Peintures - Nature morte - Années 1870

Nature morte réaliste américaine du XIXe siècle très finement peinte. Huile sur toile. En excellent état d'origine. Joliment encadré dans une moulure en bois doré d'époque. Excel...

Cette magnifique peinture à l'huile de la fin du XIXe siècle, réalisée par l'éminent artiste britannique Edward Ladell (1821-1886), représente des cobnuts, un roemer, des framboises,...

Louis Noël VALLANCIAN Paris, 1827 - Paris, 1885 Huile sur toile 54,5 x 83 cm (65 x 94 cm avec le cadre) Signée et datée en bas à gauche "L. Vallancienne / 1877" Cadre du 19e siècle e...

Jean Baptiste Robys (Flamand, 1821-1910) Sans titre (nature morte), 1871 Huile sur panneau de bois 17 1/2 x 13 1/2 in. Encadré : 20 1/3 x 16 1/4 in. Signé et daté en bas à gauche (si...

J'ai le privilège de pouvoir vivre un peu avec les tableaux que je propose et de les " tester ". Je peux confirmer que cette œuvre particulière donne l'impression d'acquérir une nouvelle fenêtre dans votre maison - une fenêtre qui donne sur les champs par une journée d'été ensoleillée. L'artiste a composé une nature morte florale avec des fleurs de la campagne - coquelicots, marguerites, bleuets -. au milieu d'eux, vers lequel les oiseaux viennent en masse. La scène est-elle entièrement réaliste ? Peut-être pas. Mais qui a besoin de réalisme à une époque comme la nôtre ? L'artiste nous offre l'exubérance et la gaieté ainsi qu'une composition exquise. Le tableau est signé Dumont, un nom de famille français courant. Selon un catalogue de Christie's, cette signature particulière est celle de Jean Claude...

Ancienne peinture à l'huile de type memento mori de l'école américaine. Huile sur planche. Encadré. Taille de l'image, 7L x 7H.

Cette charmante peinture à l'huile britannique de style victorien est réalisée par un artiste renommé. l'artiste floral Thomas Worsey. Elle a été peinte en 1872 et représente des gé...

Nous avons trouvé cette peinture perdue depuis longtemps de l'artiste allemand Otto Meyer dans une collection privée suédoise. Il a été présenté dans le magazine The Aldine de 1873 ...

"Nature morte avec grenades et citrons, 1876" Ernest Blanc-Garin (1843-1916) 19 3/4 x 23 3/4 (29 1/2 x 33 1/2 cadre) pouces Ernest Blanc-Garin (France/Belgique, 1843-1916) était pr...

La nature morte est une œuvre d'art moderne originale réalisée par Charles Barbaroux:: peintre:: dessinateur:: illustrateur et lithographe français:: en 1873. Huile de couleur méla...

Signé en bas à droite.

Une très belle huile sur toile vers 1870 du cercle du partenaire impressionniste français recherché Edouard Manet. La pièce représente trois roses blanches dans un vase noir avec une seule rose rose à côté. Le travail est exquis. Dimensions : Encadré : 26 "x21" Non encadré : 18 "x13". Provenance : Collection privée française Édouard Manet était issu d'une famille de la vieille bourgeoisie : son père était magistrat et le père de sa mère était diplomate. Il a été inévitablement façonné par ses origines et, aussi révolutionnaire que son œuvre ait pu paraître, il a conservé l'allure et les sentiments d'un "gentleman de la société". Enfant, il ressentait déjà une attirance irrésistible pour la peinture comme occupation. Un oncle colonel dans l'artillerie, qui passait chaque instant de son temps libre à remplir les pages d'un carnet de croquis, lui a transmis son amour du dessin et l'a emmené dans les musées. Après avoir poursuivi ses études au collège Rollin, Manet choisit (plutôt que d'étudier le droit) de s'engager comme mousse sur un navire de commerce, le Guadeloupe. Le long voyage qu'il a effectué du Havre à Rio de Janeiro a eu une influence sur la manière dont son génie s'est développé et lui a inspiré plus tard des paysages marins qui comptent parmi les plus beaux de son époque. À l'époque, cependant, il ne se sentait capable que de noter des impressions fugaces à l'aide de quelques traits de crayon - une attitude pittoresque ici, un aspect insaisissable là. De retour en France à l'âge de 18 ans, son père accède à sa demande et accepte de le laisser suivre sa vocation. Il lui fait entrer dans l'atelier de Thomas Couture, où Manet reste pendant six ans. En dehors des règles générales de son art, Manet n'avait pas grand-chose à apprendre de Couture, à qui le succès était venu facilement et pour qui la virtuosité tenait lieu de véritable talent. Le maître et l'élève ne se tenaient pas en haute estime. "Vous ne serez jamais que le Daumier de la peinture ! Couture lui a dit un jour, un commentaire révélateur sur les deux peintres. Manet se développe néanmoins dans l'atelier de Couture ; on lui donne les modèles dont il a besoin, après quoi il se rend au Louvre et se met passionnément à copier les maîtres italiens et hollandais, le Titien étant son préféré. Ses premières œuvres indépendantes sont également fortement redevables à Diego Velázquez. Les voyages qu'il effectue à la même époque en Hollande, en Allemagne et en Italie élargissent encore ses horizons. À partir de 1856, il loue un atelier rue Lavoisier et décide de travailler seul. En 1859, il affronte le public. Le Salon a rejeté sa soumission, Absinthe-Drinker, et une première exposition de ses œuvres à la Galerie Martinet, sur le boulevard des Italiens, a fait scandale. Le gentleman bourgeois astucieux, élégant et séduisant, conscient de sa valeur, qui aimait plaire et se sentait destiné à une carrière glorieuse, fut instantanément méprisé par le public. Les journaux le dépeignent comme un fou, un vulgaire bohémien et un anarchiste. Comme son ami Charles Baudelaire, il se voyait comme un grand classiciste que l'on prenait pour un rebelle. Le Joueur de guitare (ou Chanteur espagnol) de Manet a toutefois été accepté au Salon de 1861 et a même remporté un prix. L'année précédente, il avait ouvert la voie à ces grandes compositions qui représentaient l'épanouissement de sa plus grande liberté d'inspiration avec la Musique du jardin des Tuileries, où les couleurs se réverbèrent autour des ombres et où les personnages comme les arbres frémissent de vie. La personnalité artistique de Manet se révèle déjà dans ces premières œuvres par la qualité de ses noirs et blancs contrastés, par l'intensité de ses effets tragiques et par la délicatesse raffinée de sa palette, ainsi que par l'influence de l'Espagne, avec laquelle son art a d'étranges affinités et qui est restée l'une de ses principales sources d'inspiration. (Paris fêtait alors une troupe de danseurs espagnols, un chanteur et un guitariste). Il ne faut pas négliger l'influence des gravures sur bois japonaises, qui étaient récemment devenues disponibles à Paris. L'art japonais correspondait à son tempérament par ses contrastes audacieux et la qualité de ses couleurs, clairement situées et soutenues par de beaux noirs, ainsi que par ses formes nonchalantes, mises en valeur par la précision d'une emphase ferme ; et il était attiré par les sujets eux-mêmes - courtisans et gens de théâtre, artisans au travail, ou femmes à leurs ablutions. Dès le début, Manet a réagi contre les contours insipides et les valeurs atténuées. Il a employé une technique alla prima (c'est-à-dire peindre sans sous-peinture), essentielle pour le développement de l'impressionnisme. Sur ses toiles, il place de grandes masses unifiées, des "visages de jeux de cartes", comme on l'a dit de son célèbre Déjeuner sur l'herbe, qui fit scandale au premier Salon des Refusés commandé par Napoléon III en marge du Salon officiel de 1863. Toutes sortes de critiques contradictoires ont été formulées à l'égard de cette toile, qui était une peinture de plein air mais qui contenait aussi le plein air de l'atelier, inspirée par le Concert champêtre de Giorgione au Louvre. Manet y a travaillé pendant une année entière, mais elle a toute la fraîcheur tonale d'une esquisse et a été décrite par un critique comme un barbouillage et une caricature de couleur. Sans parler de son audace à montrer une femme nue dans un bois en compagnie d'hommes portant des vestes ! Il s'agit de Victorine Meurent, une rousse au teint mat, à la silhouette svelte et à l'attitude impassible, qui figurera pendant 12 ans sur de nombreuses toiles du peintre. Elle bouleversera à nouveau les visiteurs habituels du Salon de 1865 dans son incarnation suivante, Olympia, peinte en 1863. Le fossé se creuse encore davantage entre Manet et son public. Cette fille nue paraissait perverse, stupide, cadavérique, d'une attitude féline et indécente ; le bouquet et sa servante noire étaient considérés comme ridicules. Enfin, le visage et les tons de chair blafards, par leurs contours faiblement indiqués, ont heurté les spectateurs habitués à de savantes graduations et à d'habiles transitions de la lumière à l'ombre. Cependant, un petit groupe d'artistes et d'écrivains a pris une défense passionnée de l'œuvre. Ils se retrouvaient au Café Guerbois sur l'avenue de Clichy. Dans cette coterie, le brillant Manet tient la place d'honneur. Contrairement à ses apparences décontractées, sa production est prodigieuse : il réalise des aquarelles et des gravures, des études, de grands sujets d'actualité tirés d'événements contemporains, des portraits et des paysages marins. Baudelaire lui écrit : "Ils ne peuvent reconnaître votre talent. . . . . Pensez-vous être la première personne à se trouver dans cette situation ? Êtes-vous plus un génie que Châteaubriand et Wagner ? Cela n'a pas empêché les gens de se moquer d'eux. Ils n'en sont pas morts non plus". Dans les Salons, on montrait du doigt un bourgeois aussi distingué qui "peignait des obscénités". Émile Zola est renvoyé du journal dans lequel il avait publié ses éloges enthousiastes en 1867, année de l'Exposition universelle. Toute personne ayant une quelconque influence dans la société se rendait à Paris pour cet événement. Pour faire connaître ses œuvres au public, Manet les a présentées lui-même dans un petit pavillon situé à l'extérieur de l'enceinte officielle. À cette époque, il avait atteint le degré le plus parfait de maîtrise. Avec des moyens étonnamment restreints, sur une toile sur laquelle il avait étalé une simple couche de peinture, il indiquait le passage de la lumière à l'ombre en quelques coups de pinceau courts et donnait une résonance aux tons de chair lumineux de ses modèles, tout en indiquant d'abord dans un ton unifié quelques ombres qu'il soulignait ensuite violemment par des coups de lumière. 'M. Manet", écrit-il dans le catalogue, "n'a prétendu ni renverser un ancien style de peinture ni en créer un nouveau. Il a simplement cherché à être lui-même et personne d'autre". Seuls quelques amis personnels de Manet lui ont acheté des toiles. Néanmoins, les tableaux exposés comprennent l'Exécution de l'empereur Maximilien, l'admirable Course des taureaux, la Femme au perroquet...