Henri Matisse - Le pont du Saint Michel - gravure originale

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Henri Matisse
Henri Matisse - Le pont du Saint Michel - gravure originale
1927

Name: Henri Matisse - Le pont du Saint Michel - gravure originale
Brand: Henri Matisse
Rating: 4.9 (60 reviews)

Prix :1 050 $US

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À propos de cet article

Henri Matisse - Le pont du Saint Michel - gravure originale Signé dans la plaque Dimensions : 13 x 10". Papier : Vellum de Rives. Edition : 225 exemplaires. 1927 Des Tableaux de Paris, Emile-Paul Frères, Paris BIOGRAPHIE DE MATISSE JEUNESSE ET ÉDUCATION PRÉCOCE Henri Emile Benoît Matisse est né dans une minuscule maison de tisserand en ruine, rue du Chêne Arnaud, dans la ville textile de Le Cateau-Cambrésis, à huit heures du soir, la dernière nuit de l'année, le 31 décembre 1869 (Le Cateau-Cambrésis se trouve à l'extrême nord de la France, près de la frontière belge). La maison avait deux pièces, un sol en terre battue et un toit qui fuyait. Matisse a dit longtemps après que la pluie tombait par un trou au-dessus du lit dans lequel il est né. Les ancêtres de Matisse avaient vécu dans la région pendant des siècles avant les bouleversements sociaux et industriels convulsifs du XIXe siècle. Matisse a grandi dans un monde qui se détachait encore d'un mode de vie en quelque sorte inchangé depuis l'époque romaine. L'arrivée du chemin de fer avait placé Bohain sur la carte industrielle, mais les gens se déplaçaient encore partout à pied ou à cheval. Le père de Matisse, Émile Hippolyte Matisse, était un marchand de grains dont la famille était tisserande. Sa mère, Anna Héloïse Gerard, était issue d'une longue lignée de tanneurs aisés. Chaleureuse, extravertie, compétente et énergique, elle était petite et solidement bâtie avec la silhouette à la mode de l'époque : seins et hanches pleins, taille étroite, chevilles soignées et petits pieds élégants. Elle avait la peau claire, de larges pommettes et un large sourire. "Ma mère avait un visage aux traits généreux", disait son fils Henri, qui parlait toujours d'elle avec une tendresse particulière de la sensibilité. Pendant les quarante années de son mariage, elle a apporté à son mari et à ses fils un soutien inébranlable, digne d'un roc. Matisse dira plus tard : "Ma mère aimait tout ce que je faisais". Il grandit dans la ville voisine de Bohain-en-Vermandois, un centre industriel textile, jusqu'à l'âge de dix ans, lorsque son père l'envoie au lycée de Saint-Quentin. Anna Héloïse a travaillé dur. Elle dirigeait la section du magasin de son mari qui vendait des peintures d'intérieur, préparant les commandes des clients et les conseillant sur la palette de couleurs. Les couleurs ont manifestement laissé une impression durable sur HENRY. L'artiste lui-même a déclaré plus tard qu'il tenait son sens des couleurs de sa mère, qui était elle-même une peintre accomplie sur porcelaine, une forme d'art en vogue à l'époque. HENRY est le premier fils du couple. Le jeune Matisse est maladroit et semble mal adapté aux rigueurs du Nord ; il déteste notamment les hivers glacials. C'était un enfant pensif et, selon ses propres dires, il était rêveur, frêle et peu brillant. Plus tard, il n'a jamais perdu son attachement à sa terre natale, aux semences et aux plantes qu'il avait rencontrées dans sa jeunesse. Les pigeons de luxe qu'il a gardés à Nice plus d'un demi-siècle après son départ rappellent les pigeonniers des tisserands cachés derrière la plus humble des maisons de Bohain. Les souvenirs d'enfance de Matisse témoignent d'une éducation sévère. "Faites vite !" "Attention !" "Allez-y !" "Les refrains qui résonnaient dans ses oreilles d'enfant étaient : "Fais-toi plaisir ! À une époque où la survie dépendait des habitudes d'économie et d'abnégation, l'artiste s'enorgueillissait d'être un homme du Nord. Lorsque Matisse eut à son tour des enfants à élever, il se reprocha tout manquement à la discipline ou toute manifestation ouverte de tendresse, qu'il considérait comme une faiblesse de sa part. En 1887, il se rend à Paris pour étudier le droit et travaille comme administrateur judiciaire au Cateau-Cambrésis après avoir obtenu son diplôme. Bien qu'il considère le droit comme une activité fastidieuse, il passe néanmoins le barreau en 1888 avec distinction et commence à exercer à contrecœur. Une fois que Matisse a terminé ses études, son père, un homme beaucoup plus pratique, fait en sorte que son fils obtienne un poste de clerc dans un cabinet d'avocats. PEINTURE : DÉBUT La découverte par Matisse de sa Trueing profession s'est faite d'une manière inhabituelle. À la suite d'une crise d'appendicite, il commence à peindre en 1889, sa mère lui ayant apporté des fournitures artistiques pendant sa convalescence. Il a déclaré plus tard : "Dès que j'ai tenu la boîte de couleurs dans mes mains, j'ai su que c'était ma vie. Je m'y suis jeté comme une bête qui plonge vers ce qu'elle aime." La mère de Matisse fut la première à conseiller à son fils de ne pas adhérer aux "règles" de l'art, mais plutôt d'écouter ses propres émotions. Matisse était si attaché à son art qu'il adressa plus tard un avertissement à sa fiancée, Amélie Parayre, qu'il épousa par la suite : "Je vous aime tendrement, mademoiselle ; mais j'aimerai toujours plus la peinture". Matisse avait découvert "une sorte de paradis", comme il le décrivit plus tard. Son changement radical de profession a profondément déçu son père. Deux ans plus tard, en 1891, Matisse retourne à Paris pour étudier l'art à l'Académie Julian et devient l'élève de William-Adolphe Bouguereau. Après une année décourageante à l'Académie Julian, il quitte l'établissement, dégoûté par le style trop perfectionniste de l'enseignement. Il se forme ensuite auprès de Gustave Moreau, un artiste qui nourrit des penchants plus progressistes. Dans les deux studios, comme à l'accoutumée, les étudiants ont dessiné d'interminables études de figures d'après nature. De Bouguereau, il retient les leçons fondamentales de la peinture classique. Le fil à plomb est le seul outil technique qu'il utilise depuis l'école d'art, presque un fétiche. Aussi bizarres que soient les angles dans n'importe quel Matisse, les verticales sont généralement tout à fait vraies. Moreau était un peintre qui méprisait l'"art du salon", Matisse était donc destiné, dans un certain sens, à rester un "paria" du monde de l'art. Il échoue d'abord à son examen de dessin pour l'admission à l'École des Beaux-Arts, mais persiste et est finalement accepté. Matisse commence à peindre des natures mortes et des paysages dans le style flamand traditionnel, qu'il maîtrise assez bien. La plupart de ses premières œuvres utilisent une palette sombre et ont tendance à être lugubres. Chardin était l'un des peintres les plus admirés de Matisse, ayant réalisé quatre des tableaux du maître français de la nature morte conservés au Louvre. Bien qu'il ait exécuté de nombreuses copies d'après les maîtres anciens, il a également étudié l'art contemporain. Ses premières expérimentations lui valent la réputation de membre rebelle de ses classes d'atelier. En 1896, Matisse est élu membre associé de la Société nationale, ce qui signifie que chaque année, il peut exposer des peintures au Salon de la Société sans avoir à les soumettre à un examen. La même année, il expose cinq tableaux au salon de la Société nationale des beaux-arts et l'État achète deux de ses toiles. C'est la première et presque unique reconnaissance qu'il a reçue dans son pays natal au cours de sa vie. En 1897 et 1898, il rend visite au peintre John Peters Russell sur l'île de Belle Île, au large de la Bretagne. Russell l'initie à l'impressionnisme et à l'œuvre de Van Gogh, qui avait été un bon ami de Russell mais qui était totalement inconnu à l'époque. Le style de Matisse changea complètement, et il dira plus tard : " Russell était mon professeur, et Russell m'a expliqué la théorie des couleurs. " Matisse a également observé les mariages stables de Russell et d'autres artistes. Cela l'a probablement incité à trouver en Amélie Noellie Parayre, sa future épouse, son point d'ancrage. La Table à manger (1897) est le premier chef-d'œuvre de Matisse, qui a passé tout l'hiver à travailler sur cette œuvre. Bien que le Salon ait exposé l'œuvre, il l'a accrochée à un mauvais endroit, dégoûté par ce qu'il considérait comme ses aspects radicaux et impressionnistes. Caroline Joblaud a été l'amante précoce de Matisse pendant quatre ans, au cours de ses premières luttes pour affirmer sa direction artistique et sa carrière professionnelle. Caroline (également appelée Camille) a donné à Matisse sa première fille Marguerite en 1894, qui, après le mariage de Matisse avec Amélie Noellie Parayre, a été chaleureusement acceptée contrairement à l'hostilité conventionnelle que de tels arrangements provoquaient. Caroline a posé à plusieurs reprises pour les compositions de l'artiste tandis que Marguerite a servi de nombreuses fois de modèle à Matisse tout au long de sa vie. MARIAGE AVEC AMÉLIE NOELLIE PARAYRE Les Matisse de Bohain et les Parayre de Beauzelle n'avaient extérieurement rien en commun, et il n'y avait aucune raison pour que Matisse et Amélie se soient jamais rencontrés. Mais en octobre 1897, Matisse se rend à un mariage à Paris et s'assoit à côté d'elle lors du banquet hilarant qui s'ensuit. Il n'y avait pas eu de flirt banal entre eux, même lorsque le vin coulait à flots, chacun reconnaissait l'autre comme un véritable métal, et lorsqu'ils se levèrent de table, elle tendit la main à Henri Matisse d'une manière qu'il n'oublia jamais. À cette époque, Matisse n'est pas encore la figure professorale de la légende. Il était connu comme farceur, comme chansonnier ribaud et anticlérical, et comme quelqu'un qui avait un jour interrompu un concert dans un café juste pour le plaisir. Les proches d'Amélie évoluaient alors dans un contexte social, intellectuel et politique dont Matisse n'avait jamais eu connaissance. Ils ont défendu la libre pensée, la séparation de l'Église et de l'État et la laïcisation du système éducatif français. Sa famille, plus aisée que celle de Matisse, apporte le soutien nécessaire à l'artiste en herbe. Lorsque Matisse épouse Amélie en janvier 1898, ils ont été présentés seulement trois mois plus tôt. La tante d'Amélie, Noélie, et deux de ses frères tenaient un magasin de vêtements féminins à succès, la Grande Maison des Modes. Avant son mariage, Amélie avait montré un don pour la conception, la fabrication et le modelage de chapeaux pour une clientèle à la mode. En juin 1899, elle trouve un associé et ouvre sa propre boutique rue de Châteaudun. Cela permet à Henri et à elle-même de vivre, avec Marguerite, dans un minuscule appartement de deux pièces dans la même rue. Madame Matisse, fervente fidèle, jouera un rôle fondamental dans la vie et la carrière de l'artiste pendant plus de 40 ans. Marguerite deviendra le pilier de la vie de son père En 1902, une catastrophe s'est produite. Les parents d'Amélie ont été déshonorés et financièrement ruinés dans un scandale spectaculaire d'envergure nationale, en tant qu'employés sans méfiance d'une femme dont l'empire financier reposait sur la fraude. Grâce à ses premières années passées dans un cabinet d'avocat, Matisse a pu s'occuper avec brio de l'organisation de la défense de son beau-père. Quand tous ceux qui l'entouraient perdaient la tête, fondaient en larmes et s'apitoyaient sur leur sort, Henri Matisse réglait leurs problèmes les uns après les autres. L'épreuve a fait des ravages, à plus d'un titre. Ses médecins ordonnent à Matisse de se rendre à Bohain et de prendre deux mois de repos complet. Amélie a perdu sa chapellerie et son appartement de la rue de Châteaudun. Pour la première fois, Henri, Amélie et les trois enfants sont réunis à Bohain, n'ayant nulle part où aller. Hillary Spurling, l'une des biographes de Matisse, affirme que les souvenirs d'Amélie concernant cette disgrâce publique ont nourri une "suspicion à l'égard du monde extérieur" qui marquera toujours la famille Matisse. La famille Matisse formait une sorte de cellule hermétique qui tournait autour de l'œuvre et de la profession de l'artiste. Ils ont adapté leurs activités en fonction de ses pauses et de ses séances de travail. Le silence est essentiel. Même pendant les années où Matisse vivait le plus souvent seul à Nice, un rituel annuel de déballage, d'étirement, d'encadrement et d'accrochage se terminait par l'installation de toute la famille pour réagir aux peintures. La conférence peut durer plusieurs jours. Ensuite, les concessionnaires ont été admis. Matisse et sa femme avaient eu deux fils, Jean (né en 1899) et Pierre (né en 1900). Il n'était pas toujours en paix avec sa famille. Il a écrit que leurs points de vue n'étaient pas toujours en accord "ce qui me perturbe considérablement dans mon travail, pour lequel j'ai besoin du calme le plus complet et de la part de ceux qui m'entourent, d'une sérénité que je ne peux pas trouver ici". J'ai l'intention de m'installer dans un village à quelques lieues de là." Pierre, son frère Jean et Marguerite sont restés proches de leur père à travers toutes les vicissitudes, et Matisse, dans ses dernières années d'invalidité, était dévoué à ses nombreux petits-enfants. En 1899, alors que ses peintures témoignent d'un talent rebelle mais d'une direction peu claire, Matisse commence à suivre des cours de modelage de l'argile et de sculpture. Chargé de copier l'un des chefs-d'œuvre sculptés du Louvre, il choisit le Jaguar dévorant un lièvre, une œuvre violemment précise d'Antoine-Louis Barye. Plus tard, lorsque ses peintures semblaient bloquées, il s'est tourné vers la sculpture pour organiser ses pensées et ses sensations. Influencé par les travaux des post-impressionnistes Paul Cézanne, Gauguin, Van Gogh et Paul Signac, ainsi que par l'art japonais, Matisse a fait de la couleur un élément crucial de ses peintures. Matisse disait : "Dans l'art moderne, c'est indubitablement à Cézanne que je dois le plus." En étudiant les plans fragmentés de Cézanne - qui étendent l'idée de la nature morte à une contemplation forcée des surfaces colorées elles-mêmes - Matisse a pu reconstruire sa propre philosophie de la nature morte. Un grand nombre de ses peintures de 1899 à 1905 utilisent une technique pointilliste adoptée par Signac. En 1898, il se rend à Londres pour étudier les peintures de J. M. W. Turner, puis part en voyage en Corse. Après des années de pauvreté, Matisse traverse sa "période sombre" (1902-03), passe brièvement au naturalisme, revient à une palette sombre et dit à ses amis en 1903 qu'il a perdu tout désir de peindre et qu'il a presque décidé d'abandonner. Heureusement, Matisse a pu gagner un peu d'argent en peignant une frise pour l'exposition universelle du Grand Palais à Paris. Il a également beaucoup voyagé au début des années 1900, à l'époque où le tourisme était encore une idée nouvelle. Grâce aux chemins de fer, aux bateaux à vapeur et aux autres moyens de transport apparus au cours de la révolution industrielle, les voyages sont devenus une activité très prisée. Touriste cultivé, il a développé son art en voyageant régulièrement. FAUVISME La carrière de Matisse peut être divisée en plusieurs périodes qui évoluent sur le plan stylistique, mais son objectif fondamental est toujours resté le même : découvrir "le caractère essentiel des choses" et produire un art "d'équilibre, de pureté et de sérénité", comme il le dit lui-même. Les changements d'environnement des studios semblent avoir toujours eu un effet significatif sur le style de son travail. Au cours de ces premières années de lutte, Matisse définit son programme artistique révolutionnaire. Il ignore la perspective, abolit les ombres, répudie la distinction académique entre la ligne et la couleur. Il tentait de renverser une façon de voir évoluée et acceptée par le monde occidental depuis des siècles en substituant une subjectivité consciente à l'illusion traditionnelle de l'objectivité . C'est dans les premières années de la nouvelle décennie que Matisse s'impose dans le monde de l'art d'avant-garde. Il a exploré la scène artistique moderne en se rendant fréquemment dans des galeries telles que Durand-Ruel et Vollard, où il a découvert des œuvres de Paul Cézanne, Paul Gauguin et Vincent van Gogh. La première exposition personnelle de Matisse a lieu en 1904, sans grand succès. Le 16 mai 1905, il arrive dans le charmant port catalan de Collioure, dans le sud de la France. Il invite bientôt le peintre André Derain (1880-1954), de 11 ans son cadet, à le rejoindre. En 1905, Matisse est considéré comme le fer de lance du mouvement fauve en France, caractérisé par sa spontanéité et la rudesse de son exécution, ainsi que par l'utilisation de couleurs brutes directement de la palette à la toile. Matisse a combiné la couleur pointilliste et la manière de Cézanne de structurer l'espace pictural trait par trait pour développer le fauvisme - une manière moins de voir le monde que de le sentir avec les yeux. À la fin de l'été fauve, Derain quitte Collioure avec 30 peintures, 20 dessins et une cinquantaine d'esquisses, pour ne plus revenir, tandis que Matisse repart quelques jours plus tard en ramenant à Paris 15 peintures achevées, 40 aquarelles, plus de 100 dessins. Il revient à Collioure les étés 1906, 1907, 1911 et 1914. L'attrait du soleil s'avérera toujours avoir des pouvoirs de restauration pour l'artiste tout au long de sa vie, en particulier après des périodes de grand effort émotionnel. Lorsque les œuvres fauves sont exposées pour la première fois au Salon d'Automne à Paris, elles font scandale. Des témoins oculaires ont fait état de rires émanant de la salle VII où ils étaient exposés. Gertrud Stein, l'un des futurs plus importants soutiens de Matisse, a rapporté que les gens grattaient les toiles par dérision. "Un pot de peinture a été jeté à la face du public", a réagi le critique Camille Mauclair. Louis Vauxcelles a décrit l'œuvre avec la phrase historique "Donatello au milieu des fauves !". (Donatello parmi les bêtes sauvages), en référence à une sculpture de type Renaissance qui partageait la pièce avec eux. Son commentaire a été publié le 17 octobre 1905 dans le quotidien Gil Blas et est passé dans l'usage populaire. Derain lui-même qualifiera plus tard les couleurs des Fauves de "bâtons de dynamite". Le tableau qui a fait l'objet d'attaques est la Femme au chapeau de Matisse, un portrait de Madame Matisse. Ce tableau fut acheté par Gertrude et Leo Stein, ce qui eut un effet très positif sur Matisse qui souffrait de démoralisation à cause de la mauvaise réception de son travail. Matisse poursuit ses expériences à Collioure, visibles dans le tableau La fenêtre ouverte et la vue de Collioure , également une œuvre caractéristique du fauvisme par ses couleurs brutes et son mépris des détails. Ces deux œuvres sur le paysage de la Méditerranée française présentent une évolution distincte vers un style spontané et désinhibé. Outre André Derain, Georges Braque, Raoul Dufy et Maurice Vlaminck étaient également membres du mouvement fauve. Cependant, les amis intimes de Matisse parmi les artistes étaient pour la plupart des peintres mineurs faciles à vivre, comme Albert Marquet. La solitude caractérielle de Matisse le rendait en proie à des dépressions vertigineuses. Il se souviendra plus tard d'une dépression qu'il a subie en Espagne, en 1910 : "Mon lit a tremblé, et de ma gorge est sorti un petit cri aigu que je n'ai pas pu arrêter". Dès le début de sa carrière, les femmes ont été l'un des motifs cardinaux de la production de l'artiste. Sa Joie de vivre (1906) nous entraîne dans un monde d'une vivacité hallucinatoire, composé de nymphes évoluant dans un paysage idyllique en plein champ, habillées de couleurs pures et de contours sensuels. Deux femmes se prélassent au soleil tandis que deux autres discutent à l'orée de la forêt. L'une d'elles s'accroupit pour cueillir des fleurs tandis que sa compagne en tresse une chaîne dans ses cheveux. Un couple s'embrasse tandis qu'un autre groupe s'engage dans une danse ronde animée au loin. Ainsi, Joy of Life dépeint des nymphes des bois qui célèbrent leur vie, leur féminité et leur sexualité. En raison de l'incidence récurrente des femmes nues et de l'interprétation intensément sensuelle, de nombreux observateurs ont supposé qu'en tant qu'homme, Matisse devait être un hédoniste. Au contraire, l'examen historique démontre qu'en réalité, il était plutôt un Nordiste qui se reniait, qui ne vivait que pour travailler et qui le faisait dans l'angoisse chronique, la panique récurrente et au milieu de ruptures périodiques. Si Picasso s'est récompensé, au fur et à mesure, par des gratifications de jeu intellectuel et érotique Matisse ne l'a pas fait. À l'ère des idéologies, Matisse a esquivé toutes les idées, sauf peut-être une : l'art est la vie par d'autres moyens. On pense souvent que la célébration désinhibée des femmes par Matisse s'est inspirée du tableau Trois baigneuses (1882) de Cézanne (qu'il avait acquis pour lui-même avec un Van Gogh et un Gauguin). Cependant, Matisse dépeint les femmes comme des êtres nourriciers et accueillants, à l'opposé de la présence massive et rébarbative des femmes de Paul Cézanne, qui ressemblent à de l'argile. FAMED Le déclin du mouvement fauve, après 1906, n'a pas empêché la montée en puissance de Matisse. De 1906 à 1917, il vit à Paris et installe sa maison, son studio et son école à l'hôtel Biron. Parmi ses voisins figurent le sculpteur Auguste Rodin, l'écrivain Jean Cocteau et la danseuse Isadora Duncan. Nombre de ses plus belles œuvres ont été créées à cette époque, alors qu'il participait activement au grand rassemblement de talents artistiques à Montparnasse, même s'il n'était pas tout à fait à sa place en raison de son apparence conservatrice et de ses habitudes de travail strictes et bourgeoises. En fait, le but de l'art de Matisse était quelque chose de moins que révolutionnaire. En 1908, dans une déclaration célèbre tirée des "Notes d'un peintre", Matisse déclare comme son idéal un art "pour tout travailleur mental, pour l'homme d'affaires comme pour l'homme de lettres, par exemple, une influence apaisante, calmante sur l'esprit, quelque chose comme un bon fauteuil qui procure la détente de la fatigue physique." Les habitudes personnelles de Matisse étaient incroyablement régulières. Une journée typique se levait tôt et travaillait toute la matinée, avec une deuxième séance de travail après le déjeuner, suivie d'une pratique du violon, d'un dîner simple (soupe de légumes, deux œufs durs, une salade et un verre de vin) et d'un coucher tôt. En 1906, il réalise une série de 12 lithographies, toutes des variations sur le thème du nu assis. Il a choisi de partager son travail graphique avec le public presque immédiatement. Les lithographies ont été exposées à la Druet Gallery à Paris la même année que leur production, et les gravures sur bois ont été exposées au Salon des Indépendants au printemps 1907. En 1907, Appolinaire, commentant Matisse dans un article publié dans La Phalange, déclare : "Nous ne sommes pas ici en présence d'une entreprise extravagante ou extrémiste : L'art de Matisse est éminemment raisonnable." Malgré sa nouvelle notoriété, l'œuvre de Matisse continue de faire l'objet de critiques virulentes et il lui est difficile de subvenir aux besoins de sa famille. Son tableau controversé de 1907, Blue Nude, a été brûlé en effigie lors de l'Armory Show de Chicago en 1913. Contrairement au sort réservé aux impressionnistes, Matisse et d'autres Fauves ont pu exposer dans des galeries d'art. En 1908, Paul Cassirer, marchand d'art et éditeur allemand qui a joué un rôle important dans la promotion des œuvres des impressionnistes et post-impressionnistes français, a organisé une exposition des œuvres de Matisse à Berlin. La même année, le photographe américain Alfred Stieglitz organise à New York une exposition personnelle dans sa minuscule galerie de Manhattan, la 291, qui permet à Matisse d'entrer de plain-pied dans le puissant marché de l'art américain. Dans la première décennie de sa notoriété en tant que chef de file des Fauves, Matisse est plus admiré par les étrangers que par les Français. Après tout, ce sont les Russes et les Américains qui ont acquis d'importantes collections de ses premières œuvres presque aussi rapidement qu'elles ont été créées. Les grandes Matisse que l'on voit aujourd'hui dans les musées parisiens ont pour la plupart été acquises après la mort de l'artiste en guise de droits de succession. Les Français ont mis beaucoup plus de temps à comprendre la grandeur de Matisse - plus longtemps, en tout cas, que le groupe international d'aspirants talents qui affluaient à ses cours lorsqu'il était encore l'une des figures les plus controversées de l'avant-garde parisienne. Au cours de l'été 1907, Matisse et sa femme entreprennent un long voyage en Italie "pour le travail et le plaisir", visitant Venise et Padua, où ils admirent les fresques de Giotto. À Florence, ils étaient les hôtes des Steins dans leur villa de Fiesole. À partir de là, Matisse se rend à Arezzo, pour étudier Piero della Francesca, et à Sienne, attiré par les premiers peintres siennois, en particulier Duccio. PICASSO, GERTRUDE STEIN ET LES SOEURS CONES Au cours de la première décennie du XXe siècle, les Américains vivant à Paris, Gertrude Stein, ses frères Leo Stein, Michael Stein et Sarah, la femme de Michael, s'intéressent de près à l'art de Matisse. En outre, les deux amis de Gertrude Stein, originaires de Baltimore. Les sœurs Cone ont acquis leur premier Matisse en 1906 et, au cours des quatre décennies suivantes, elles ont formé l'une des plus grandes collections d'œuvres d'art au monde. La Collection Sone contient non seulement des œuvres majeures de toutes les phases de la longue carrière de Matisse, mais reflète l'intérêt particulier des sœurs pour sa période niçoise, lorsqu'une nouvelle complexité de forme et de psychologie s'insère dans l'attrait de la surface toujours intense de ses peintures. En avril 1906, lors d'une réunion dans la maison de la légendaire Gertrude Stein, Matisse est présenté à Pablo Picasso, de 11 ans son cadet. Picasso et Matisse étaient aux antipodes sur le plan esthétique et leurs modes de vie ne l'étaient pas moins. Matisse était nettement plus grand et plus poli que le Catalan, trapu et arrogant, qui régnait alors sur la turbulente scène artistique avant-gardiste de Paris. On dit qu'ils ont toujours regardé l'un et l'autre par-dessus leur épaule. Il est bien connu que leur rivalité a pris de l'ampleur et qu'ils ont pris parti. Picasso dira plus tard : "Personne n'a jamais regardé les tableaux de Matisse plus attentivement que moi ; et personne n'a regardé les miens plus attentivement que lui." L'une des principales différences entre leurs concepts picturaux est que Matisse dessinait et peignait d'après nature, tandis que Picasso était beaucoup plus enclin à travailler à partir de l'imagination. Les sujets les plus fréquemment peints par les deux artistes sont les femmes et les natures mortes, Matisse plaçant plus volontiers ses personnages dans des intérieurs pleinement réalisés. Gertrude Stein, qui aimait remuer les choses, a écrit : "le sentiment entre les Picassoites et les Matisse-ites est devenu amer." Bien que Matisse ait sèchement noté que "nos disputes étaient toujours amicales", il convient de souligner que Picasso et ses amis ont lancé des fléchettes à ventouse sur le Portrait de Marguerite de 1906 de Matisse (que Picasso avait obtenu en échange de son propre Pichet, Bol et Citron, de 1907). Si le fossé entre les deux artistes a fini par se refermer, celui entre leurs partisans est resté. ACADÉMIE MATISSE À PARIS & SERGEI SHCHUKIN En 1909, la famille Matisse vit dans un ancien couvent du boulevard des Invalides, à Paris, où l'artiste dirige une école de peinture. Son immense notoriété, qui avait été confirmée en 1905-06 par La joie de vivre, une œuvre qui semblait faire fi de toutes les normes possibles en matière d'ordre pictural et de finesse picturale.Ses amis ont organisé et financé l'Académie Matisse à Paris, une école privée et non commerciale dans laquelle Matisse a instruit de jeunes artistes. Il a fonctionné de 1911 à 1917. Hans Purrmann et Sarah Stein ont été plusieurs de ses élèves les plus fidèles. Bien qu'elle n'ait duré que trois ans (1908-11), l'Académie Matisse est devenue, au cours de sa brève existence, l'un des principaux carrefours de la peinture moderne pour un certain nombre d'artistes européens et américains de talent. Compte tenu de la réputation que Matisse avait acquise en tant que "sauvage" de la couleur moderniste, certains de ses premiers étudiants ont dû être choqués par le fait que le programme d'enseignement qu'il proposait était remarquablement conservateur. Comme l'a écrit plus tard dans ses mémoires Jean Marli, le premier Norvégien à s'inscrire à l'Académie : "L'école avait, sur la suggestion de Matisse, acquis une copie de deux sculptures antiques du Louvre, Mars et une sculpture archaïque, qu'il utilisait souvent pour faire des démonstrations. De temps en temps, il se débarrassait complètement du modèle vivant et nous ne dessinions qu'à partir des plâtres, et ses critiques n'en étaient alors pas moins profitables." Parmi les élèves de Matisse figure Olga Meerson, une juive russe qui avait étudié avec Wassily Kandinsky à Munich et qui, déjà dotée d'un style élégant, cherchait à se refaire une beauté sous la tutelle de Matisse. Amélie se doute du pire. La jalousie d'Amélie et les besoins de Matisse ont peut-être poussé ce dernier à mettre fin à la relation, avec un sentiment négatif pour tout le monde. Meerson s'installe à Munich, où elle épouse le musicien Heinz Pringsheim, beau-frère de Thomas Mann. N'ayant jamais tenu ses promesses de peintre, elle se suicide à Berlin, en 1929. L'un des biographes de Matisse, qui a eu accès à une grande partie de la correspondance de l'artiste, affirme que l'artiste, après son mariage, a rarement, voire jamais, eu de relations sexuelles avec des modèles, malgré les sentiments qu'il semblait éprouver pour nombre d'entre eux. Deux collectionneurs d'art russes se sont distingués au début du XXe siècle : le marchand de tissus Sergueï Chtchoukine (1854-1936) et le fabricant de textiles Ivan Morozov (1871-1921). Tous deux acquièrent de l'art moderne français, développent une sensibilité pour repérer les nouvelles tendances et les font connaître en Russie. À cette époque, Matisse avait entamé son association féconde avec le magnat du textile russe et collectionneur visionnaire, Sergei Shchukin. L'artiste a créé l'une de ses œuvres majeures, La Danse, spécialement pour Chtchoukine, dans le cadre d'une commande de deux tableaux. Inspirée d'une danse circulaire - peut-être une sardane - exécutée par les pêcheurs à Collioure, cette peinture incarne le choc entre le sacré et la réalité. Des mains humaines s'unissent, mais elles forment un esprit divin. La planéité de l'œuvre met l'accent sur l'idée, les couleurs et la matière, une notion qui a fait de Matisse un modèle pour les modernistes. L'autre tableau commandé est Musique, 1909. Certains considéraient presque Chtchoukine comme un coproducteur de certaines des plus grandes œuvres de l'artiste. Concernant les violentes attaques contre son ami, le Russe a écrit à l'artiste : "Le public est contre vous, mais l'avenir vous appartient". En 1914, la maison de Chtchoukine à Moscou comptait trente-sept Matisse. "Il choisissait toujours le meilleur", a déclaré l'artiste. Lors de la révolution politique, Lénine exproprie en personne la Collection S, mais permet à Chtchoukine de rester, dans les quartiers des domestiques, comme gardien et guide. Il est décédé à Paris en 1936. La collection se trouve aujourd'hui dans les musées de l'Ermitage et Pouchkine. De 1911 à 1915 environ, Matisse se débat avec les idées du cubisme, une expérience à laquelle il a le sentiment de "ne pas participer" car elle ne "parle pas à [sa] nature profondément sensorielle". MAROC Comme beaucoup d'artistes d'avant-garde à Paris, Matisse était réceptif à un large éventail d'influences. Il est l'un des premiers peintres à s'intéresser à diverses formes d'art "primitif". Son art a été profondément influencé par l'art pascal. Matisse a d'abord flirté avec l'idée de visiter le Maroc après un voyage dans la partie mauresque de l'Espagne au cours de l'hiver 1910. Ce goût des Maures a fait naître la flamme de l'espoir d'une plus grande inspiration pour peindre au Maroc. En outre, bien conscient des sujets exotiques du Maroc qui avaient inspiré le célèbre peintre français Delacroix lorsqu'il avait visité le pays plus de quatre-vingts ans auparavant, Matisse pensait que le Maroc stimulerait son génie pictural d'une manière que l'Europe ne pouvait pas lui offrir. Il ne recherche ni le pittoresque ni la pornographie. Au Maroc, Matisse semble avoir eu des difficultés à trouver des modèles qui acceptent de poser pour lui, notamment des femmes en raison de la loi du voile. Seules les juives et les prostituées en sont exemptées. Heureusement, Matisse a trouvé la prostituée Zorah pour l'occasion, bien qu'il ne l'ait pas peinte comme une prostituée. Au contraire, dans le premier tableau qu'il lui consacre, Zorah en Jaune, les thèmes sexuels sont manifestement absents de la toile. En tant que prostituée habituée à exposer et à exhiber son corps, Can aurait pu facilement être peinte nue ou avec moins de vêtements pour s'exhiber, mais Matisse choisit plutôt de la garder vêtue et de la faire poser avec prudence. Contrairement aux femmes occidentales primitives et nues de l'œuvre fauve Joy of Life. La Zorah marocaine est habillée avec respect et détail pour ses caractéristiques les plus fines. Il développe sa capacité à peindre en prenant conscience des qualités non sexuelles de son sujet, s'éloignant ainsi des femmes fauves. De nombreuses peintures marocaines de Matisse ne sont recouvertes que de minces lavis de pigments, comme s'il voulait que la texture de la toile non peinte transparaisse pour ajouter de la crudité aux bruns et aux gris. Les odalisques de Matisse ont été décrites comme des "fictions élaborées" dans lesquelles l'artiste a recréé l'image du harem islamique en utilisant des modèles français posant dans son appartement de Nice. Les tissus, les paravents, les tapis, l'ameublement et les costumes rappelaient l'exotisme de l'"Orient" et fournissaient un thème pour les préoccupations de Matisse concernant la figure et les motifs élaborés des tissus exotiques. Bien que l'intérêt de Matisse pour les textiles soit évident dans ses compositions réalisées lors de son voyage au Maroc en 1906, il n'a pas commencé comme une attraction européenne typique pour l'exotisme. Il était déjà présent en tant que descendant de générations de tisserands, élevé parmi les tisserands de Bohain-en-Vermandois, qui, dans les années 1880 et 1990, était un centre de production de soies de fantaisie pour les maisons de couture parisiennes. Comme pratiquement tous ses compatriotes du Nord, il avait une appréciation innée de leur texture et de leur conception. Il comprenait les propriétés du poids et de la suspension, il savait utiliser les épingles et les patrons en papier, et il était extrêmement sûr de lui avec les ciseaux. Matisse était connu pour être un collectionneur avide de tissus, depuis l'époque où il était un étudiant en art pauvre à Paris jusqu'aux dernières années de sa vie, lorsque son Studio de Nice débordait de tapis persans, de délicates broderies arabes, de tentures africaines richement colorées et d'un grand nombre de coussins, rideaux, costumes, paravents à motifs et nappes de fond colorés. Les textiles sont rapidement devenus le tremplin de ses expériences radicales en matière de perspective et d'un art basé sur des motifs décoratifs et des harmonies pures de couleurs et de lignes. Lorsqu'il a déménagé, il a également déménagé ses tissus, les décrivant comme "ma bibliothèque de travail". Il a enrichi sa Collectional toute sa vie, des marchés d'Algérie, du Maroc et de Tahiti aux ventes de fin de saison de la haute couture parisienne. L'esprit revitalisant du Maroc perdurera dans l'imaginaire de l'artiste jusqu'aux découpages de ses dernières années. APRÈS PARIS Matisse a continué à évoluer dans des directions inattendues, même s'il n'est jamais devenu un peintre abstrait (bien que certaines de ses œuvres les plus aventureuses, comme la Vue de Notre-Dame de 1914 ou le Rideau jaune de 1916, s'en rapprochent). Ses motifs étaient toujours reconnaissables et la tension entre le sujet et les aspects formels de la peinture était un concept central de son idéal artistique. Matisse s'installe à Nice en 1917 pour prendre ses distances avec les activités de guerre, où les couleurs vives et chaudes lui montrent "des lieux plus simples qui n'étoufferont pas l'esprit." Son esprit se fidélise à la "clarté argentée de la lumière" de Nice, et il ne revient à Paris que pour quelques mois chaque été. Les années 1917-30 sont connues comme sa première période de Variously, où son sujet principal reste la figure féminine ou l'odalisque vêtue d'un costume oriental ou à différents stades de déshabillage, représentée debout, assise ou allongée dans un intérieur luxueux et exotique créé par Matisse lui-même. Ces peintures sont imprégnées de la lumière du sud, de couleurs vives et d'une profusion de motifs décoratifs. Elles dégagent une atmosphère de harem. En 1929, Matisse suspend temporairement la peinture de chevalet et se rend en Amérique pour faire partie du jury du 29e Carnegie International et, en 1930, il séjourne à Tahiti et à New York ainsi qu'à Baltimore, Maryland et Merion, Pennsylvanie.Il est particulièrement enthousiasmé par New York. Albert Barnes, un important collectionneur d'art moderne et propriétaire de la plus grande collection de Matisse en Amérique, a demandé à l'artiste de peindre une grande peinture murale pour la galerie d'art de deux étages de son manoir. Matisse choisit le sujet de la danse, un thème qui le préoccupe depuis son premier chef-d'œuvre fauve, La joie de vivre. Tout au long de sa carrière, Matisse compte de nombreux Américains parmi ses mécènes, à commencer par les Stein (Leo Stein achète Joy of Life dès sa sortie du Salon en 1906), les sœurs Cone de Baltimore et l'acariâtre Barnes, dont la réputation n'est plus à faire. La monographie fondamentale de Matisse a été écrite de son vivant par un autre Américain, Alfred Barr. La galerie de Manhattan fondée en 1931 par le fils de l'artiste, Pierre, qui est resté une figure importante du monde de l'art new-yorkais pendant près de six décennies, a également joué un rôle important dans la promotion de la présence de Matisse auprès du public transatlantique. Outre son père, il a représenté Balthus, Calder, Dubuffet, Giacometti, Miro, Tanguy et d'autres, dont beaucoup sont également des amis. Tout au long de sa longue et productive carrière, Matisse a périodiquement renouvelé son énergie créatrice en passant de la peinture au dessin, à la sculpture et à d'autres formes d'expression artistique. Au cours de sa vie, il a également produit 12 livres illustrés connus sous le nom de "livre d'artiste", un type spécifique de livre illustré qui est devenu courant en France au tournant du siècle. Ces livres étaient des éditions de luxe, limitées, destinées à être collectionnées et admirées comme des œuvres d'art, mais aussi à être lues. Ce processus a commencé lorsque l'éditeur suisse Albert Skira a approché pour la première fois le maître moderne en 1930 pour illustrer l'œuvre Poesies, du poète symboliste français du XIXe siècle Stéphane Mallarmé. Matisse répond à l'invitation de Skira avec beaucoup d'enthousiasme et, cet été-là, il consacre l'essentiel de son attention à la commande alors qu'il réside à Paris. Le résultat est une collection de 29 gravures magnifiques, dont 16 seront exposées au musée. Les sujets, comme les poèmes eux-mêmes, varient considérablement, bien que de nombreuses images reflètent les vacances de l'artiste dans le Pacifique Sud. Les gravures de Matisse sur les poèmes de Mallarmé sont considérées comme l'une de ses plus grandes œuvres dans le domaine de l'impression. En 1941, toujours pour Skira, Matisse entreprend l'un de ses projets de gravure les plus complexes et les plus réussis, Florilege des Amours de Ronsard, illustrant les poèmes d'amour de Pierre de Ronsard, poète français de la Renaissance du XVIe siècle. Le sujet de Ronsard et son imagerie forte se prêtent gracieusement aux thèmes préférés de Matisse : les fruits, les fleurs, la forme féminine et les portraits. L'artiste a sélectionné lui-même les poèmes et a traduit l'œuvre du français de la Renaissance au français contemporain pour la publication de l'anthologie DIVORCE ET RELATIONS FAMILIALES TARDIVES Malgré ses longues amitiés avec d'autres artistes, célèbres ou obscurs, les jours et les nuits de Matisse étaient absorbés par un travail solitaire. Jouer du violon semblait être une consolation plus intime pour des décennies d'abus critiques que l'affection de sa femme et de ses enfants. Bien que leur mariage soit encore fragile, les Matisse décident de rester à Nice à l'expiration de leur bail place Charles-Félix à l'été 1938. Matisse et sa femme se séparent en 1939, après 41 ans de mariage, lorsqu'Amélie tente de renvoyer la jeune Lydia Delectorskaya, une orpheline réfugiée de Sibérie, froidement efficace, qui avait été engagée comme compagne d'Amélie. Cependant, le mariage des Matisse ne se heurte pas à une rivalité amoureuse, mais à la volonté de l'artiste de voler de ses propres ailes. Le premier point culminant a eu lieu des années auparavant, en 1913, lorsqu'Amélie a posé plus d'une centaine de fois pour le Portrait de Madame Matisse. Le journal d'un ami rapportait à l'époque. "Fou ! pleurant ! La nuit, il récite le Notre Père ! Le jour, il se dispute avec sa femme !" Le portrait, qui fut la dernière œuvre à entrer dans la collection de Chtchoukine, provoqua chez Matisse "des palpitations, une hypertension artérielle et un tambourinage constant dans les oreilles." Une telle frénésie n'était pas rare lorsque Matisse rencontrait des difficultés avec un tableau. Des années plus tard, dans une lettre qu'il lui adressa, il fit référence à ce tableau comme étant "celui qui t'a fait pleurer, mais sur lequel tu es si jolie". Amélie cède la direction de la famille à Marguerite. Le portrait de 1913 est le dernier qu'il ait peint d'elle. Matisse et sa femme se rencontrent une dernière fois pour discuter des détails de leur séparation légale, en juillet 1939. L'une de ses principales dispositions prévoyait que tout serait divisé en parts égales entre les deux conjoints. La rencontre a lieu à Paris, à la gare Saint-Lazare, et dure trente minutes, pendant lesquelles Amélie Matisse entretient le dialogue avec son mari : "Ma femme ne me regardait pas, mais je ne la quittais pas des yeux...", écrit Matisse le soir de cette ultime rencontre : "Je n'arrivais pas à dire un mot....". Je suis resté comme sculpté dans du bois, jurant de ne plus jamais me faire surprendre de la sorte." "Je vais essayer de m'isoler comme si j'étais encore absent", annonce Matisse lors de son premier retour à Paris depuis la séparation officielle d'avec sa femme, "quittant rarement son appartement, sauf pour des visites au cinéma (son premier film en couleur, avec Danny Kaye, fut une révélation). Après son licenciement, Delectorskaya s'est tiré une balle dans la poitrine avec un pistolet, ce qui n'a eu qu'un léger effet. Peu après la séparation légale de l'artiste et de sa femme, Delectorskaya est de retour. Elle est arrivée avec un bouquet de marguerites blanches et de bleuets provenant du jardin de sa tante le 15 juillet, jour de la Saint Henri. Leur Collaboration durera jusqu'à la mort de Matisse en 1954. Sa volonté tout au long de la vie était indomptable ; elle tapait à la machine, tenait des registres et des comptes méticuleux et payait les factures du ménage. Elle a également organisé la correspondance de Matisse et coordonné ses affaires avec une poigne de fer, tout en étant son assistante de studio et sa muse. Et lorsqu'on le lui demandait, elle parcourait même la campagne à vélo pour trouver des provisions pendant la guerre. Matisse a affirmé que toute sa maison s'était arrêtée en son absence, ce qui, à la lumière de ce que Lydia a accompli, est tout sauf un euphémisme. Face au ressentiment glacial de la famille, le Russe dira de Matisse : " Il savait s'approprier les gens et leur faire sentir qu'ils étaient indispensables ". C'était comme ça pour moi, et c'était comme ça pour Mme. Matisse". La vie avec Matisse a dû être éprouvante, mais c'est la vocation qu'Amélie avait choisie, au fil des années de leur foyer centré sur le studio. Son rôle central dans la vie de l'artiste est la sécurité, que le mécénat de Chtchoukine lui apporte, ainsi qu'une maison de taille conséquente à Issy-les-Moulineaux, où la famille s'installe en 1909. Cependant, à cette époque, Matisse est de plus en plus absent. En 1930, ses voyages le conduisent aux États-Unis, où il est enthousiasmé par New York, et à Tahiti. Matisse trouve que Tahiti est " à la fois superbe et ennuyeuse [...]. Là-bas, le temps est magnifique au lever du soleil et ne change pas jusqu'à la nuit. Un bonheur aussi immuable est fatigant". Il plonge sur les récifs et n'oublie pas les couleurs des madrépores et le vert absinthe de l'eau, qui apparaissent dans des découpages comme Polynésie, 1946, ou L'oiseau et le requin, 1947, comme autant d'images d'une nature spectaculaire et, dans l'ensemble, bienfaisante. En septembre 1940, il a employé une remplaçante temporaire pour son infirmière de nuit habituelle. L'agence lui envoie une jeune étudiante infirmière de 21 ans : Monique Bourgeois. Après une année à l'école d'infirmières, elle s'est rendue à Making Works pour trouver du travail au bureau de placement de l'école d'infirmières. Elle a de la chance. Un artiste du nom de Henri Matisse était à la recherche d'une infirmière de nuit temporaire. Le 26 septembre 1942, elle sonne à l'appartement de Matisse à Cimiez. Lydia a répondu. Monique a soutenu les oreillers de Matisse, lui a fait la lecture et s'est promenée avec lui, et son esprit malicieux et sa conversation directe l'ont enchanté. Elle se sent rapidement à l'aise avec Matisse et leurs conversations deviennent bientôt plus personnelles. Matisse a parlé de lui, de sa famille et de ses petits-enfants qu'il adorait. Lorsque Matisse en fut capable, il sortit du lit et montra à Monique son atelier et ses peintures. Elle s'occupe de lui pendant 15 nuits, au cours desquelles il subit plusieurs crises consécutives de violents maux d'estomac.Le retour de l'infirmière de nuit habituelle de Matisse met fin aux fonctions de Monique. Matisse a peint quatre toiles d'elle, ainsi que de nombreuses esquisses au fusain ou à l'encre. Elle s'asseyait sur un siège en bois à dossier droit, joli mais plutôt inconfortable, pendant deux ou trois heures d'affilée. De courtes périodes de repos, n'excédant pas un quart d'heure, étaient passées dans un silence total en sirotant une tasse de thé. Leur travail commun culmine en mars 1943 avec la peinture de Tabac Royal. À la fin de sa mission, il lui a demandé de poser pour lui, ce à quoi elle a consenti à contrecœur. "J'étais plutôt surprise, car je n'avais jamais été considérée comme une beauté", écrit-elle dans un livre publié en 1993 sur leur amitié. "Je n'ai jamais vraiment remarqué s'il était amoureux de moi", a-t-elle déclaré dans une interview accordée en 1992 au magazine Paris-Match. "J'étais un peu sa petite-fille ou sa muse, mais il a toujours été un parfait gentleman". La carrière de Monique change alors radicalement, puisqu'elle prend le voile le 8 septembre 1944 et reçoit le nom de Sœur Jacques-Marie. Matisse s'oppose vigoureusement à la décision de Bourgeois d'entrer au couvent, mais se réconcilie avec elle et décide finalement de réaliser le rêve des sœurs d'une chapelle pour leur couvent. Elle ne revoit Matisse que deux ans plus tard. Matisse s'est peut-être rendu compte tardivement qu'il avait imposé à ses fils le même type de pression pour qu'ils répondent à ses critères que celle qu'il avait subie de la part de son propre père. Pierre, du garçon dans La leçon de piano a dit de , "Oui, c'était moi, et vous n'avez pas idée à quel point j'ai détesté ces leçons de piano". Il est communément admis que Matisse n'a pas su transposer dans ses relations familiales le succès qu'il a rencontré dans son art, et que ce dysfonctionnement s'est étendu à son fils Pierre. Cependant, 829 lettres, qui peuvent atteindre 21 pages, donnent une impression différente de la relation entre le père et le fils. Après la séparation définitive d'Henri avec sa femme, Pierre devient l'indispensable confident de son père. Le vieil homme écrit à son fils : "Tu es le seul membre de la famille avec lequel je peux communiquer" ; et encore, de manière touchante : "Que deviendrais-je si tu n'étais plus là ? Bien que Matisse n'ait jamais accordé de droits exclusifs à son fils pour exposer ses peintures, il était intimement impliqué dans la Pierre Matisse Gallery en tant qu'entreprise, guidant la carrière de son fils dès les premiers jours courageux de Pierre, immigrant ambitieux de 24 ans. ''Il faut arriver avec tous les avantages possibles et s'imposer face à tout et à tous'', écrit Pierre à son père. La jalousie américaine est terrible, et elle n'a rien de la politesse extérieure de la jalousie française. Marguerite avait épousé un brillant homme de lettres, Georges Brilliante, qui fut le meilleur critique de Matisse de son vivant ; lorsque Duthuit lui fut infidèle, l'artiste lui interdit d'écrire sur son œuvre. Matisse n'est jamais aussi touchant que dans son récit des deux semaines que Marguerite a passées avec lui après son évasion en 1945. DESSIN ET SCULPTURE Matisse a expérimenté le dessin tout au long de sa vie, ce qui l'a souvent aidé à résoudre des problèmes de composition et de style ou à trouver de nouvelles idées. Au milieu des années 1930, il crée des séries distinctives de dessins à la plume sur le thème de l'artiste et de son modèle, tandis qu'au début des années 1940, il conçoit ses célèbres séquences de Thèmes et Variations, des œuvres dépouillées au dessin sensible, au trait élégant et non ombré, décrivant des formes simplifiées de figures féminines ou de natures mortes. À la fin des années 1940 et au début des années 1950, ses dessins deviennent plus audacieux, la ligne de contour plus épaisse, les formes encore plus simplifiées et dépourvues de détails. La sculpture est un autre moyen d'expression utilisé par Matisse dès ses premières années et, bien qu'indépendante, elle est souvent utilisée pour trouver une solution à des problèmes picturaux ou devient une source d'inspiration pour la peinture. "J'ai sculpté comme un peintre", disait Matisse, "je n'ai pas sculpté comme un sculpteur". La sculpture en relief lui permet de traiter la masse et la forme du corps dans l'espace réel, tout en clarifiant son sens de la représentation de la forme humaine sur la toile. Nous pourrions dire que la femme représentée dans ce relief se situe entre les domaines de la sculpture et de la peinture, ou entre la réalité tridimensionnelle et la planéité de la représentation peinte. Plus de la moitié des sculptures de Matisse ont été réalisées entre 1900 et 1910 ; il a aussi souvent travaillé en série, manipulant la forme et la simplifiant au fil des ans. Parmi ses œuvres les plus connues figurent la série des quatre Reliefs de dos (1903-31), la série des cinq Têtes de Jeannette (1910-16) et le Grand Nu assis (1925-29). Matisse est abondamment cité à propos de son art. Il a probablement parlé de sa propre expérience en tant qu'artiste dans une lettre de 1941 à Pierre, faisant référence à un tableau particulièrement éprouvant de son ami Georges Rouault : "Un homme qui fait des tableaux comme celui que nous regardions est une créature malheureuse, tourmentée jour et nuit. Il se décharge de sa passion dans ses tableaux, mais aussi malgré lui sur les gens qui l'entourent. C'est ce que les gens normaux ne comprennent jamais. Ils veulent profiter des produits des artistes - comme on peut profiter du lait des vaches - mais ils ne supportent pas les inconvénients, la boue et les mouches." NOUVELLES DIRECTIONS : COUPES DE PAPIER La source d'inspiration de Matisse était en grande partie poétique. À l'instar de son art, la poésie ou la prose poétique qu'aimait Matisse était intime, sensuelle et personnelle. Au cours des dernières années, il a pris l'habitude de lire des poèmes chaque jour avant de lever le pinceau, le crayon ou l'aiguille à graver. Ses sources étaient la poésie médiévale française de Charles d'Orléans et de Pierre de Ronsard, ainsi que les écrits plus avant-gardistes de Stéphane Mallarmé, Henri de Montherlant, Louis Aragon et d'autres. Matisse notait que la poésie était comme l'oxygène : "tout comme lorsque vous sautez du lit, vous remplissez vos poumons d'air frais". Cela lui a permis de garder un cœur jeune, comme un élixir de jeunesse sensuel. Il a réalisé des centaines de dessins, d'estampes originales et de livres illustrés. Cette dernière forme d'art comprenait ce que Matisse appelait ses "livres de fleurs". Il s'agissait de beaux objets en soi, inspirés par la tradition du manuscrit médiéval. Visages, parties du corps, amants, fruits et fleurs révèlent les lignes arabesques exquises de Matisse, ainsi qu'un sens extraordinaire de la couleur. Pour le célèbre Jewell par exemple, les images se caractérisent par des couleurs brillantes, des lignes tourbillonnantes et des arabesques formant des séries de formes semblables à des bijoux, dans des thèmes qui vont du cirque aux formes féminines parmi la mer. Matisse réalisait ses images à partir de pochoirs colorés basés sur des papiers découpés. En 1941, Matisse est atteint d'un cancer et, à la suite d'une intervention chirurgicale, il commence à se déplacer en fauteuil roulant. Avant de subir une opération risquée à Lyon, il a écrit une lettre angoissée à son fils Pierre, insistant sur le fait que "j'aime ma famille, vraiment, chèrement et profondément." Il laisse une autre lettre, à remettre en cas de décès, faisant la paix avec Amélie. Cependant, l'extraordinaire créativité de Matisse ne s'est pas démentie. "Une seconde vie", c'est ainsi qu'il appelait les quatorze dernières années de sa vie. En suivant et en opérant, il a trouvé des énergies renouvelées et inattendues. Ce nouveau souffle a débouché sur une extraordinaire explosion d'expression, aboutissement d'un demi-siècle de travail, mais aussi sur un renouveau radical qui lui a permis de créer ce pour quoi il s'était toujours battu : "J'ai eu besoin de tout ce temps pour atteindre le stade où je peux dire ce que je veux dire". Jusqu'à sa mort, il sera soigné par Lydia Delectorskaya, qui avait également posé pour l'artiste à de nombreuses reprises. Avec l'aide d'assistants, il entreprend de réaliser des collages de papier découpé, souvent à grande échelle, appelés gouaches découpées. En manœuvrant des ciseaux à travers des feuilles de papier préparées, il inaugure une nouvelle phase de sa carrière. Le découpage n'était pas une abdication de la peinture et de la sculpture : il appelait cela "peindre avec des ciseaux". Matisse disait : " Seul ce que j'ai créé après la maladie constitue mon vrai moi : libre, libéré. " De plus, l'expérimentation des découpes offre à Matisse d'innombrables occasions de façonner un nouvel environnement esthétiquement agréable : "Voyez-vous, comme je suis obligé de rester souvent au lit à cause de l'état de ma santé, j'ai fait tout autour de moi un petit jardin où je peux me promener...". Il y a des feuilles, des fruits, un oiseau". En 1947, il publie Jazz , un livre à tirage limité contenant des impressions de collages colorés en papier découpé, accompagnées de ses réflexions écrites. Dans les années 1940, il a également travaillé comme graphiste et a réalisé des illustrations en noir et blanc pour plusieurs livres. "Les murs de ma chambre sont couverts de découpes", écrit-il à Rouveyre en 1948. "Je ne sais toujours pas ce que je vais en faire". LA SECONDE GUERRE MONDIALE En 1941, son fils Pierre, signale que Matisse a subi une grave opération. Ses amis ont tenté de persuader l'artiste vieillissant de quitter la France, mais Matisse a déclaré : "Si tous les gens talentueux quittaient la France, le pays serait beaucoup plus pauvre. J'ai commencé une vie d'artiste très pauvre, et je n'ai pas peur d'être pauvre à nouveau. . . . L'art a sa valeur ; c'est une recherche de la vérité et la vérité est tout ce qui compte". La Seconde Guerre mondiale a entraîné un effondrement total des structures de la vie de Matisse : sa santé, son mariage et le sort inconnu de ses tableaux en Russie et dans la France occupée. En 1943, pour échapper à la menace d'un bombardement allié sur Nice, Henri Matisse s'installe dans la villa Le Rêve , à la périphérie de Vence. Construite en 1930 pour une famille anglaise, elle sera sa maison et son studio pendant les cinq années suivantes. C'est là qu'il peindra et dessinera, mais aussi qu'il créera la série de papiers découpés Jazz. Matisse a décrit ce processus comme "le dessin aux ciseaux" en expliquant : "Les papiers découpés me permettent de dessiner en colon je le vois comme une simplification. Au lieu de dessiner le contour et d'y mettre de la couleur - l'un modifiant l'autre - je dessine directement en couleur." Réalisés entre 1943 et 1944, les 20 papiers collés découpés pour Jazz ont été traduits en pochoirs, qui ont ensuite été imprimés et publiés dans une édition de 270 exemplaires en 1947. Les sujets des planches de Jazz vont du cirque à la mythologie en passant par la Nature. Les planches sont accompagnées d'un texte composé et écrit à la main par l'artiste lui-même. Matisse a voulu que le texte, qui expose le rôle de l'artiste, ait une fonction essentiellement visuelle. L'amour de Matisse pour ses colombes et ses chats Minouche et Coussi apparaît de manière touchante dans une série de photographies prises à la Villa Le Rêve par Hélène Adant, une cousine de Lydia Delectorskaya. La passion de Matisse pour les oiseaux (et en particulier les colombes) a commencé pendant l'été 1936. De retour à Paris et se promenant sur les bords de la Seine, son L'attention a été attirée par les marchands qui vendaient une variété d'oiseaux chanteurs et de colombes en cage. Il rentrait chez lui avec cinq ou six oiseaux à la fois et se réjouissait de leurs formes et de leurs couleurs, de leur plumage et de leur chant. Son amour des oiseaux dura toute sa vie. Vers la fin de sa vie, Matisse a offert à Picasso, qui aimait les oiseaux et avait lui-même des canaris et des pigeons, le dernier de ses pigeons de fantaisie. Picasso a dessiné son portrait sur la célèbre affiche Colombe de la paix. Pendant la guerre, Matisse, isolé, n'exprime que rarement ses sentiments politiques et protège son art de la politique en toutes circonstances. On sait qu'il a créé l'idylle domestique réverbérée La leçon de piano au cours de l'été 1916, alors que la mort guettait à Verdun. Pendant la Seconde Guerre mondiale, la Résistance française a affecté les deux femmes les plus importantes de sa vie, Amélie et Marguerite. Marguerite était dactylo pour le maquis communiste, et Marguerite, qui servait de coursier, ainsi que son fils Jean, qui était impliqué dans des opérations de sabotage. (Amélie est emprisonnée pendant six mois ; Marguerite est torturée par la Gestapo mais s'échappe d'un wagon à bestiaux bloqué en route vers un camp de prisonniers en Allemagne pendant les derniers mois chaotiques de la guerre. Matisse, totalement apolitique, fut choqué d'apprendre que sa fille Marguerite l'avait été. CORRESPONDANCE Dans les années 1941-1954, Matisse a entretenu une correspondance unique avec le dessinateur et écrivain satirique français André Rouveyre (1879-1962) , dans laquelle se reflètent et se réfractent sa production et ses innovations permanentes. Il s'agit peut-être de la plus belle correspondance du XXe siècle et elle raconte l'histoire d'une amitié marquante. Matisse et Rouveyre se sont rencontrés à la fin des années 1890, alors qu'ils étaient encore jeunes étudiants à l'École des Beaux-Arts de Paris, mais leurs vies se sont rapidement éloignées et leurs chemins se sont considérablement séparés au cours des années suivantes. Ce n'est que lorsqu'ils se sont retrouvés par hasard pendant la guerre, après l'opération de Matisse, que leur étroite amitié s'est développée. Malgré leurs différences notoires, Rouveyre, comme le montre la correspondance, a suivi de près le processus de travail de Matisse. Cette correspondance se distingue de toutes les autres par son ampleur et sa fréquence - pendant de longues périodes, ils s'écrivent quotidiennement, parfois plusieurs fois par jour - et par l'abondance de dessins, d'esquisses et d'enveloppes décorées de Matisse. Ces lettres, empreintes d'intimité et d'un humour irrésistible, évoquent aussi bien les événements de la vie quotidienne que l'œuvre de Matisse et nous donnent ainsi un aperçu unique du processus créatif de l'artiste et de ses réflexions sur sa vie et son œuvre. Vers la fin de sa vie, Matisse connaît un regain de créativité dans une série d'œuvres d'une pureté, d'un raffinement et d'une liberté inégalés, manifestations d'un véritable "style tardif". La créativité de Matisse s'étend au domaine des arts graphiques et de l'illustration de livres, cette dernière ayant débuté alors qu'il avait déjà une soixantaine d'années, avec les illustrations des Poésies de Stéphane Mallarmé (1932). DERNIÈRES ANNÉES : CHAPELLE DU ROSAIRE À VENCE En 1951, Matisse achève un projet monumental de quatre ans consistant à concevoir l'intérieur, les vitraux et les décorations de la Chapelle du Rosaire à Vence. Ce projet a horrifié la hiérarchie catholique mais aussi le monde de l'art contemporain alors largement influencé par le dogme communiste. On dit souvent que Picasso a recommandé à Matisse de décorer plutôt une maison close. Ce projet est le fruit de l'étroite amitié entre Matisse et Sœur Jacques-Marie. La presse n'a pas toujours été d'un grand secours, et les journalistes ont fait du sensationnalisme sur la relation entre l'artiste et la religieuse. Sœur Jacques-Marie affirme qu'il ne s'est jamais rien passé de fâcheux entre eux. Mais la profonde affection qu'ils éprouvaient l'un pour l'autre transparaît dans sa conversation et dans les bribes de sa correspondance. Sœur Jacques-Marie a rencontré Matisse en 1942, alors qu'elle était une élève infirmière nommée Monique Bourgeois et que Matisse, à l'aube de ses 70 ans et se remettant d'un cancer de l'intestin, passait une annonce pour une "jeune et jolie infirmière de nuit". Le prestige de Matisse était tel qu'il pouvait en grande partie financer lui-même le projet. Une fois achevée, la chapelle a été inaugurée en 1951 lors d'une cérémonie présidée par l'archevêque de Nice. D'abord déconcertées, les sœurs du couvent ont fini par aimer sa chaste sérénité et sa couleur effervescente. Pendant qu'il travaillait, les modèles et les assistants étaient jalousement gardés, coupés de tout contact avec l'extérieur et plus ou moins confinés dans les locaux. Picasso, accompagné de son amante Françoise Gilot, est un visiteur fréquent et bienvenu. Tout en continuant à s'affronter comme de vieux duellistes, ils ont parlé d'art. La chapelle a pris quatre ans et a épuisé Matisse, qui ne pouvait plus se tenir debout pendant de longues périodes et devait attacher son pinceau à une longue perche. Mais chez lui, assis sur son lit ou dans un fauteuil roulant, il continue à réaliser des gouaches découpées. Après que Rouveyre l'a taquiné pour avoir embrassé la religion, Matisse a exhorté son ami à regarder sa découpe d'une femme nue, Zulma, au Salon de mai à Paris en 1950 : Il lui répondit : "Vous verrez le réveil des convertis". La Gerbe, feuilles multicolores qui ressemblent à une gerbe de fleurs, a été achevée quelques mois avant sa mort, mais elle explose de vie. L'artiste qui a presque réinventé la couleur en peinture a désormais trouvé la liberté dans la simplicité de la décoration. " J'en ai la maîtrise ", dit-il à Rouveyre dans une lettre. "J'en suis sûr". En 1952, le Musée Matisse est inauguré au Cateau-Cambrésis, la ville natale de l'artiste, auquel il a fait don de 100 de ses œuvres - d'une valeur allant jusqu'à 14 000 000 $. Matisse meurt d'une crise cardiaque à l'âge de quatre-vingt-quatre ans, le 3 novembre 1954, avec Marguerite et Delectorskaya à ses côtés. Lydia Delectorskaya est partie immédiatement avec la valise qu'elle gardait emballée depuis quinze ans. Il est enterré dans le cimetière du Monastère Notre Dame de Cimiez et un musée Matisse a été ouvert dans la région.

Créateur:
Henri Matisse (1869-1954, Français)
Année de création:
1927
Dimensions:
Hauteur : 33,02 cm (13 po)Largeur : 25,4 cm (10 po)Profondeur : 2,54 mm (0,1 po)
Support:
Eau-forte
Mouvement et style:
Moderne
Période:
1920-1929
État:
Adresse de la galerie:
Collonge Bellerive, Geneve, CH
Numéro de référence:
1stDibs : LU16121832183

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Henri Matisse

Qu'il soit dessinateur, sculpteur, graveur ou peintre, Henri Matisse était un maître de la couleur. Bien qu'ayant reçu une formation classique à l'Académie Julian, à Paris, il abandonne rapidement les techniques et les genres traditionnels pour créer un style qui lui est propre, marqué par des traits rapides et gestuels et des contours fluides.

Avec son collègue peintre André Derive, Matisse a été le principal promoteur du fauvisme, un mouvement dont le nom est dérivé du mot français signifiant "bête sauvage". Marquées par des teintes vibrantes, les peintures fauves comme la célèbre composition de Matisse de 1906 Le Bonheur de vivre utilisent des coups de pinceau sauvages et actifs et une palette non contrainte par la nature, ce qui donne des femmes à la peau violette et des arbres aux feuilles orangées. Souvent, ces compositions unissent la couleur pure au blanc de la toile exposée pour créer une sensation de transparence et de lumière.

Outre des paysages et des natures mortes magistrales, Matisse aimait peindre des sujets érotiques, en particulier le nu féminin. Rejetant le réalisme strict de , il décompose la forme en ses parties essentielles et les traduit ensuite en contours voluptueux et arrondis. Avec ses couleurs saisissantes et son modelé sculptural, Odalisque couchée aux magnolias est l'une des œuvres les plus célèbres de Matisse - et l'œuvre la plus chère jamais vendue - représentant Henriette Darricarrère, son a.muse et modèle favori pendant environ sept ans, se prélassant luxueusement dans son Studio de Nice. Dans des tableaux comme la lithographie Nu Bleu, il explore le pouvoir expressif d'un corps en mouvement en plaçant ses personnages dans des poses tordues ou contorsionnées, transformant leurs membres en un enchevêtrement de couleurs et de formes qui poussent la peinture figurative vers l'abstraction.

Trouvez des reproductions originales d'Henri Matisse , sculptures et d'autres œuvres d'art sur 1stDibs.

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