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Italo ScangaPeinture pop art italienne peinte en céramique abstraitec.1980s
c.1980s
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Ce carreau de céramique peint par Italo Scanga incarne les caractéristiques de son œuvre. Art polychrome et vibrant de l'époque de Memphis Milano.
Elle est signée de ses initiales. Cela rappelle le travail de Jean Lurcat et de Jean Picart le Doux au milieu du siècle dernier.
Italo Scanga (6 juin 1932 - 7 juillet 2001), artiste américain d'origine italienne, était connu pour ses sculptures, ses gravures et ses peintures, créées pour la plupart à partir d'objets trouvés. Dans sa jeunesse en Calabre, en Italie, il travaille comme apprenti ébéniste et étudie la sculpture avec un homme qui sculpte des statues de saints.
Italo Scanga était un artiste multimédia novateur néo DADA, néo-expressionniste et néo-cubiste qui réalisait des assemblages, des collages, des sculptures d'objets ordinaires et créait des estampes, des œuvres en verre et en céramique. Art populaire italien moderne, abstrait et géométrique.
Les matériaux utilisés par Scanga comprennent des objets naturels tels que des branches et des coquillages, ainsi que des figurines kitsch, des instruments de musique hors d'usage et des bibelots décoratifs récupérés dans des marchés aux puces et des friperies. Il a combiné ces ingrédients dans des assemblages autonomes, qu'il a ensuite peints. Bien que visuellement exubérants, les résultats font parfois référence à des épisodes macabres de la mythologie grecque ou à la vie et à la mort de saints martyrs.
Il considérait que ses influences artistiques étaient largement pan-culturelles, de la sculpture africaine à Giorgio de Chirico. Il a souvent collaboré avec le sculpteur Dale Chihuly, qui était un ami proche.
Constitués de bois et de verre, d'objets trouvés ou de tissus, ses ensembles reflètent un trio d'activités : travailler, manger et prier. Ces activités dominent la vie de ceux qui vivent près de la Lande, mais ce sont aussi des activités qui sont idéalisées par beaucoup de ceux qui contemplent, avec romantisme, une vie plus simple et bucolique.
Artistics est diplômé de l'université d'État du Michigan, où il s'est lié d'amitié avec ses collègues artistes Richard Merkin et David Pease. Il a étudié avec Lindsey Decker, qui l'a initié à la soudure et à la sculpture après avoir commencé à s'intéresser à la photographie. Il étudie également avec Charles Pollock, le frère de l'expressionniste abstrait Jackson Pollock. Il a commencé à enseigner à l'université du Wisconsin (jusqu'en 1964), où il a rencontré Harvey Littleton, un collègue enseignant. Il s'installe ensuite à Providence, Rhode Island, I+I pour enseigner à la Rhode Island School of Design (RISD). Collabore avec les artistes Richard Merkin et Hardu Keck. Entame une correspondance avec HC Westermann. Passe ses étés à enseigner à l'université de Brown ; collègue de Hughes Townley. Déménage à State College, PA, et enseigne à la Pennsylvania State University pendant un an. Rencontre avec les artistes Juris Ubans, Harry Anderson, Richard Frankel et Richard Calabro, qui resteront ses amis tout au long de sa carrière.
1967 : David Pease l'aide à obtenir un poste de titulaire à la Tyler School of Art à Philadelphie, PA, . Parmi les artistes avec lesquels il travaille en étroite collaboration, citons Ernest Silva, Lee Jaffe, Donald Gill et William Schwedler. Il rencontre Dale Chihuly, étudiant diplômé, alors qu'il donne des conférences au RISD, et noue avec lui une amitié qui durera toute sa vie.
1969 : Exposition personnelle, Baylor Art Gallery, Baylor University, Waco, TX. Travaille en étroite collaboration avec les étudiants Larry Becker et Heidi Nivling (qui dirigeront plus tard une galerie à Philadelphie, PA), ainsi qu'avec Harry Anderson. Accueille chez lui de nombreux artistes, dont Donald Judd, Dan Flavin, Bruce Nauman (un ancien élève), Vito Acconci, Ree Morton et Rafael Ferrer.
1973 : "Saints Glass" à la 112 Greene Street Gallery, NYC. Installation à l'Institut d'art contemporain de l'université de Pennsylvanie, Philadelphie, PA. Rencontre Gordon Artistics Clark et contribue à un livre de cuisine d'artiste. Se rend à la Pilchuck Glass School, Stanwood, WA, fondée par Dale Chihuly, en tant qu'artiste invité. Il continue à y travailler chaque année jusqu'en 2001. Travaille au fil des ans avec les artistes de Pilchuck Richard Royal, Seaver Leslie, Jamie Carpenter, Joey Kirkpatrick, Flora Mace, Robbie Miller, Billy Morris, Buster Simpson, Toots Zynsky, Howard Ben Tre et Therman Statom.
1978 : S'installe définitivement à La Jolla pour enseigner à l'UCSD avec Newton et Helen Harrison, David et Eleanor Antin, Manny Farber, Patricia Patterson et Allan Kaprow. La série "Macchia" de Dale Chihuly a été baptisée par Italo Scanga, uniquement après que Viola Chihuly, la mère de Dale Chihuly, a qualifié la série de verres de "Uglies".
1982 : Exposition à la Charles Cowles Gallery, NYC. Crée des gravures sur bois avec Chip Elwell.
1983 : Il épouse Stephanie Smedley. Inclus dans la Biennale du Whitney, Whitney Museum of American Art, NYC. Expositions "Archimedes Troubles : Sculptures et dessins" au La Jolla Museum of Contemporary Art, "Italo Scanga Heads" au Los Angeles County Museum of Art, et "Italo Scanga : Sculptures" à la Delahunty Gallery (a) Gallery, NYC. Les séries "Animal en danger" et "Montecassino" ont été réalisées. Travail avec les assistants du Studio Ryk Williams et Dan Britton.
1984 : Construit "Figure Holding Fire", avec son fils Joe, au Santa Barbara Museo, Mammola, Italie, sa première commande publique. Joe et lui continuent de travailler ensemble sur les commandes publiques au fil des ans. Inclus dans "Primitivism in 20th Century Art" au Museum of Modern Art, NYC. Première exposition personnelle en Floride à la Bruce Helander Gallery.
1986 : Première rétrospective, "Italo Scanga : Recent Sculpture and Drawings" au Oakland Museum, Oakland, CA. Expositions à la John Berggruen Gallery, San Francisco, CA ; au Fabric Workshop, Philadelphie, PA ; et à Bette Stoler, NYC.
1988 : Achat du studio 961 Turquoise Street, San Diego, CA. Expositions à la Peggy Guggenheim Collection, Venise, Italie ; Anders Tornberg Gallery, Lund, Suède ; Dorothy Goldeen Gallery, Santa Monica, CA ; Larry Becker Gallery, Philadelphie, PA ; et Germans Van Eck Gallery, NYC. Commission pour la ville de San Jose, CA, "Figure Holding the Sun".
- Créateur:Italo Scanga (1932, Américain, Italien)
- Année de création:c.1980s
- Dimensions:Hauteur : 20,32 cm (8 po)Largeur : 20,32 cm (8 po)Profondeur : 35,56 cm (14 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:bon. usure mineure. voir photos.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215272162
Italo Scanga
Italo Scanga est né dans la région de Calabre en Italie et, à l'âge de 14 ans, il a immigré aux États-Unis avec sa famille après la Seconde Guerre mondiale. Installé à Détroit, il a travaillé sur la chaîne de montage de General Motors et a servi dans l'armée américaine avant d'entrer à l'université d'État du Michigan, où il a obtenu une licence en 1960 et un master en sculpture un an plus tard. Scanga a travaillé dans une gamme étonnante de médias, de la gravure à la céramique, des sculptures d'objets trouvés aux œuvres en verre, cultivant un style qui mélange les influences cubistes et folkloriques. Son penchant pour la transformation d'objets trouvés en œuvres d'art se traduit dans son style de gravure, où une composition reconnaissable, semblable à un collage, est souvent évidente. Scanga a reçu de nombreuses subventions, notamment deux subventions de la National Endowment for the Arts (1989, 1980), une subvention de la Copley Foundation (1972) et une subvention de la Howard Foundation (1970), entre autres. Il a présenté des expositions personnelles au Whitney Museum of American Art, au Los Angeles County Museum of Art, au Museum of Fine Art de Boston, au Museo Rufino Tamayo de Mexico et ailleurs. Ses œuvres font partie de la collection de nombreux musées, dont le Metropolitan Museum of Art, le Museum of Modern Art de New York, l'Art Institute of Chicago, le Detroit Institute of Art, le Philadelphia Museum of Art, la Yale University Gallery of Art, le San Diego Museum of Art, le Hirshhorn Museum, le Fogg Museum de l'université de Harvard, le Guggenheim Museum et le Walker Art Center de Minneapolis, entre autres.
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Par Italo Scanga
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Edward Avedisian ( 1936-2007 )
12 X 8.5
Peinture à l'huile sur panneau de bois
Il n'est pas signé au recto. Il porte son nom au verso.
Provenance : Hudson, N.Y., succession du célèbre collectionneur d'art Albert Burnette Roberts (1932-2021).
Edward Avedisian (15 juin 1936, Lowell, Massachusetts - 17 août 2007, Philmont, New York) est un peintre abstrait américain qui s'est fait connaître dans les années 1960. Son travail a d'abord été associé à la peinture Color field et, à la fin des années 1960, à l'abstraction lyrique et à l'expressionnisme abstrait.
Il a étudié l'art à l'école du Musée des Beaux-Arts de Boston. À la fin des années 1950, il s'installe à New York. Entre 1958 et 1963, Avedisian a présenté six expositions personnelles à New York. En 1958, il expose d'abord à la Hansa Gallery, puis à trois reprises à la Tibor de Nagy Gallery et, en 1962 et 1963, à la Robert Elkon Gallery. Il a continué à exposer à la Robert Elkon Gallery presque chaque année jusqu'en 1975.
Au cours des années 1960, son travail a été largement visible dans le monde de l'art contemporain. Il rejoint la scène artistique dynamique de Greenwich Village, fréquente la Cedar Tavern sur la dixième rue, s'associe au critique Clement Greenberg et se joint à une nouvelle génération d'artistes abstraits, tels que Darby Bannard, Kenneth Noland, Jules Olitski et Larry Poons.
Avedisian fait partie des figures de proue qui ont émergé dans le monde de l'art new-yorkais au cours des années 1960. Cet artiste, qui a mélangé les couleurs chaudes du Pop Art avec les qualités froides et plus analytiques de la peinture Color Field, a joué un rôle déterminant dans l'exploration de nouvelles méthodes abstraites visant à examiner la primauté de l'expérience optique.
L'une de ses peintures a fait la couverture d'Artforum en 1969, ses œuvres ont été incluses dans l'exposition Op Art The Responsive Eye de 1965 au Musée d'art moderne et dans quatre expositions annuelles au Musée d'art américain Whitney. Ses peintures ont été largement recherchées par les collectionneurs et acquises par les principaux musées de New York et d'ailleurs. Il a été exposé dans des galeries de premier plan, telles que la Anita Shapolsky Gallery et la Berry Campbell Gallery à New York. Edward Avedisian était connu pour ses toiles aux couleurs vives et aux compositions audacieuses qui combinaient la rigueur du minimalisme, l'exubérance du pop art et les tons saturés de la peinture Color Field.
Roberta Smith du NYT écrit à propos d'Avedesian : "Edward Avedisian a contribué à établir la peinture abstraite aux couleurs vives, mais émotionnellement froide, qui a succédé à l'expressionnisme abstrait au début des années 1960. Cette jeune sommité a exploité des éléments du minimalisme, du pop et du color field painting pour créer des œuvres marquantes aux proportions épiques qui ont dynamisé la scène artistique new-yorkaise de l'époque." En 1996, Avedisian a exposé ses peintures des années 1960 à la Mitchell Algus Gallery, alors située à SoHO. Sa dernière exposition, dominée par des paysages récents, a eu lieu en 2003 à la galerie Algus, aujourd'hui à Chelsea.
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