sin color. ¿Ves algo a tu alrededor que no tenga color? ¿Vives en un mundo sin color?". En sus primeras esculturas, el color no se añadía, sino que se componía a partir de la paleta preexistente de las piezas de automóvil elegidas. Más tarde, en 1974, Chamberlain empezó a añadir color al metal, rociando y pulverizando -y a veces con chorro de arena- pintura y laca sobre sus componentes metálicos antes de integrarlos. Con sus obras de espuma de poliuretano, el color era una variable de la luz: los rayos ultravioleta o la luz solar convertían el material de blanco a ámbar. Fue este profundo efecto visual el que llevó la personal mano expresionista abstracta del artista a la escultura industrial tridimensional. Chamberlain se movió sin problemas por la escala y el volumen, creando exploraciones materiales en monumental papel de aluminio pintado de gran espesor en la década de 1970, y más tarde, en las décadas de 1980 y 1990, miniaturas en colorido papel de aluminio y acero pintado de cromo. Un aspecto central de las obras de Chamberlain es la noción de que la escultura denota mucho peso y fisicalidad, perturbando cualquier espacio que ocupe. En la serie Barcazas (1971 - 1983) fabricó inmensos sofás de espuma, invitando a los espectadores a descansar sobre el paisaje acolchado. Al final de su carrera, Chamberlain trasladó su práctica al exterior y, mediante una serie de decididos experimentos, creó finalmente brillantes esculturas de color caramelo en papel de aluminio retorcido. En 2012, cuatro de estas esculturas se expusieron en el exterior del edificio Seagram de Nueva York, acompañadas de títulos lúdicos como "PINEAPPLESURPRISE" (2010) y "MERMAIDSMISCHIEF" (2009). Estas obras finales ejemplifican la dedicación de toda la vida de Chamberlain al cambio: de sus materiales, de su práctica y, en consecuencia, del arte estadounidense. Chamberlain ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales, incluidas dos importantes Retrospectivas en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York en 2012 y 1971; "John Chamberlain, Squeezed and Tied. Foam and Paper Sculptures 1969-70,' Dan Flavin Art Institute, Dia Center for the Arts, Bridgehampton NY (2007); 'John Chamberlain. Foam Sculptures 1966-1981, Photographs 1989-2004,' Chinati Foundation, Marfa TX (2005); 'John Chamberlain. Current Work and Fond Memories, Sculptures and Photographs 1967-1995", Stedelijk Museum, Ámsterdam, Países Bajos (Exposición itinerante) (1996); y "John Chamberlain. Sculpture, 1954-1985,' Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles CA (1986). Las esculturas de Chamberlain forman parte de exposiciones permanentes en la Chinati Foundation de Marfa, Texas, y en Dia:Beacon, al norte del estado de Nueva York. En 1964, Chamberlain representó a Estados Unidos en el Pabellón Americano de la 32ª Exposición Internacional de la Bienal de Venecia. A lo largo de su vida ha recibido numerosos galardones, entre ellos el Doctorado en Bellas Artes, honoris causa, del College for Creative Studies de Detroit (2010); el Distinction in Sculpture Honor del Sculpture Center de Nueva York (1999); la Gold Medal del National Arts Club Award de Nueva York (1997); el Lifetime Achievement Award in Contemporary Sculpture del International Sculpture Center de Washington D.C. (1993); y la Skowhegan Medal for Sculpture de Nueva York (1993). -Cortesía de Hauser & Wirth Leo Castelli Leo Castelli nació en 1907 en Trieste, ciudad del mar Adriático que, en aquella época, era el principal puerto del Imperio Austrohúngaro. El padre de Leo, Ernest Kraus, era director regional del mayor banco de Austria-Hungría, el Kreditandstalt; su madre, Bianca Castelli, era hija de un comerciante de café de Triesten. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, la familia Kraus se trasladó a Viena, donde Leo continuó su educación. Un momento especialmente memorable para León durante este periodo de su vida fue el funeral del emperador Francisco José, al que asistió en noviembre de 1916. Leo y su familia regresaron a Trieste cuando terminó la guerra en 1918. Con la caída del Imperio Austrohúngaro, Trieste abrazó su nueva identidad italiana. Motivado por este cambio, Ernest decidió adoptar el apellido de soltera de su esposa, Castelli, que sonaba más italiano, y que también adoptaron sus hijos. En muchos sentidos, el regreso de los Castelli a Trieste tras la guerra supuso un nuevo comienzo optimista para la familia. Ernest fue nombrado director de la Banca Commerciale Italiana, que había sustituido al Kreditandstalt como primer banco de Trieste. Esta elevada posición permitió a Ernest y Bianca cultivar un estilo de vida cosmopolita. Juntos organizaban frecuentes fiestas que les ponían en contacto con un espectro de personalidades políticas, financieras y culturales. Crecer en un entorno así fomentó en Leo y sus dos hermanos, Silvia y Giorgio, un gran aprecio por la alta cultura. Durante este tiempo Leo desarrolló una pasión por la literatura moderna y perfeccionó su fluidez en alemán, francés, italiano e inglés. Tras licenciarse en Derecho en la Universidad de Milán en 1932, Leo comenzó su vida adulta como agente de seguros en Bucarest. Aunque a Leo el trabajo le pareció poco satisfactorio y tedioso, la gente que conoció en Bucarest compensó esta deficiencia. Entre los conocidos más significativos de Leo durante este tiempo estaba el eminente hombre de negocios Mihail Shapira. Con el tiempo, Leo entabló amistad con el resto de la familia Shapira y en 1933 se casó con la hija menor de Mihail, Ileana. En 1934 Leo e Ileana se trasladaron a París, donde, gracias a la influencia de su padrastro, Leo pudo conseguir trabajo en la sucursal parisina de la Banca d'Italia. Ese mismo año, Leo conoció al diseñador de interiores René Drouin, que se convirtió en su amigo íntimo. En la primavera de 1938, paseando por la plaza Vendôme, Leo y René se toparon con un escaparate en alquiler entre el hotel Ritz y una boutique de Schiaparelli. El espacio les impresionó inmediatamente como lugar ideal para una galería de arte, plan que se hizo realidad la primavera siguiente, en 1939. La Galería Drouin se inauguró con una exposición de pintura y mobiliario de artistas surrealistas como Léonor Fini, Augene Berman, Meret Oppenheim, Max Ernst y Salvador Dalí. A pesar del éxito de esta exposición inicial, la galería duró poco. Alemania invadió Polonia el 1 de septiembre de 1939, marcando el inicio de la Segunda Guerra Mundial y, en consecuencia, el fin temporal de la galería Drouin. René fue llamado a servir en el ejército francés, mientras Leo, Ileana y su hija Nina, de tres años, se trasladaron a la relativa seguridad de Cannes, donde la familia de Ileana poseía una casa de verano. A medida que la guerra se intensificaba, se hizo evidente que Europa ya no era segura para la familia Castelli: Leo e Ileana eran judíos. En marzo de 1941, Leo, Ileana y Nina huyeron a Nueva York llevando con ellos a la enfermera de Nina, Frances, y a su perro, Noodle. Tras un año de mudanzas por la ciudad, la familia fijó su residencia permanente en el número 4 de la calle 77 Este, en una casa adosada que Mihail había comprado. Nueve meses después de su llegada a Nueva York, en diciembre de 1943, Leo se alistó como voluntario en el ejército estadounidense, lo que aceleró su naturalización como ciudadano de EEUU. Debido a su facilidad con los idiomas, Leo fue destinado a servir en el Cuerpo de Inteligencia del U.S. Army, puesto que ocupó durante dos años, hasta febrero de 1946. Durante un permiso militar en 1945, Leo visitó París y se detuvo en la galería de la Place Vendôme, donde René había vuelto a abrir un negocio de venta de obras de artistas europeos de vanguardia como Jean Dubuffet y Jean Fautrier. El encuentro no sólo reavivó la amistad entre René y Leo, sino también el interés de este último por el comercio de arte, una actividad que Leo empezó a considerar más que un mero pasatiempo, sino una carrera en potencia. Tras reencontrarse, los dos amigos decidieron volver a asociarse, y Leo actuó como representante en Nueva York de la Galería Drouin. Trabajando como tal, Leo empezó a relacionarse con algunas de las figuras más influyentes del mundo del arte neoyorquino, como Peggy Guggenhiem, Sydney Janis, Willem de Kooning y Jackson Pollock. A finales de los años 40, los lazos de Leo con René Drouin habían empezado a aflojarse, mientras que su alianza con el marchante Sydney Janis se estrechaba. Janis abrió su galería de Nueva York en 1948 y en 1950 invitó a Leo a comisariar una exposición de artistas contemporáneos franceses y estadounidenses. La muestra estableció una importante conexión entre la venerable tradición del Modernismo europeo y los artistas emergentes de la Escuela de Nueva York. Poco después, en 1951, estos mismos artistas de la Escuela de Nueva York pidieron a Leo que organizara el innovador Ninth Street Show. Esta exposición fue decisiva para establecer el Expresionismo Abstracto como el movimiento artístico preeminente de la posguerra. Leo fundó su propia galería en 1957, transformando la sala de estar del cuarto piso de la casa adosada de la calle 77 en un espacio de exposiciones. Quizá el momento más crítico de la carrera de Leo se produjo ese mismo año, cuando visitó por primera vez los estudios de Robert Rauschenberg y Jasper Johns. En 1958 Leo organizó exposiciones individuales de Johns y Rauschenberg, en enero y marzo respectivamente. Para Johns, ésta fue la primera exposición individual de su carrera. Estas exposiciones recibieron una amplia aclamación crítica, consolidando la reputación de Leo no sólo como marchante, sino como árbitro de un nuevo e importante movimiento artístico. Durante la década de 1960, Leo desempeñó un papel fundamental en el lanzamiento de las carreras de muchos de los artistas más significativos del siglo XX, como Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenberg, Cy Twombly, Donald Judd, Dan Flavin, Robert Morris, Bruce Nauman, Richard Serra, Joseph Kosuth y Lawrence Weiner. Con su apoyo a estos artistas, Leo también ayudó a cultivar y definir los movimientos del Pop, el Minimalismo, el Arte Conceptual y el Postminimalismo. A medida que el negocio crecía a lo largo de los años 60 y las tendencias artísticas cambiaban a favor de obras más grandes, Leo se dio cuenta de que su galería adosada no bastaba para satisfacer estas nuevas demandas. Indicativa de la tendencia hacia el arte maximalista fue la exposición en la galería de la instalación seminal de James Rosenquist, F-111, en 1964. Esta obra mural de varios paneles, inspirada en los anuncios de las vallas publicitarias, llenaba las cuatro paredes de la galería de 4 East 77, casi como si intentara ampliar el espacio con su inmensidad y dinamismo. El auge de este tipo de arte impulsó a Leo, en 1968, a adquirir un loft industrial en Harlem que pasó a conocerse como el Almacén Castelli. Mientras seguía celebrando exposiciones más íntimas en la galería de 4 East 77th Street, el almacén se convirtió en un espacio para exponer obras de nuevos medios, como Continuous Project Altered Daily (1969), de Robert Morris, y Dis-play II (1970), de Keith Sonnier. La expansión de la galería de Leo continuó en la década de 1970 con el establecimiento de un nuevo local en el Soho, en el 420 de West Broadway. Como en el caso del almacén, este traslado estuvo motivado principalmente por el deseo de Leo de satisfacer las necesidades derivadas de los nuevos desarrollos artísticos. Esta vez, sin embargo, Leo respondió a la oleada de arte y música experimentales que arrasó Nueva York en los años 70, impulsada en gran medida por artistas que trabajaban en los barrios del centro de la ciudad. Leo se entrecruzó con esta nueva corriente artística acogiendo actuaciones de artistas tan diversos como Joan Jonas, Poppy Johnson, Richard Landry y Philip Glass. El crecimiento de la Galería Castelli continuó durante los años 80 y 90. En 1980 Leo abrió un segundo local en el Soho, en el 142 de Greene Street. Tras el cierre del Almacén Castelli en 1971, este nuevo espacio se convirtió en el lugar principal de la galería para exponer obras a gran escala. Una de las exposiciones más notables que se celebraron en este espacio fue el Mural de la calle Greene, de Roy Lichtenstien, que se inauguró el 3 de diciembre de 1983. Para este proyecto sin precedentes, Lichtenstein pintó el mural de 18 x 96 ½ pies directamente sobre las paredes de la galería. Cuando se clausuró la exposición en enero de 1984, la obra fue destruida. A lo largo de su carrera, hasta su muerte el 22 de agosto de 1999, Leo mantuvo estrechas relaciones de trabajo con artistas cuyas carreras había ayudado a forjar y que, a su vez, contribuyeron a forjar su propia carrera como marchante. Jasper Johns, Roy Lichtenstein y Bruce Nauman, en particular, son tres artistas que Leo descubrió y que permanecieron en la galería hasta la muerte de Leo. Este interés por trabajar con artistas a largo plazo se refleja también en las numerosas y generosas donaciones de obras de arte que Leo ha hecho a museos de gran calibre, como el Museo de Arte Moderno. Estas donaciones atestiguan el profundo interés de Leo no sólo en cultivar el valor a corto plazo del arte como mercancía, sino en garantizar el valor cultural de estas obras para siempre. -Cortesía Castelli

Creador:
John Chamberlain (1927, Americana)
Año de creación:
1982
Dimensiones:
Altura: 16,51 cm (6,5 in)Anchura: 21,59 cm (8,5 in)
Medio:
Tinta,Litografía,Offset
Movimiento y estilo:
Expresionismo abstracto
Época:
1980-1989
Estado:
Muy buen estado vintage.
Ubicación de la galería:
New York, NY
Número de referencia:
1stDibs: LU1745215030052

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