Photographie - Figuratif non encadrée

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CHRIS BUCK Né en 1964 à Toronto, Canada Vit et travaille à New York, NY Eminem 1999 Ed 10 Déclaration de l'artiste : Pour tout photographe sérieux, les meilleurs portraits sont en fin de compte aussi des Self-Portraits. L'inconfort, la bizarrerie et la frustration dans mes photographies sont la preuve de mon malaise. Au fur et à mesure que j'ai gagné en maturité et que je me suis sentie plus à l'aise dans ma peau, j'ai pu reconnaître la lutte et la vulnérabilité de mes modèles, amenant mon travail à un point de collaboration avec eux. Alors qu'auparavant je cherchais le conflit avec les sujets, aujourd'hui nous travaillons à construire ensemble quelque chose d'étrange et de merveilleux. Expositions individuelles 2017 Uneasy, Krause Gallery, New York, NY. 2014 Turn of the Century Portraiture, Galerie Youn, Montréal, QC 2013 Présence : Le portrait invisible, Foley Gallery, New York, NY 2002 La Mélodie du bonheur : Nouveaux portraits de musiciens contemporains, Other Music, New York 1998 FanClub, Saba Gallery, New York, NY Expositions collectives 2016 Whiting the White House : From Press Prints to Selfies, organisé par Susan Carlson et Claartje van Dijk pour l'International Center of Photography, New York, NY ; exposé au Southampton Arts Center, Southhampton, NY. 2013 Rebels, organisé par Carl Saytor, Photoville Brooklyn. 2012 Traces du mythe. Sous la direction de Brenda Massie, Hagedorn Foundation Gallery, Atlanta, GA 2009 Wild Things : Photographie pour les amoureux des animaux. Sous la direction de Greg Garry, Stricola Gallery, New York, NY Michael Jackson n'abandonne pas : Une exposition présentant des œuvres liées à l'artiste et au phénomène social Michael Jackson. Sous la direction de Mike Ruiz et Ben Aqua, The Future Gallery, Berlin, Allemagne 2003 How Human : Exposition collective de photographies liées à l'ADN, International Center of Photography, New York, NY 1995 Limbo : Collaboration avec Alex & Leja Kress, Limbo, New York, NY 1990 Stretch Camera : Exposition de photographies de groupe présentant des images réalisées exclusivement avec l'appareil photo panoramique jetable Kodak, The Palmerston, Toronto, Canada Collections publiques Centre international de la photographie, New York, NY Livres 2016 UNEASY : Chris Buck Portraits 1986-2016, Norman Stuart Publishing, New York, NY. 2012 PRESENCE : The Invisible Portrait, monographie, Kehrer Verlag, Heidelberg, Allemagne 2010 New York Portrait of a City, divers artistes, Taschen, New York, NY 2005 CBGB & OMFUG : Thirty Years from the Home of Underground Rock, divers artistes, Abrams, New York 2004 Les meilleurs photographes du monde : Portraits, divers artistes, Rotovision SA, Hove, K.K. 2002 Hip Hop Immortals, divers artistes, Immortal Brands, New York, NY 1992 Shooting Stars, divers artistes, Stewart, Tabori & Chang, New York, NY Angry Women, divers artistes, RE/Search, San Francisco, CA Prix Images de l'année 2016 de la photographie américaine (Paul Giamatti). 2015 Images de l'année de l'American Photography (Lena Dunham) 2014 American Photography Images of the Year (Nick Offerman, Vice Office, President Barack Obama) 2013 Lürzer's Archive 200 Best ADS Photographers 2014/ 2015 (Président Barack Obama) Communication Arts Photography Annual Best of 2012 (Président Barack Obama) 2012 Images de l'année de la photographie américaine (Michele Bachmann, Présence Jack Nicklaus, Présence Michael Stipe). Lürzer's Archive 200 Best Ad Photographers 2012/ 2013 (George H. W. & Barbara Bush, Steve Coogan, Diesel elephant ad) Images de l'année 2011 de l'American Photography (David Byrne) Photo District News Photo Annual Awards in Editorial (Ayaan Hirsi Ali) Photo District News Photo Annual Awards in Corp/ Design (MS Office for Macs) Communication Arts Photography Annual Best of 2011 (Trey Parker & Matt Stone) Images de l'année 2010 de l'American Photography (Harold Ramis) Photo District News Photo Annual Awards in Editorial (Jay Leno) Photo District News Photo Annual Awards in Advertising (Old Spice) Photo District News Photo Annual Awards in Web Design (Chrisbuck) Communication Arts Photography Annual Best of 2010 (Jeb Bush) 2008 Prix annuel de la photo d'actualité du district photo dans la catégorie éditoriale (vice-garçons) Photo District News Photo Annual Award in Personal Work (Isn't Bill Gates, Isn't Justin Timberlake) Images de l'année de l'American Photography (Vice Boys, Isn't Bill Gates, Isn't Justin Timberlake) 2007 Prix annuel du portrait Arnold Newman (premier lauréat) Photo District News Photo Annual Award in Personal Work (Imagination, Common Sense) Prix annuel du district de la photo d'actualité en éditorial (Donald Trump) 2006 22e prix annuel de l'autopromotion PDN/Nikon (promotion de groupe avec JR) Photo District News Photo Annual Award in Editorial (Steve Martin, Jerry Stiller, Steve Carell, Rivers Cuomo, David Cronenberg) Images de l'année de la photographie américaine (Philips Lorca diCorcia) Photo District News Photo Annual Award in Personal Work (Prix annuel du travail personnel) 2005 Communication Arts Photography Annual Best of 2005 (Wes Anderson) Photo District News Photo Annual Award in Editorial (Wes Anderson) Photo District News Photo Annual Awards in Advertising (Moviefone) 2004 Communication Arts Photography Annual Best of 2004 (Ryan Adams) Prix annuel de la photo d'actualité du district photo dans la catégorie éditoriale (Genesis P-Orridge) Images de l'année de l'American Photography (Ryan Adams, Dave Matthews, Spike Lee) 2003 Prix HOW de l'autopromotion (Phobies/ Obsessed promo) Prix SPD (Society of Publication Designers) (Kato Kaelin) Communication Arts Photography Annual Best of 2003 (Grady Turner/ Museum of Sex) Prix annuel de la photo d'actualité du district photo dans la catégorie éditoriale (Phobies) Photo District News Photo Annual Awards in Advertising (Citibank dog) Images de l'année de la photographie américaine (Alberto Guerreo/ réduction de l'estomac, L'histoire des Stoners de banlieue) 2002 18e prix annuel de l'autopromotion PDN/Nikon (A Nice Pair/ HP promo) Communication Arts Photography Annual Best of 2002 (Spiritualized) Images de l'année de l'American Photography (David Rakoff & Amy Sedaris) Prix SPD (Society of Publication Designers) (Korey Stringer, John Lee, Jim Carrey) Art Directors' Club of New York Photography...

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Cette année-là, sa première mission consiste à photographier Mick Jagger à Londres. Du travail éditorial pour Disc et Music Echo, Sounds et plus tard Smash Hits et Q magazine entre autres, à la tournée de 1973 avec les Rolling Stones qui a conduit à une relation de travail de longue durée avec le groupe, Michael a fait des prises de vue prodigieuses, notamment pour les principales maisons de disques telles que CBS, Warner, Elektra, Polydor, Columbia Records et EMI. Installé à New York en 1977, Michael y a fondé l'agence photographique Retna. On dit que Michael a photographié tout le monde, d'Abba à Zappa ... ce qui est vrai si l'on regarde ses archives. Vivant désormais dans l'East Sussex, il a récemment exposé en 2016 "Off The Record" à la Lucy Bell Gallery à Hastings, montrant des images à la fois sur et hors scène, y compris des planches contact inédites, tandis que l'Ono Arte à Bologne, en Italie, accueille une exposition David Bowie. L'automne 2014 a vu la rétrospective des 50 ans de Michael à la Getty Gallery de Londres : " A life in Music, 50 Years On The Road ". La Snap Gallery, située dans la Piccadilly Arcade de Londres, expose régulièrement une sélection des œuvres de Michael. Michael continue à photographier les artistes qu'il admire le plus - probablement des musiciens de jazz, de musique classique et de musique du monde, qui ont toujours fourni un récit alternatif à son portfolio de musique rock. "Ce fut un voyage fantastique à travers une période incroyable de l'histoire de la musique, qui a combiné mes deux grandes passions ... la musique et la photographie. J'étais loin de me douter, lorsque mon oncle Alan m'a encouragé à prendre des photos dans les années 1950, que cela me conduirait à photographier presque tous mes héros... et à être ravi d'en découvrir encore de nouveaux. Un grand voyage sans fin". Michael Putland À propos des Who : Peu de groupes de rock & roll ont été criblés d'autant de contradictions que les Who. Les quatre membres avaient des personnalités très différentes, comme le démontraient leurs célèbres concerts : Keith Moon tombait sur sa batterie tandis que Pete Townshend sautait en l'air avec sa guitare, faisant tourner sa main droite en moulins à vent exagérés. Le chanteur Roger Daltrey rôde sur la scène tandis que le bassiste John Entwistle reste silencieux, comme l'œil du cyclone. Ils se sont souvent opposés, mais ces frictions ont donné naissance à une décennie de musique remarquable. Bien qu'ils aient mis du temps à trouver leur public, à la fin des années 60, les Who rivalisent avec les Rolling Stones en termes de concerts et de ventes d'albums. Tommy Figures de proue de la British Invasion et du mouvement mod au milieu des années 60, les Who représentaient une force sonore indéniablement puissante. Ils ont fait exploser les structures conventionnelles du rock et du R&B avec les accords de guitare furieux de Townshend, les lignes de basse hyperactives d'Entwistle et le jeu de batterie vigoureux et apparemment chaotique de Moon. Contrairement à la plupart des groupes de rock, les Who basaient leur rythme sur la guitare de Townshend, laissant Moon et Entwistle improviser sauvagement sur ses fondations, tandis que Daltrey chantait à tue-tête. Les Who s'épanouissent sur ce son en concert, mais sur disque, c'est une autre paire de manches : Townshend pousse le groupe vers de nouveaux territoires sonores, incorporant au style du groupe du pop art et des pièces musicales conceptuelles étendues. Il est considéré comme l'un des meilleurs auteurs-compositeurs britanniques de l'époque, des chansons comme "The Kids Are Alright" et "My Generation" étant devenues des hymnes pour les adolescents, tandis que son opéra rock Tommy a gagné le respect des critiques musicaux grand public. Cependant, le reste des Who, en particulier Entwistle et Daltrey, n'est pas toujours enthousiaste à l'idée de suivre ses explorations musicales. Ils voulaient jouer du hard rock au lieu des suites de chansons texturées et des chansons pop vulnérables de Townshend. Les Who se sont installés dans leur rôle de rockers d'arène au milieu des années 70, continuant sur cette voie après la mort de Moon en 1978 et la poursuivant à travers diverses dissolutions et réunions dans les années 80 et 90. Néanmoins, à leur apogée, les Who étaient l'un des groupes les plus novateurs et les plus puissants du rock. Townshend et Entwistle se sont rencontrés alors qu'ils étaient au lycée dans le quartier de Shepherd's Bush à Londres. Au début de leur adolescence, ils jouent dans un groupe de Dixieland, avec Entwistle à la trompette et Townshend au banjo. Au début des années 60, ils avaient formé un groupe de rock & roll, mais en 1962, Entwistle a rejoint les Detours, un groupe très dur dont le guitariste principal était un tôlier du nom de Roger Daltrey. À la fin de l'année, Townshend rejoint le groupe en tant que guitariste rythmique et, en 1963, Daltrey devient le chanteur principal du groupe après le départ de Colin Dawson. Le son du groupe évolue rapidement, influencé non seulement par des groupes américains tels que James Brown, Booker T. & the MG's et Eddie Cochran, mais aussi par un groupe britannique classique, Johnny Kidd & the Pirates, qui a fait fureur dans les hit-parades britanniques avec une chanson originale intitulée "Shakin' All Over" (que Townshend et ses acolytes ont ajoutée à leur liste de chansons). Ils ont bâti leur réputation sur des interprétations féroces du rhythm and blues à l'américaine, qui reposaient sur une approche simple guitare/basse/batterie, le guitariste jouant le lead et le rythme, ce qui était rare en Angleterre à l'époque. Townshend, réalisant que cette approche lui convenait, devint le seul guitariste du groupe. Un changement de nom s'ensuit également : les Beatles brûlant les palmarès, ils ont besoin d'un nom plus percutant que celui des Detours. Daltrey et Townshend ont opté pour le nom Who, qui a d'abord semé la confusion dans les conversations, mais qui s'est révélé mémorable sur les affiches. Au milieu de ces changements, le batteur original Doug Sandom - qui était marié et considérablement plus âgé que les autres - s'est séparé du groupe juste au moment où ils étaient sur le point d'essayer d'enregistrer un disque. Le groupe le remplace par Keith Moon, précédemment batteur du groupe de surf-rock les Beachcombers. Alors que le groupe s'efforce d'obtenir un répit, Townshend suit une école d'art, tandis que les trois autres font des petits boulots. Le groupe devient un habitué du Marquee Club à Londres et attire un petit public, ce qui suscite l'intérêt du manager Pete Meaden. Sous sa direction, les Who sont rebaptisés les High Numbers et s'habillent de costumes élégants pour séduire les mods obsédés par le style et le R&B. De nombreux groupes orientés vers le R&B tentent de cultiver des relations avec les mods, qui peuvent remplir les clubs et aider à propulser un disque dans les charts. Parmi ceux qui réussissent le mieux, outre les Who, figurent les Small Faces ("face" faisant partie de l'argot des mods) et les Move. Les High Numbers ont sorti un single, "I'm the Face". Après cet échec, le groupe a commencé à travailler avec Kit Lambert et Chris Stamp, deux jeunes entrepreneurs du secteur de la musique. Lambert est le fils du compositeur et arrangeur Constant Lambert ; Stamp est le frère de l'acteur Terence Stamp, et tous deux veulent marquer de leur empreinte la scène musicale percolante de l'Angleterre. Lambert a repéré le groupe qui jouait au Railway Hotel dans le sillage de "I'm the Face" et a fait venir Stamp. Lambert et Stamp les encouragent à embrasser le mouvement mod, les conseillent sur ce qu'il faut jouer et porter, notamment le T-shirt cible qui est devenu une signature visuelle. Le groupe reprend le nom des Who et commence à jouer un set entièrement composé de soul, de R&B et de Motown - ou, comme l'indiquaient leurs affiches, "Maximum R&B". Durant cette période, Townshend casse sa première guitare lors d'un concert au Railway Hotel, par accident. À cause d'une extension temporaire de la scène construite par le groupe, il heurte le plafond avec sa guitare ; frustré par les dégâts et la réaction du public, il la frappe jusqu'à ce qu'elle soit en morceaux ; il ne peut terminer le spectacle qu'en utilisant une Rickenbacker à 12 cordes qu'il vient d'acquérir. La semaine suivante, il découvre que des gens sont venus le voir casser sa guitare. Il finit par s'exécuter sous les encouragements de Keith Moon, qui s'attaque à sa batterie. Lambert et Campaigner sont d'abord consternés, mais Townshend démolit bientôt une autre guitare dans le cadre de la campagne publicitaire de Lambert (et ça marche, même si le journaliste au profit duquel il a commis cette destruction ne l'a jamais vue). À l'époque, il ne fracassait pas les guitares à chaque concert ; ce qu'il faisait en termes de réactions suffisait dans l'esprit de la plupart des spectateurs. Cela a amélioré leur statut auprès des mods : à la fin de 1964, ils avaient développé un public enthousiaste -- les mods aimaient la destruction en tant qu'élément d'un acte. Fin 1964, Townshend présente au groupe une chanson originale intitulée "I Can't Explain", qui doit un peu à "You Really Got Me" des Kinks, mais qui présente beaucoup d'angles nouveaux. Les paroles de Townshend donnent une impression vivante d'angoisse adolescente, parfaite pour la voix puissante de Daltrey et l'attaque à fond du groupe. Le résultat est tout aussi percutant, sensible et macho, avec une méchante guitare solo et même quelques harmonies. Le groupe et ses managers pensent qu'il s'agit d'un excellent premier single potentiel pour les Who, qui viennent d'être rebaptisés. Tout comme le producteur Shel Talmy, un Américain installé en Angleterre qui produisait les disques des Kinks (dont "You Really Got Me"). Grâce à "I Can't Explain", Talmy obtient pour le groupe un contrat avec le label américain Decca Records et le fait suivre d'un contrat avec le label anglais Decca (les deux sociétés étaient à l'époque divisées en entités distinctes). Bien que le single produit par Talmy soit arrivé sans grande attention en janvier 1965. Après la performance incendiaire du groupe lors de l'émission télévisée Ready, Steady, Go -- où l'on voit Townshend et Moon détruire leurs instruments -- "I Can't Explain" atteint le Top Ten britannique. Le single suivant, "Anyway, Anyhow, Anywhere", sorti cet été-là, déclare au monde entier la philosophie des mods : "Je peux aller n'importe où (où je veux)". Bien qu'il ne soit pas très éloigné de la mentalité des premiers hymnes rock & roll, les Who l'ont fait sonner résolument anglais. À l'automne, "My Generation" se hisse à la deuxième place des hit-parades, confirmant leur statut de phénomène pop britannique. Un album du même nom paraît à la fin de l'année, comprenant diverses reprises de R&B et quelques compositions originales intéressantes (pour la plupart de Townshend) sur le label K.K. Brunswick. Au début de l'année 1966, "Substitute" devient leur quatrième succès dans le Top 10 britannique. Produit par Kit Lambert, le single marque la séparation acrimonieuse du groupe avec Talmy et la fin du contrat d'enregistrement britannique Decca/Brunswick. Lambert et Stamp ont également essayé d'annuler l'accord avec la société américaine Decca, mais cela s'est avéré impossible. À partir de "Substitute", le groupe est signé par Polydor en Angleterre et sort sur Reaction. Pendant un certain temps, il y a eu des sorties concurrentes sur Brunswick et Reaction, mais la concurrence a finalement été réglée en faveur de Lambert et Stamp (et du groupe). "I'm a Boy", sorti à l'été 1966, est le premier single des Who à ne pas être sorti chez Brunswick, et il montre à quel point le groupe et Townshend ont progressé en 18 mois. Au cours de cette période, Lambert initie Townshend à une vaste gamme de musique classique qui élargit sa façon de concevoir la composition, les chansons et les sujets : "I'm a Boy", qui raconte l'histoire d'un adolescent forcé de s'habiller et d'agir comme une fille par sa mère dominatrice, comporte une quantité étonnante d'explications, mais laisse beaucoup de place à l'attaque furieuse du groupe. À leur manière, les Who ont eu un effet aussi profond sur le rock & roll que les Beatles ou les Rolling Stones : ils ont produit des singles anglais immensément populaires qui ont redéfini le contenu et les limites acceptables de la musique pop/rock et ont également constitué certaines des chansons les plus dures - mais aussi les plus mélodiques et les plus complexes - de l'époque. La situation aux États-Unis est très différente. "I Can't Explain" a à peine fait des vagues, et "Anyway, Anyhow, Anywhere" n'a guère fait mieux, malgré la publicité faite sur la chaîne de télévision ABC pour le showcase rock & roll Shindig. Même si Decca a fait un gros effort de marketing pour soutenir "My Generation", il n'est arrivé qu'en 74e position, soit l'ombre de ce qu'il a fait en Angleterre. Le succès britannique est une bonne chose, mais il n'est pas suffisant. La routine de destruction des instruments et les effets qui l'accompagnent (qui impliquent souvent de la poudre flash et des dommages aux batteries de Moon, ainsi qu'aux guitares de Townshend) sont terriblement coûteux, et le groupe a une dette permanente qui fait grimper les dépenses en flèche. La ruine financière n'a jamais été loin des pensées de leur direction, malgré le fait que Lambert et Stamp avaient maintenant leur propre label Polydor, Track Records - qui avait une nouvelle signature à la fin de 1966, un guitariste/chanteur américain transplanté nommé Jimi Hendrix. Une percée des Who en Amérique, ou sur le marché de l'album de manière importante, était essentielle. A Quick One Pour le deuxième album des Who, Lambert, Stamp, et le groupe avaient un programme plus ambitieux. Le succès de Townshend dans l'écriture de singles a inspiré les managers des Who, et il a été décidé que cette fois-ci, chaque membre du groupe contribuerait aux chansons pour générer plus de revenus. Bien que cela signifie que A Quick One était inégal, la présence de Lambert a permis à Townshend d'écrire la chanson titre comme un mini-opéra de dix minutes. Avec "A Quick One While He's Away", Townshend écrit (et les Who chantent et jouent) dans des idiomes qui vont bien au-delà du rock & roll, y compris le faux western et la fausse opérette. Le fait que Dedic et Entwistle, deux rockers dévoués, mettent tout leur talent au service de la musique, ainsi que le succès de la narration étendue du morceau, ont montré à Townshend et à la compagnie que cette idée avait du potentiel. A Quick One a également permis à Entwistle de s'épanouir dans l'écriture de ses chansons : Son humour macabre transparaît dans les entraînants "Boris the Spider" et "Whisky Man", ce dernier mettant en valeur ses talents au cor d'harmonie. La chanson "Cobwebs and Strange" de Moon était également un moment d'humour léger, et même Daltrey - dont les aspirations en matière d'écriture n'ont jamais retenu son attention - a contribué à "See My Way". A Quick One présentait une diversité de sons et de voix créatives, bien que les Who aient été relativement peu reconnus pour cela à l'époque. Lors de sa sortie en 1966, A Quick One est devenu un autre succès britannique et a également permis une petite percée américaine. Rebaptisé Happy Jack, son titre atteint le Top 40 au début de l'année 1967. Pour ce faire, les Who jouent aux Etats-Unis dans le cadre d'une tournée organisée par le DJ devenu imprésario Murray the K. Engagés aux côtés de Cream, des folkloristes Jim & Jean, et de Wilson Pickett, pour de courts sets cinq fois par jour, le groupe obtient l'exposition nécessaire à un public plus large, même si les harmonies vocales et les guitares relativement sobres de "Happy Jack" en font une chanson atypique des Who. Leur prochaine étape importante aux États-Unis est le concert au Fillmore de San Francisco. Pour cette occasion, ils avaient un problème inverse à celui des concerts de Murray the K - ces derniers avaient été trop courts (15 à 20 minutes), mais leurs concerts habituels de 40 minutes étaient trop courts pour le Fillmore. Dans le livre Maximum R&B de Richard Barnes, il est rappelé que pour allonger leur set, ils ont appris l'intégralité du mini-opéra et le reste de A Quick One, qu'ils n'avaient pas interprété en live. Après le concert du Fillmore en juin 1967, ils jouent leur plus important concert américain, le Monterey International Pop Festival, qui les met en duel avec leur compagnon de label Jimi Hendrix pour savoir qui peut terminer son set de la manière la plus scandaleuse. Hendrix l'emporte avec sa performance incendiaire, mais les Who s'acquittent admirablement de leur tâche en détruisant leurs instruments de façon spectaculaire. Revenir à leur ancien jeu de scène était particulièrement gênant, car ils venaient de terminer un album et un single qui représentaient une nouvelle phase. The Who Sell Out Construit comme une fausse émission de radio pirate, The Who Sell Out est un album conceptuel et un hommage affectueux aux stations de radio pirates d'Angleterre, qui ont été fermées à la suite d'une mesure de répression gouvernementale. Le groupe a jeté toutes ses forces dans l'album afin de consolider sa position en Angleterre et de percer enfin sur le marché américain, avec notamment le classique "I Can See for Miles". Explosion d'excitation et de tension contrôlée, il semblait promis à une place de choix dans les hit-parades. La performance de Daltrey est la meilleure de sa carrière à ce jour, complétée par la guitare tranchante de Townshend, la batterie frénétique de Moon et la basse d'Entwistle, qui fait office de point d'ancrage. Il a fallu beaucoup de travail dans trois studios différents - dont le Gold Star de Los Angeles - sur deux continents et deux côtes pour obtenir ce son ; en conséquence, il était si difficile à interpréter qu'il est devenu le seul succès qu'ils ont renoncé à jouer en concert. Il devient leur premier succès dans le Top 10 aux États-Unis et atteint la deuxième place en Angleterre, mais ce n'est pas suffisant pour répondre aux besoins du groupe ou de son management. Direct Hits Le groupe a passé une grande partie de l'année 1968 à voir les singles "Call Me Lightning", "Magic Bus" et "Dogs" - inspiré par l'intérêt de Townshend pour les courses de chiens - ne pas répondre aux attentes. Track Records, à court d'argent malgré les ventes florissantes d'Hendrix, monte Direct Hits, qui compile les récents singles du groupe (moins les faces produites par Brunswick, de Shel Talmy). Aux États-Unis, Decca Records - qui ne dispose que de deux véritables "hits" du groupe, en plus de "Magic Bus" (qui a connu un succès inattendu de ce côté-ci de l'Atlantique) - publie Magic Bus, un album compilation non reconnu construit autour du hit et tiré de singles, de maxis et de titres d'albums récents du K.K. Le sous-titre "The Who on Tour" est trompeur, et c'est en grande partie ce qu'ils ont fait en 1968, surtout aux États-Unis, mais pas comme en 1967 ; cette fois, ils jouaient dans des endroits comme le Fillmore East, où ils ont enregistré un concert en vue d'un éventuel album live. Ce plan a échoué lorsque le spectacle n'a pas été assez bon pour représenter le groupe, et a été complètement abandonné avec les vastes changements dans leur recueil de chansons en 1969. Tout en réalisant leur première avancée sérieuse à long terme aux États-Unis, le groupe - principalement Townshend, en collaboration avec Lambert sur le premier livret - concevait et enregistrait une œuvre de grande envergure. Tommy est arrivé en mai 1969, plus d'un an et demi après que les Who aient vendu leur album. Cependant, l'enregistrement n'est pas encore terminé - le groupe voulait ajouter plus d'instruments sur certaines chansons, et Entwistle était particulièrement contrarié par le son de la basse sur l'enregistrement publié. Mais ils n'avaient plus d'argent ni d'options, et Tommy a été publié en tant que travail en cours. Et pour la première fois, les étoiles s'alignent en faveur des Who, notamment aux États-Unis. La presse rock sérieuse considère l'album comme un chef-d'œuvre, tandis que la presse grand public commence à prendre le rock au sérieux. Les Who étaient suffisamment nouveaux et frais, et Tommy suffisamment ambitieux, pour que l'album devienne l'un des plus largement commentés et écrits de l'histoire. Tommy s'est hissé dans le Top 10 américain et le groupe a soutenu l'album par une longue tournée au cours de laquelle il a joué l'intégralité de l'opéra. À certains égards, Tommy a connu trop de succès. Le public s'attendait à ce qu'elle soit jouée dans son intégralité à chaque concert, et soudain, les Who jouaient régulièrement pendant deux heures. L'œuvre a rapidement éclipsé les Who ; elle a été jouée en tant que pièce de théâtre, refaite en tant qu'extravagance orchestrée (avec Daltrey et la guitare de Townshend), et a finalement été filmée par Ken Russell en 1975 (Daltrey était la vedette du film). En 1993, Townshend en a fait une comédie musicale à Broadway avec le metteur en scène Des McAnuff. Live at Leeds Alors que Tommy a tenu le groupe occupé en tournée pendant près de deux ans, la façon de le suivre a laissé Townshend perplexe. Alors qu'il travaille sur de nouveaux morceaux, le groupe sort Live at Leeds en 1970 (qui produit le tube "Summertime Blues"), ainsi que le single "The Seeker", ce qui lui permet de souffler un peu. Finalement, il s'est arrêté sur Lifehouse, un opéra rock de science-fiction fortement influencé par les enseignements de son gourou, Meher Baba, qui a poussé le groupe vers de nouveaux territoires sonores avec de l'électronique et des synthétiseurs. Les autres membres des Who n'ont pas été particulièrement enthousiasmés par Lifehouse, affirmant ne pas en comprendre l'intrigue, et leur réticence a contribué à la dépression nerveuse de Townshend. Une fois rétabli, le groupe reprend les morceaux du projet abandonné et enregistre Who's Next avec le producteur Glyn Johns. Avec un son plus dur, Who's Next a été un grand succès, et plusieurs de ses titres - dont "Baba O'Riley", "Bargain", "Behind Blue Eyes" et "Won't Get Fooled Again" (qui ont tous deux été publiés comme singles), ainsi que "My Wife" d'Entwistle - sont devenus des pierres angulaires de la radio FM des années 70, orientée vers les albums. La tournée The Who's Next a consolidé le groupe comme l'une des deux plus grandes attractions rock en direct au monde, avec les Rolling Stones. Soudain, leur histoire intéresse des millions de fans ; Meaty Beaty Big and Bouncy, une rétrospective en 14 chansons de leurs singles, se vend également en masse. Le succès de QuadropheniaWho's Next incite Townshend à tenter un nouvel opéra. Avec Quadrophenia, il abandonne la fantaisie pour esquisser le portrait d'un mod des années 60. Il cesse de travailler avec Kit Lambert, qui a perdu de son influence sur le groupe dans le sillage de Tommy ; le groupe quitte également Lambert et le management de Stamp. Alors que Townshend écrit l'album en 1972, il sort Who Came First, une collection d'enregistrements privés et de démos qu'il a réalisés pour Meher Baba. Entwistle entame sa propre carrière solo avec Smash Your Head Against the Wall, qu'il suit avec Whistle Rhymes, sorti le même jour que l'album de Townshend. Double album, Quadrophenia s'est extrêmement bien vendu, mais s'est avéré être une pièce de concert difficile à jouer. Il était difficile de le jouer en concert et peu de gens en dehors de l'Angleterre connaissaient son sujet. Il est vite apparu que le public n'avait pas eu le temps de se familiariser avec l'œuvre, ce qui a conduit à un accueil mitigé lors de la tournée. Après quelques ajustements, le groupe interprète une version abrégée de Quadrophenia avec un certain succès. Two Sides of the Moon Les Who ont commencé à se fragmenter après la sortie de Quadrophenia. En public, Townshend s'inquiète de son rôle de porte-parole du rock ; en privé, il sombre dans l'alcoolisme. Entwistle se concentre sur sa carrière solo, y compris sur des enregistrements avec ses projets parallèles Ox et Rigor Mortis. Pendant ce temps, Daltrey est au sommet de son art : il est devenu un très grand chanteur et est étonnamment à l'aise en tant qu'acteur, alternant carrière cinématographique et albums solo. Moon continue à faire la fête, à célébrer sa toxicomanie et à sortir l'album solo Two Sides of the Moon. Pendant ce hiatus, le groupe a publié la collection de raretés Odds & Sods (1974), qui a surpassé les collections de bootlegs existantes et s'est classée comme une nouvelle sortie. Pendant ce temps, Townshend travaille sur de nouvelles chansons, ce qui aboutit en 1975 au désarmant et personnel The Who by Numbers. L'album est un succès, bien que son classement en huitième position aux États-Unis reflète l'enthousiasme légèrement décroissant des auditeurs (Quadrophenia, malgré le fait qu'il s'agisse d'un double LP plutôt coûteux construit autour d'un sujet quelque peu excentrique, a atteint la deuxième place des deux côtés de l'Atlantique). Après la tournée Who by Numbers, le groupe a pris une longue pause. Who Are You À la fin des années 70, le groupe commence à succomber à l'âge et au style de vie rock & roll. Après des années de concerts, Townshend endommage définitivement son ouïe. Lors de leur tournée de 1976, Moon s'effondre sur scène quelques minutes après le début d'un concert au Boston Garden. Il se rétablit et semble rire de l'incident, tandis qu'un membre du public s'installe derrière la batterie pour permettre au groupe de finir de jouer. Il continue à faire la fête et propose même un successeur possible, l'ex-batteur de Small Faces/Faces, Kenney Jones. Les Who se sont réunis à nouveau au début de 1978 pour enregistrer Who Are You, qui est sorti en août, accompagné d'une étonnante vidéo promotionnelle/performance de la chanson-titre. Au lieu de répondre au mouvement punk insurgé, qui a étiqueté les Who comme des has been, l'album représente le flirt le plus lourd du groupe avec le prog rock depuis Quadrophenia. Il a connu un énorme succès, se classant à la deuxième place des charts américains et obtenant un disque de platine. Au lieu d'être un retour triomphal, Who Are You devient le symbole d'une tragédie : le 7 septembre 1978, Moon meurt d'une overdose. Comme il faisait partie intégrante du son et de l'image des Who, le groupe s'est demandé s'il devait continuer. Bien qu'ils aient continué à jouer, les trois membres survivants ont déclaré plus tard qu'ils pensaient que les Who s'étaient arrêtés avec la mort de Moon. Ils suivent la suggestion de Moon et engagent le batteur des Small Faces, Kenney Jones, pour le remplacer, ainsi que le claviériste John "Rabbit" Bundrick, et commencent à travailler sur de nouveaux morceaux en 1979. Avant de sortir un nouveau disque, ils sortent le documentaire live The Kids Are Alright et contribuent à la musique de l'adaptation cinématographique de Quadrophenia par Franc Roddam, avec Phil Daniels. Les Who partent en tournée plus tard dans l'année, mais l'élan de la tournée est brisé lorsque 11 personnes présentes au concert du 3 décembre 1979 au Riverfront Coliseum de Cincinnati sont piétinées à mort lors de la ruée vers les places de choix du festival. Le groupe n'a été informé de l'incident qu'après le concert, et la tragédie a dégonflé la bonne volonté qu'il avait. Face Dances Après le concert de Cincinnati, les Who se désagrègent peu à peu. Townshend devient dépendant de la cocaïne, de l'héroïne, des tranquillisants et de l'alcool, et fait une overdose presque fatale en 1981. Pendant ce temps, Entwistle et Daltrey poursuivent leur carrière solo. Le groupe se réunit à nouveau en 1981 pour enregistrer son premier album depuis la mort de Moon, Face Dances, un succès qui reçoit des critiques mitigées. L'année suivante, ils sortent It's Hard et se lancent dans une tournée de soutien présentée comme leurs adieux aux fans, avec le live Who's Last qui arrive en 1984 en commémoration de la tournée. Join Together La tournée d'adieu n'a pas été le dernier adieu des Who. Alors que les carrières solo d'Entwistle et de Daltrey s'essoufflent dans les années 80, Townshend continue d'enregistrer avec un succès relatif. Cependant, le Who le hantait toujours. Le groupe s'est reformé pour jouer au Live Aid en 1985 et, trois ans plus tard, il a participé à un programme britannique de remise de prix musicaux. En 1989, Townshend accepte de se reformer (sans Jones, remplacé par le batteur de session Simon Phillips) pour une tournée américaine à l'occasion du 25e anniversaire, perçue comme un moyen de gagner beaucoup d'argent - ce dont Daltrey et surtout Entwistle ont besoin. Ils l'ont suivi avec un album live, Join Together. Les Who se sont reformés en 1994 pour deux concerts célébrant le 50e anniversaire de Daltrey, un succès commercial qui a aidé les efforts de Townshend pour porter Tommy sur la scène de Broadway. Ce titre est devenu un énorme succès et a relancé l'intérêt pour l'album. Townshend a repris Quadrophenia en 1996, réunissant les Who pour l'interpréter lors du concert du Prince's Trust à Hyde Park cet été-là, et il a été suivi à l'automne d'une tournée américaine qui s'est révélée être un échec. L'été suivant, les Who entament une tournée américaine de musique ancienne qui est ignorée par la presse. 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