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Lena GurrGrande peinture à l'huile moderniste d'une femme américaine d'inspiration cubistec.1940s
c.1940s
À propos de cet article
Une belle scène de paysage boisé avec des maisons et des arbres.
Peint sur un panneau de masonite. Signé à la main en bas à droite. avec l'étiquette de l'encadreur au verso.
Encadré à 40 X 55 pouces. 33 X 48 sans le cadre et le passe-partout.
Il n'est pas daté.
Lena Gurr (1897-1992) était une artiste américaine qui a réalisé des peintures, des gravures et des dessins. Au cours de sa carrière, les compositions de Lena Gurr ont conservé un contenu émotionnel tout en évoluant d'un style naturaliste à un style cubiste semi-abstrait. Née dans une famille d'immigrés juifs russes parlant le yiddish, elle était l'épouse de Joseph Biel, également juif russe et artiste de même genre et de même sensibilité. Gurr utilise Lena Gurr comme nom professionnel. Après avoir épousé Joseph Biel, elle est parfois appelée Lena Gurr Biel. Biel est né à Grodno, en Pologne (plus tard absorbée par la Russie) et a vécu en Angleterre, en France et en Australie avant de venir à New York. Artistique, il s'est spécialisé dans la peinture de paysages et la sérigraphie, ainsi que dans la photographie. Il a étudié l'art à l'Académie russe de Paris. Après avoir immigré aux États-Unis, il a étudié avec George Grosz à l'Arts Students League.
Gurr est née à Brooklyn et, à l'exception de brefs séjours à Manhattan et à Paris, elle y a vécu toute sa vie. Cette peinture porte l'influence de Lyonel Feininger, un influent artiste germano-américain. Gurr a commencé à étudier l'art dès son plus jeune âge. En 1919, elle étudie la peinture et la gravure à l'Educational Alliance Art School et, entre 1920 et 1922, elle obtient une bourse pour fréquenter l'Art Students League, où elle suit les cours de John Sloan et de Maurice Sterne.
En 1926 et 1928, Gurr a participé à des expositions de groupe au Whitney Studio Club à Greenwich Village et, en 1928, elle a également participé à la 12e exposition annuelle de la Society of Independent Artists au Waldorf Roof à New York. (Helen Appleton Read, critique au Brooklyn Daily Eagle, a déclaré à propos de cette exposition : "J'ai fait trois découvertes lors de ma première visite, Thomas Nagel, Eugenie McEvoy et Lena Gurr avec deux compositions de figures qui ont quelque chose de Marie Laurencin ou d'Hélène Perdriat et qui sont d'une sophistication naïve"). Le Waldorf Roof était un ensemble de chambres situées au dernier étage de l'hôtel Waldorf Astoria, dont l'une avait des côtés et un toit en verre. De 1929 à 1931, Gurr a pris un congé de son poste d'enseignante pour voyager en France avec Joseph Biel, un artiste qu'elle avait rencontré lors de ses études à l'Art Students League. Ils ont passé du temps à Nice et à Menton, mais surtout à Paris.
Au cours des premiers mois de 1931, alors qu'elle est encore à l'étranger, ses œuvres sont présentées dans des expositions de groupe organisées au grand magasin R. H. Macy et à l'Opportunity Gallery (ouverte par Gifford Beal). En 1932, elle participe à trois expositions : une exposition personnelle au Brooklyn Museum, une exposition annuelle de la New York Society of Women Artists, ( Sa première présidente était Marguerite Zorach. Les membres fondateurs étaient Agnes Weinrich, Anne Goldthwaite, Blanche Lazzell, Henrietta Shore, Louise Upton Brumback, Margaret Wendell Huntington, Marjorie Organ et Sonia Gordon Brown), et une exposition de groupe au Studio D.G..
Son travail a attiré l'attention de la critique trois ans plus tard lorsque, au début de ce qui s'est avéré être une relation longue et productive, elle a fait sa première apparition à la A.C.A. Gallery. (La A.C.A. Gallery a été fondée en 1932 par Herman Baron et les artistes Stuart Davis, Adolf Dehn et Yasuo Kuniyoshi. Orientée vers l'art contemporain américain, elle avait un point de vue distinctif de gauche et ses expositions tendaient à présenter des œuvres de conscience sociale. Au début des années 1940, elle a été la première galerie à présenter des sérigraphies utilisant la technique mise au point par Harry Gottlieb).
En 1936, Gurr rejoint l'Association nationale des femmes peintres et sculpteurs. En 1936, 1937 et 1938, elle participe aux expositions collectives des Salons of America (Salons of America est une organisation fondée en 1922 par Hamilton Easter Field. Parmi les membres figuraient Oscar Bluemner, George Luks, Rockwell Kent et Stefan Hirsch), l'American Artists School (L'American Artists School avait une orientation radicale similaire à celle de l'A.C.A. Gallery. Son directeur était Harry Gottlieb. Le secrétaire était Henry Billing. Arnold Blanch, Lincoln Rothschild, Waylande Gregory, Louis Lozowick, John Cunningham, Alexander Brook, George Philips, H. Glintenkamp, Yasuo Kuniyoshi, Niles Spencer et Philip Reisman étaient membres du conseil). et la Gallery Art Gallery municipale. Ses expositions de groupe en 1938 comprenaient l'exposition annuelle organisée par la New York Society of Women Artists, une exposition de bienfaisance intitulée "Roofs for 40 Million" qui s'est tenue à la Maison française dans le nouveau Rockefeller Center, et une autre exposition de bienfaisance, organisée par le Joint Distribution Committee aux Studio Guild Galleries.
Au printemps 1945, l'A.C.I.C. Gallery lui offre sa troisième exposition personnelle.
Au cours des décennies suivantes, les œuvres de Gurr ont continué à être présentées lors d'expositions de l'Association nationale des femmes peintres et sculpteurs, de la Brooklyn Society of Artists, de la New York Society of Women Artists et de l'A.C.A. Gallery. Elle a également exposé à l'Exposition universelle (1939), au Metropolitan Museum (1942), à la Corcoran Gallery of Art (1944), à l'Artists League of America (1945), à la National Academy of Design (1946), aux Serigraph Society Galleries (1947) et à l'American Federation of Arts (1951). En 1950, elle réalise des peintures murales et des décorations mobiles dans la salle de bal de l'hôtel Astor en vue d'un événement de bienfaisance parrainé par Artists Equity afin de collecter des fonds pour les artistes malades et démunis et, en 1952, elle devient la secrétaire d'enregistrement d'Artists Equity.
( Formée en 1947, l'Artists Equity Association avait pour objectif de promouvoir le bien-être des artistes américains et de protéger leurs intérêts économiques. Son président était Yasuo Kuniyoshi et ses membres comprenaient des peintres, des sculpteurs et des artistes graphiques américains tels que Will Barnet, Thomas Hart Benton, Stuart Davis, Arthur Dove, Marsden Hartley, Edward Hopper, Louise Nevelson et John Sloan).
Au cours de sa carrière artistique, Gurr a surtout réalisé des œuvres de chevalet à l'huile et à la caséine, ainsi que des lithographies et des sérigraphies, et quelques aquarelles et dessins. Ses sujets comprenaient des natures mortes, des scènes de ville, des lieux de vacances et des représentations de la guerre et de la persécution.
Adhésions : Gurr était membre de l'American Artists Congress, de l'Artists Equity Association, de l'Artists League of America, de l'Artists Union, de l'Audubon Artists, de la Brooklyn Society of Artists, de la National Association of Women Painters and Sculptors et de la New York Society of Women Artists.
Au cours de l'été 1945, Gurr enseigne dans les parcs de la ville dans le cadre d'un programme parrainé par le Civilian Defense Volunteer Office (Bureau des volontaires de la défense civile). Ses sessions au jardin botanique de Brooklyn se sont révélées être une partie populaire du programme.
- Créateur:Lena Gurr (1897 - 1992, Américain)
- Année de création:c.1940s
- Dimensions:Hauteur : 101,6 cm (40 po)Largeur : 139,7 cm (55 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Bon. Le cadre présente une usure mineure et une perte d'argenture correspondant à l'âge et à l'usure.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38214825392
Lena Gurr
Lena Gurr (1897 -1992) Artiste peintre • Graveur • Artistics Née à Brooklyn en 1897, elle a étudié à la Brooklyn Training School for Teachers, à l'Educational Alliance Art School, à l'Arts Students League avec John Sloan, et avec M. One à Paris ainsi qu'à Mentone et Nice, en France. Gurr était membre de l'Artists League of America, de la National Association of Women Artists, de la New York Society of Women Artists, de la Brooklyn Society of Artists, d'Audubon Artists et de l'American Artists Congress. Elle a participé à de nombreuses expositions organisées par ces organisations, ainsi qu'au Whitney Studio Club, à la National Academy of Design, au Virginia Museum of Fine Arts, au Brooklyn Museum et à l'Exposition universelle (1939).
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Edward Avedisian ( 1936-2007 )
8 X 9
Peinture à l'huile sur panneau de bois avec figure dorée et violette
Il n'est pas signé au recto. Il porte son nom au verso.
Provenance : Hudson, N.Y., succession du célèbre collectionneur d'art Albert Burnette Roberts (1932-2021).
Edward Avedisian (15 juin 1936, Lowell, Massachusetts - 17 août 2007, Philmont, New York) est un peintre abstrait américain qui s'est fait connaître dans les années 1960. Son travail a d'abord été associé à la peinture Color field et, à la fin des années 1960, à l'abstraction lyrique et à l'expressionnisme abstrait.
Il a étudié l'art à l'école du Musée des Beaux-Arts de Boston. À la fin des années 1950, il s'installe à New York. Entre 1958 et 1963, Avedisian a présenté six expositions personnelles à New York. En 1958, il expose d'abord à la Hansa Gallery, puis à trois reprises à la Tibor de Nagy Gallery et, en 1962 et 1963, à la Robert Elkon Gallery. Il a continué à exposer à la Robert Elkon Gallery presque chaque année jusqu'en 1975.
Au cours des années 1960, son travail a été largement visible dans le monde de l'art contemporain. Il rejoint la scène artistique dynamique de Greenwich Village, fréquente la Cedar Tavern sur la dixième rue, s'associe au critique Clement Greenberg et se joint à une nouvelle génération d'artistes abstraits, tels que Darby Bannard, Kenneth Noland, Jules Olitski et Larry Poons.
Avedisian fait partie des figures de proue qui ont émergé dans le monde de l'art new-yorkais au cours des années 1960. Cet artiste, qui a mélangé les couleurs chaudes du Pop Art avec les qualités froides et plus analytiques de la peinture Color Field, a joué un rôle déterminant dans l'exploration de nouvelles méthodes abstraites visant à examiner la primauté de l'expérience optique.
L'une de ses peintures a fait la couverture d'Artforum en 1969, ses œuvres ont été incluses dans l'exposition Op Art The Responsive Eye de 1965 au Musée d'art moderne et dans quatre expositions annuelles au Musée d'art américain Whitney. Ses peintures ont été largement recherchées par les collectionneurs et acquises par les principaux musées de New York et d'ailleurs. Il a été exposé dans des galeries de premier plan, telles que la Anita Shapolsky Gallery et la Berry Campbell Gallery à New York. Edward Avedisian était connu pour ses toiles aux couleurs vives et aux compositions audacieuses qui combinaient la rigueur du minimalisme, l'exubérance du pop art et les tons saturés de la peinture Color Field.
Roberta Smith du NYT écrit à propos d'Avedesian : "Edward Avedisian a contribué à établir la peinture abstraite aux couleurs vives, mais émotionnellement froide, qui a succédé à l'expressionnisme abstrait au début des années 1960. Cette jeune sommité a exploité des éléments du minimalisme, du pop et du color field painting pour créer des œuvres marquantes aux proportions épiques qui ont dynamisé la scène artistique new-yorkaise de l'époque." En 1996, Avedisian a exposé ses peintures des années 1960 à la Mitchell Algus Gallery, alors située à SoHO. Sa dernière exposition, dominée par des paysages récents, a eu lieu en 2003 à la galerie Algus, aujourd'hui à Chelsea.
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Avedisian fait partie des figures de proue qui ont émergé dans le monde de l'art new-yorkais au cours des années 1960. Cet artiste, qui a mélangé les couleurs chaudes du Pop Art avec les qualités froides et plus analytiques de la peinture Color Field, a joué un rôle déterminant dans l'exploration de nouvelles méthodes abstraites visant à examiner la primauté de l'expérience optique.
L'une de ses peintures a fait la couverture d'Artforum en 1969, ses œuvres ont été incluses dans l'exposition Op Art The Responsive Eye de 1965 au Musée d'art moderne et dans quatre expositions annuelles au Musée d'art américain Whitney. Ses peintures ont été largement recherchées par les collectionneurs et acquises par les principaux musées de New York et d'ailleurs. Il a été exposé dans des galeries de premier plan, telles que la Anita Shapolsky Gallery et la Berry Campbell Gallery à New York. Edward Avedisian était connu pour ses toiles aux couleurs vives et aux compositions audacieuses qui combinaient la rigueur du minimalisme, l'exubérance du pop art et les tons saturés de la peinture Color Field.
Roberta Smith du NYT écrit à propos d'Avedesian : "Edward Avedisian a contribué à établir la peinture abstraite aux couleurs vives, mais émotionnellement froide, qui a succédé à l'expressionnisme abstrait au début des années 1960. Cette jeune sommité a exploité des éléments du minimalisme, du pop et du color field painting pour créer des œuvres marquantes aux proportions épiques qui ont dynamisé la scène artistique new-yorkaise de l'époque." En 1996, Avedisian a exposé ses peintures des années 1960 à la Mitchell Algus Gallery, alors située à SoHO. Sa dernière exposition, dominée par des paysages récents, a eu lieu en 2003 à la galerie Algus, aujourd'hui à Chelsea.
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