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Stuart Davis« NY Street Signs » Mid-20th Century WPA 1938 Modernist Abstract Realism Pop Art1938
1938
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« NY Street Signs » Mid-20th Century WPA 1938 Modernist Abstract Realism Pop Art
Stuart Davis (américain, 1892-1964) "Street Signs" Gouache moderniste et traces de crayon sur papier dans le style proto-pop art pour lequel Davis est célèbre, 1938, signé en bas à droite, encadré. Image : 11 1/4 x 15 1/4 pouces. Cadre par écorce : 18 1/2 x 22 pouces.
LITTÉRATURE : A, Boyajian, M. Rutkowski, Stuart Davis, A Catalogue Raisonne, Vol. 2, New Haven, Connecticut, 2007, vol. II, p. 632, n° 1232, illustré.
EXPOSITIONS : ACA Galleries, New York American Artists' Congress : Group Exhibition of Paintings and Sculpture, 3-16 décembre 1939 (SDAB I, 12/3/39, p. 129). Outlines Gallery, Pittsburgh, Stuart Davis, 3-16 mars 1946. Coleman Art Gallery, Philadelphie, 5 Prodigal Sons : Former Philadelphia Artists : Ralston Crawford, Stuart Davis, Charles Demuth, Julian Levi, Charles Sheeler, 4 - 30 octobre 1947 (brochure), n° 12.
PROVENANCE : l'artiste ; M. et Mme Frank Bowles, New York, 3 avril 1956 ; puis par filiation, Collectional, New York.
NOTES : D'après le Catalogue Raissonne, " le titre " Panneaux de rue " est inscrit dans les livres de comptes de l'artiste (SDAB I, 12/3/39, p. 129 ; SDAB III. No. 89, 4/3/56, pp. 252-253), et dans les listes de stock de la Downtown Gallery vers 1946-56 et le bordereau d'achat du 4/3/56. Davis documente l'achèvement de cette œuvre dans son calendrier, SDC 6.5.38, où il fait référence à cette gouache avec le titre de travail : "N.Y.". Les plaques de rue".
BIO
Admiré pour son indépendance artistique, son utilisation brillante de la couleur et son esprit, Stuart Davis est considéré comme l'un des meilleurs modernistes de l'entre-deux-guerres. Fils de parents artistes qui se sont rencontrés alors qu'ils étudiaient à l'Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, il a trouvé sa place parmi les courants de l'art américain du XXe siècle plus tôt que certains de ses pairs. Parmi ses premiers mentors dans le monde de l'art, on trouve les artistes connus sous le nom de The Eight et, plus tard, l'Ashcan School. À l'époque de la naissance de son fils, le père de Davis, éditeur d'art, employait certains de ces artistes à la Philadelphia Press et le lien familial s'est maintenu au cours des années suivantes.
Adolescent, Davis quitte le lycée du New Jersey pour New York, où il reçoit une formation artistique formelle de 1910 à 1913 à l'école fondée par Robert Henri, père artistique des Huit. Bien que HENRY ait travaillé dans une veine réaliste, il a rejeté l'idéalisme académique et a incité ses étudiants à observer et à dessiner la vie urbaine telle qu'elle est vécue dans les rues, les music-halls, les tavernes et d'autres lieux. Davis a vécu à Newark pendant ses études d'art ; dans les bars qu'il fréquentait, il a développé une passion durable pour la précision technique et la spontanéité expressive du jazz.
Avec ses cinq aquarelles, Davis fait partie des plus jeunes participants à l'Armory Show (Exposition internationale d'art moderne) de 1913, organisée par un groupe d'artistes afin de présenter aux Américains les nouveaux développements de l'art outre-Atlantique et dans leur pays d'origine. Artistics par les innovations formelles et l'utilisation audacieuse de la couleur par les modernistes européens, en particulier Matisse, van Gogh et Gauguin, Dedic consacre les années suivantes à devenir un artiste moderne.
Au début des années 1920, Davis a abandonné le réalisme figuratif de ses débuts. Quel que soit le degré d'abstraction de son travail - qui a varié tout au long de sa carrière - il s'est toujours considéré comme un observateur du monde qui l'entourait. En 1951, il regrette "d'avoir été longtemps "catalogué" comme "abstrait", car mon intérêt pour les abstractions est pratiquement nul"(1). Il identifie plutôt ses peintures comme des "compositions couleur-espace", dans lesquelles les zones de couleur définissent des relations spatiales. Davis a appliqué ses concepts formels à des sujets allant des natures mortes aux paysages, en passant par l'imagerie commerciale et d'autres aspects de la vie urbaine.
De même qu'un musicien de jazz riffe sur des bribes empruntées à la musique populaire ou explore toutes les permutations d'une même phrase, Davis puise dans un puits personnel de points de référence, les remodelant en de nouvelles images. En 1942, il note dans son carnet : "Je peux travailler à partir de la Nature, d'anciennes esquisses et de mes propres peintures, de photographies et d'autres œuvres d'art. Dans chaque cas, le processus consiste à transposer les formes du sujet dans un continuum espace-couleur cohérent et objectif, qui évoque une réponse sensorielle directe à la structure."
Du vivant de Davis, son œuvre a fait l'objet de rétrospectives au Museum of Modern Art de New York (1945) et au Walker Art Center de Minneapolis (1957), et a été incluse dans un grand nombre d'expositions collectives consacrées à l'art moderne ou à l'art abstrait. Parfois considéré comme un précurseur des artistes Pop de la génération suivante, Davis partageait leur engagement dans la culture de masse américaine, voire leur tendance à donner un statut d'icône à des fragments de la vie quotidienne. Au lieu de cela, Davis a transformé les objets, l'imagerie et le langage de la modernité en notes de grâce dans ses impressions vives de l'expérience urbaine. Conscient de sa position en tant que participant et chroniqueur de son époque culturelle, il notait : "Un artiste qui a voyagé dans un train à vapeur, conduit une automobile ou volé dans un avion n'a pas les mêmes sentiments à l'égard de la forme et de l'espace que celui qui ne l'a pas fait".
- Créateur:Stuart Davis (1892-1964, Américain)
- Année de création:1938
- Dimensions:Hauteur : 46,99 cm (18,5 po)Largeur : 55,88 cm (22 po)Profondeur : 2,54 cm (1 po)
- Support:
- Mouvement et style:
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- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1156213415932
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Sybil Andrews CPE (Britannique/Canadienne, 1898-1992)
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12 x 16 1/2 pouces
Linogravure couleur
Signée, titrée, inscrite "Second State" et numérotée 13/60 au crayon.
Encadré : 19 x 24 pouces
Littérature : Coppel Sa17
Illustré à la page 10 du catalogue
Le tirage proposé pour le premier état du câble géant était de 50, mais seules 30 impressions ont été tirées. Andrews a supprimé le fond bleu pour le second état, qui a été publié sous le titre The New Cable dans une édition de 60 exemplaires.
BIO
Sybil Andrews était une graveuse, peintre, graphiste et éducatrice née à Bury St. Edmonds, Suffolk, Angleterre. Elle s'est installée à Londres (Angleterre) en 1922. En 1947, elle a émigré à Campbell River (île de Vancouver), en Colombie-Britannique, au Canada, où elle a travaillé, enseigné et vécu le reste de sa vie. Elle est morte dans un hôpital de Victoria (B.C.).
Ses moyens d'expression étaient la linogravure (1) (la plus célèbre), l'eau-forte, les affiches, les pastels, l'encre, l'aquarelle, la monoprint et l'huile. Ses sujets étaient l'activité humaine (travail, sport, voyage, etc.), les personnages, les animaux, le genre, l'allégorie, l'architecture et le paysage. Son style était l'Art déco (voir les styles AskART), le Futurisme, le Cubisme et le Vorticisme (2). Son travail se caractérise par un format simple, des lignes épurées, des distorsions, des couleurs vives, un aspect dramatique et un rythme.
Citation : "La linogravure en couleur était le moyen idéal pour moi, qui m'intéresse aux dynamiques, aux idées et aux motifs... Il est impossible d'être pointilleux sur les lignes, il faut simplifier, on est obligé de simplifier son idée à ses fondamentaux." Andrews a produit 76 linogravures au cours de sa vie, dont 43 ont été réalisées entre 1929 et 1939, période considérée comme sa meilleure.
Le cours d'art par correspondance de John Hassall (1918) marque le début de son éducation artistique formelle. Elle se rend ensuite à la Heatherley's School of Fine Art (Londres/1922) où elle étudie avec Henry Massey (voir AskART) et rencontre son partenaire artistique Cyril Power (voir AskART). Parallèlement, elle étudie de manière indépendante avec le sculpteur Henri Glicenstein (voir AskART) qui lui apprend la gravure à la pointe sèche et à dessiner d'après nature.
Elle a également fréquenté l'école d'art moderne Grosvenor (1925). Iain McNab (1890-1967) a été son directeur et Claude Flight (3) (voir AskART) un instructeur qui a eu une grande influence sur son choix de la linogravure comme médium principal. Parmi ses autres élèves et ses collaborateurs, citons Edith Lawrence (1890-1973), Lill Tschudi (1911-2001), Eileen Mayo (voir AskART) et William Greengrass (1896-1970). Après avoir émigré au Canada, elle a enseigné l'art sans interruption jusqu'à un mois avant sa mort.
Elle a été élue membre de la Canadian Painters - Etchers Society (après 1976, le Print and Drawing Council of Canada) en 1951.
Elle a commencé à exposer ses œuvres en 1921 et a participé en 1929 à la "Première exposition de linogravures britanniques" à la Redfern Gallery de Londres, où elle a continué à exposer jusqu'en 1939. Elle a également participé à la "12th International Print Makers Exhibition", Los Angeles Museum, USA (1931) ; à la "15th International Print Makers Exhibition", Los Angeles Museum (1934) ; à "Two Hundred Years of British Graphic Art", (Prague, Vienna, Bucharest/1935) ; la "16e exposition internationale d'estampes", musée de Los Angeles (1935) ; la "17e exposition internationale d'estampes", musée de Los Angeles (1936) ; la "19e exposition internationale d'estampes", musée de Los Angeles (1938) ; la "Northwestern Printmakers Annual", Seattle Art Museum (1953) ; l'exposition "Modern Sacred Art", parrainée par le Congrès interaméricain d'histoire et d'art religieux, Museo Historico de la Iglesia de Argentina, Buenos Aires, Argentine (1954) ; l'exposition "Northwestern Printmakers Annual", Seattle Art Museum (1953) ; l'exposition "Northwestern Printmakers Annual", Seattle Art Museum (1954) ; "Northwestern Printmakers Annual", Seattle Art Museum (1955) ; "A Retrospect Into Canadian Printmaking", Toronto Public Reference Library (1958) ; "British Printmakers 1850-1940", P & D. Colnaghi & Co. Ltd, Londres (1975) ; "Futuristi Inglesi : Claude Flight & la Sua Cerchia" (tournée italienne comprenant Gênes, Milan, Rome, Bologne, Brescia, Bolsano, Padua) sous le parrainage de la Compagnia del Disegno (1977-1978) ; et dans "The Society of Canadian Painter-Etchers and Engravers in Retrospect", organisé pour une tournée nationale par la Art Gallery of Hamilton (Ontario/1981). En 1982-83, le Glenbow Museum de Calgary (Alberta) a organisé une grande rétrospective de son travail qui a fait le tour du Canada et, en 1990, elle a participé à l'exposition "Avant-Garde British Printmaking 1914-1960" du British Museum.
D'autres expositions individuelles et collectives ont eu lieu à la Galerie nationale du Canada (Ottawa/1935), à la National Gallery of South Australia (Adelaide/1940), à la Gainsborough Gallery (Johannesburg, Afrique du Sud/1945), à la Vancouver Art Gallery (B.C./1948/voyage), le Musée royal de l'Ontario (Exposition CPE) (Toronto/ 1949, 50,51, 52, 53,54,56, 57, 58, 59, 60, 62, 64, 65, 69), l'Edmonton Museum of Arts (Alberta/1951), et l'Art Gallery of Greater Victoria (B.C./1976). En 2006, deux des linogravures les plus célèbres d'Andrews, "Speedway" et "Racing", ont été exposées au Museum of Modern Art (NYC).
Parmi les collections publiques, citons la Galerie nationale du Canada (Ottawa), le Museum of Modern Art (New York), le Victoria and Albert Museum (Londres), la National Gallery of Australia (Canberra), le Legion of Honor Museum (San Francisco), le Cleveland Museum of Art, le British Museum (Londres), la Art Gallery of Greater Victoria (Colombie-Britannique), le Los Angeles County Museum of Art et bien d'autres encore.
Le Glenbow Museum de Calgary est un centre important pour l'étude de son œuvre, avec plus de 1000 exemples, dont toutes ses célèbres linogravures en couleur, les blocs de linoléum originaux, des peintures à l'huile et à l'aquarelle, des dessins, des gravures à la pointe sèche, des carnets de croquis et des documents personnels. Le service du patrimoine du conseil municipal de St. Edmundsbury possède également une très grande collection conservée à la Bury St Edmonds Art Gallery, Moyses Hall, Bury St Edmonds, Suffolk.
En tant qu'artiste de premier plan, son travail est évoqué dans de nombreux articles de magazines et de journaux. Elle est également citée dans A Dictionary of Canadian Artists (1974), par Colin S. MacDonald ; The Collector's Dictionary of Canadian Artists at Auction (2001), par Anthony R...
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