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ArmanBoom Boom (Guns) estampe du milieu du siècle, New York International portfolio S/N 1960.1965
1965
877,39 €
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À propos de cet article
Arman
Boom Boom (variation unique du New York International Portfolio), 1965
Sérigraphie avec ajouts au crayon.
Signé au crayon et numéroté 12/225 au recto
Publié par Chiron Press, avec le cachet de l'éditeur sur le devant.
Provenance : Acquis du portefeuille international de New York.
17 × 22 pouces
Edition de 225
Non encadré
Bien que cette sérigraphie et ce pochoir fassent partie d'une édition de 225 exemplaires, chaque tirage est unique car le pistolet dessiné au pochoir à la main est placé différemment sur chaque image : "L'artiste a dessiné des pistolets sur la sérigraphie à partir de laquelle les tirages ont été réalisés. Les nombreux revolvers, en s'accumulant, deviennent autant de têtes de cheval. Ils gambadent comme les collines du palmier. Les pistolets à rayons de Claes Oldenburg de 1959 sont évoqués, de même que les accumulations de lunettes et de chaussures à talons hauts d'Arman. Les pistolets argentés et dorés - aluminium et laiton - prennent la lumière différemment du noir et du rouge simple.Silhouette noire, contour simple, tache "arbitraire" et hachures continues sont autant de façons de dessiner le pistolet. L'effet est vivant, pas mortel" (extrait de l'introduction du portfolio par Henry Geldzahler). La présente œuvre est une sérigraphie signée et numérotée à la main, avec des variations uniques au crayon, tirée du portfolio international de New York (qui comprenait également des œuvres de Willi (Mary) Baumeister, Robert Motherwell, Oyvind Fahlstrom, John Goodyear, Charles Hinman, Allen Jones, Ad Reinhardt, James Rosenquist et Saul Steinberg). Extrait du catalogue du MOMA présentant cette estampe : "L'accumulation et la répétition sont les caractéristiques de l'œuvre de l'artiste Nouveau Réaliste Arman. À l'instar de l'art des autres membres de ce groupe parisien vaguement défini, l'œuvre d'Arman signale le retour de l'intérêt pour l'environnement urbain industrialisé après la prédominance de la peinture abstraite. Ses constructions inventives intègrent de nombreux produits manufacturés, tels que des chaussures, des pièces de voiture, des violons et des tubes de peinture. Délaissant la marque artistique personnelle, Arman a commencé à faire des tampons en caoutchouc en 1955, qui, à la fin de la décennie, ont évolué pour devenir ses tracés - des impressions sur toile faites par des objets trempés dans la peinture. Les revolvers sont un motif constant dans l'œuvre d'Arman, depuis l'accumulation Boom!Boom ! de 1960 jusqu'à l'apparition, en 1979, de Tools of Persuasion. D'autres objets de violence, comme les sabres et les masques à gaz, apparaissent également dans les œuvres du début des années 1960. Durant cette période, Arman a commencé ses actions agressives intitulées Coleres ou Tantrums, qui consistaient notamment à dynamiter une voiture et à briser un violoncelle sur scène. Cette période de motifs violents reflète en partie les expériences de guerre d'Arman et coïncide avec la tension accrue à Paris à propos de la guerre d'Algérie. (1956-1962).
Arman a été inspiré par les gravures de Jasper Johns qu'il a vues lors de son premier voyage à New York en 1961. Parmi les premières gravures d'Arman figurent plusieurs lithographies et monotypes composés de rendus ou d'empreintes répétées d'un objet. En 1966, Rosa Esman de Tanglewood Press l'invite à participer à son portfolio New York International. Après le succès de sa première maison d'édition, New York 10, Artistics a choisi de travailler avec une liste internationale d'artistes, dont beaucoup ont eu des expositions réussies à New York cette saison-là. Des artistes plus établis, tels que Robert Motherwell et ADS, ont également été inclus.
Plus d'informations sur Arman
Je me spécialise beaucoup dans... tout", a déclaré l'artiste américain d'origine française Arman à un intervieweur en 1968. "Je n'ai jamais été - comment dire ? Un dilettante". Considéré comme l'un des créateurs les plus prolifiques et les plus inventifs de la fin du XXe siècle, Arman a produit une vaste gamme d'œuvres artistiques allant des dessins et des gravures aux sculptures publiques monumentales, en passant par ses célèbres "accumulations" d'objets trouvés. Son œuvre, fortement influencée par DADA et, à son tour, par le Pop Art, figure dans les collections d'institutions telles que le Metropolitan Museum of Art de New York, la Tate Gallery de Londres et le Centre Pompidou de Paris.
Né à Nice en 1928, Armand Pierre Fernandez manifeste dès l'enfance un talent précoce pour la peinture et le dessin. (Inspiré par Vincent van Gogh, il a signé ses premières œuvres de son seul prénom ; il a conservé l'orthographe erronée de son nom par l'imprimeur en 1958 pour le reste de sa carrière). Fils d'un antiquaire et d'une violoncelliste amateur, l'artiste s'imprègne très tôt d'un goût prononcé pour la musique, l'art de la Collectional et la culture du goût. Après des études à l'École nationale des arts décoratifs de Nice, Arman se rend à Paris pour étudier l'histoire de l'art à l'École du Louvre. Au cours de ces premières années, son travail se concentre sur des peintures abstraites inspirées par l'œuvre de Nicolas de Staël. Grand lecteur, Arman a cherché l'inspiration dans les livres et les revues d'art, ainsi que lors de fréquents voyages à travers l'Europe avec ses amis artistes de Nice, Claude Pascale et Yves Klein.
Arman
Arman est né à Nice, en France, en 1928, et a montré un talent pour la peinture et le dessin dès son enfance. Il a étudié à l'École nationale des arts décoratifs de Nice, puis à l'École du Louvre à Paris. Dans ses premières années, il s'est concentré sur les peintures abstraites. Puis, en 1957, il s'intéresse aux objets usuels en tant qu'œuvres d'art. Il réalise d'abord ce que l'on appellera ses "allures d'objet", où il trempe un objet dans la peinture et le presse sur la toile, laissant ainsi l'ombre ou l'empreinte de l'objet. Puis il a décidé que l'objet lui-même valait la peine qu'on s'y intéresse et a commencé à les traiter à sa manière. Son intention était de supprimer la fonction matérielle d'un objet afin que la seule fonction restante soit de "nourrir l'esprit" en tant qu'œuvre d'art. Quel meilleur moyen d'atteindre ce résultat que de briser, découper ou même brûler des objets tels que des violons, des téléphones, des machines à écrire ou même des voitures entières ? Il a également rendu des objets inutiles en les accumulant, comme 2 000 montres-bracelets dans une boîte en plexiglas qui donnaient toutes une heure différente. Une fois détaché émotionnellement des circonstances associées à un objet cassé, le spectateur pouvait en apprécier la beauté abstraite ; ainsi, dans un sens, Arman enseignait littéralement que des choses dont on n'aurait jamais pensé qu'elles pouvaient être considérées comme attrayantes pouvaient en effet le devenir. Grâce à cette réalisation, Gaines a acquis une reconnaissance mondiale et est considéré comme l'un des créateurs les plus prolifiques et les plus inventifs de la fin du XXe siècle. Ses œuvres figurent dans les collections de nombreux musées, dont le Metropolitan Museum of Art de New York, la Tate Gallery de Londres et le Centre Pompidou de Paris. Les œuvres d'Arman ont également été exposées dans des galeries, des musées et des espaces publics du monde entier, notamment au Musée d'art contemporain de Téhéran (Iran), au Musée d'art de Tel Aviv (Israël), au Musée des arts décoratifs et à l'Opéra de Paris (France), au La Jolla Museum Contemporary (Californie) et au Guggenheim (New York). Il est décédé en 2005 à New York.
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Jack WOLFS
Sans titre, 1965
Acrylique et collage sur panneau
Signé à la main au recto
Cadre inclus : dans le cadre vintage d'origine avec l'étiquette de la galerie d'origine.
Unique en son genre
Provenance : The Parker Gallery 470, Boston, Mass (avec étiquette au verso)
Excellent travail expressionniste abstrait en techniques mixtes.
Mesures :
Image :
17" x 24"
Encadré :
24" x 28" x 1"
D'après Wiki :
Jack WOLFS (14 janvier 1924 - 18 novembre 2007) était un peintre américain du XXe siècle, surtout connu pour son art abstrait, ses portraits et ses peintures politiques. Jack WOLFS est né à Omaha, dans le Nebraska, le 14 janvier 1924, de Blanche et Everett L. Wolfe. Peu après sa naissance, sa famille déménage à Brockton, dans le Massachusetts. À 18 ans, WOLFS s'intéresse à l'illustration commerciale, qu'il poursuit à la Rhode Island School of Design (RISD). Cependant, lorsqu'il s'inscrit à la RISD en 1942, il développe un intérêt pour les beaux-arts et la peinture, inspiré par une exposition d'art moderne français. Il a décrit ce changement de direction en expliquant qu'"un jour, pour la première fois, j'ai vu une exposition d'art moderne français. C'est comme si j'avais été frappé par la foudre". Il s'est particulièrement intéressé au travail d'un certain nombre de modernistes européens, dont Rouault, Cézanne, Braque, Modigliani et Picasso[1]. Après son séjour à la RISD, il a obtenu un master en beaux-arts à l'école du musée des beaux-arts de Boston, dans le Massachusetts. À l'école du musée, Wolfe a étudié avec le célèbre expressionniste Karl Zerbe, un artiste d'origine allemande qui a été le professeur le plus influent et le plus important de l'école du musée jusqu'en 1953[2]. Après avoir obtenu son diplôme de l'école du musée, Wolfe a été représenté par la Margaret Brown Gallery à Boston, qui représentait également de nombreux autres artistes modernes d'avant-garde qui défiaient les goûts plus conservateurs des collectionneurs de la Nouvelle-Angleterre à l'époque, notamment György Kepes, Congur Metcalf, et Alexander Calder[3].
Représentation des carrières et des musées
Peinture de Jack WOLFS "Robin's Rock" 1962, 72" x 72"
Les œuvres de Jack Wolfe ont été reconnues très tôt par un certain nombre d'organisations et ont régulièrement fait l'objet d'expositions influentes, notamment le Carnegie International de 1955 au Carnegie Institute de Pittsburgh, PA, l'exposition itinérante New Talent in the USA de l'American Federation of Art en 1956-57, l'exposition Young America du Whitney Museum en 1957[4], l'exposition Selection du Boston Institute of Contemporary Art en 1957[5], ainsi que l'exposition annuelle de 1958 du Whitney Museum et l'exposition Forty Artists Under Forty en 1962-63[6].[En 1959, son Portrait d'Abraham Lincoln, largement acclamé, a fait le tour de l'Europe dans le cadre d'une exposition diffusée par l'Institute of Contemporary Art de Boston. En outre, son tableau Crucifixion...
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