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UnknownMasterly1500/20
1500/20
À propos de cet article
MAÎTRE ANGE
Sculpture du musée du maître de Mauer
Région autrichienne du Danube
Environ 1500/20
Bois de tilleul, sculpté en ronde-bosse
Hauteur 55 cm
Provenance :
Collection S, Vienne
Cette sculpture magistrale a été réalisée dans l'atelier du maître de l'autel de Mauer vers 1500 en Basse-Autriche. Elle peut être située dans le contexte de l'école du Danube du premier tiers du XVIe siècle, a été sculptée dans du bois de tilleul et mesure 55 cm de haut. En l'absence d'attributs et de contexte, il s'agit d'une figure inconnue d'un autel sculpté.
Le maître de l'autel de Mauer est un sculpteur gothique anonyme, actif entre 1500 et 1525, qui a reçu ce nom de secours grâce à l'autel de l'église paroissiale et de pèlerinage de Mauer, près de Melk. Cet autel ailé a probablement été commandé par l'abbaye de Göttweig dans les années 1470 et est en bois de tilleul. Il témoigne de la transition entre le gothique tardif et le début de la Renaissance et est considéré comme l'autel sculpté le plus important de Basse-Autriche, créé entre 1510-15.
La figure présentée ici est très proche dans sa conception des figures de l'autel de Mauer. Dans une forme animée, le personnage masculin tourne le haut de son corps vers la droite, la tête pointant vers le haut, probablement vers le ciel. La jambe droite en fente émerge de sous le vêtement en forme de redingote ; le pied nu est placé en position stable sur toute la plante du pied devant le corps. Comme s'il s'agissait d'une pause dans le mouvement, ses mains sont jointes devant sa poitrine dans un geste de prière, ce qui donne une impression de fermeture malgré l'effet d'expansion de la figure. Cette physicalité dynamisée est soulignée par le drapé richement élaboré et anguleux de la robe. Le vêtement supérieur bouffant et ceinturé, comme celui de l'archange Gabriel dans la scène de l'Annonciation de l'autel de Mauer, est particulièrement similaire. Cependant, le traitement sobre des vêtements suggère qu'il s'agit d'un personnage secondaire, peut-être un berger. D'autres caractéristiques typiques de ce maître de la sculpture sont la forme anguleuse du visage et la physionomie caractéristique avec des surfaces de peau fortement modelées, des yeux profondément enfoncés et nettement définis et des fossettes accentuées sur le menton.
Ces caractéristiques sont particulièrement bien mises en valeur grâce à l'absence de polychromie. Tout comme l'autel de Canne, cette figure pourrait avoir été conçue pour une visibilité en bois. Adolf Schmidl décrit cela dans son carnet de voyage de 1835 comme le "génie du maître sans aucune couverture" (Adolf Schmidl, Wien's Umgebungen auf zwanzig Stunden im Umkreise. D'après ses propres pérégrinations décrites par Adolf Schmidl, Vienne 1835, p. 331). Il est concevable que le maître actif n'ait pas employé dans son atelier un peintre de tonneaux qui aurait pu peindre les figures et les reliefs. Il est possible que les œuvres commandées, comme l'autel de Mauer, aient été livrées sans polychromie. L'autel est également resté en bois, que ce soit par manque d'argent ou pour des raisons esthétiques, ce qui n'est pas clair. Ce serait également le cas, par exemple, des sculptures de Tilman Riemenschneider, un sculpteur important de la fin de la période gothique, qui s'est contenté de donner aux figures une glaçure teintée et une polychromie partielle.
La physionomie du visage avec des sourcils fins, un nez et un menton proéminents et des lèvres pleines est également liée au dessin d'un buste de moine par Martin Schongauer (1450/91). Celle-ci pourrait avoir été incluse dans une composition diffusée sous forme de gravure sur cuivre et ayant servi de modèle à des sculptures, comme en témoignent également les reliefs de l'autel de Mauer, près de Melk. Si la forme et l'expression présentent encore des éléments du gothique tardif, le mouvement tordu de la figure révèle une position de seuil vers le début de la Renaissance.
- Année de création:1500/20
- Dimensions:Hauteur : 55 cm (21,66 po)Largeur : 21 cm (8,27 po)
- Support:
- Période:
- État:Très bon état.
- Adresse de la galerie:Wien, AT
- Numéro de référence:1stDibs : LU1143210963472
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La Vierge correspond au type Sedes Sapientiae : Marie comme trône de la sagesse divine. Elle est assise sur un trône surélevé à deux niveaux, magnifiquement sculpté, et au centre trône l'enfant Jésus sur ses genoux, de face comme sa mère. Dans la main gauche, il tient un livre, tandis qu'il a levé la main droite dans un geste de proclamation. La figure est construite de manière symétrique ; la frontalité méticuleuse montre clairement la période précoce de cette représentation impressionnante. Les visages sont sculptés de manière très expressive, avec de grands yeux largement ouverts et des paupières supérieures profondément entaillées. L'expression sévère est accentuée par le nez proéminent, qui se fond harmonieusement dans les arêtes vives des sourcils. Les lèvres pleines de Marie sont légèrement ouvertes, tandis que celles de l'enfant sont pincées. Une référence au rôle de Marie en tant que médiatrice, communiquant avec les gens et, par conséquent, transmettant leurs intercessions à Jésus ?
Les surfaces soigneusement travaillées suggèrent que les plis de la draperie n'apparaissent qu'en faible relief, ce qui est typique de la période du XIIe siècle. Le voile de Marie est posé en douceur sur sa tête, avec des échancrures sur le dessous. A ces endroits se trouvaient probablement des appliques - peut-être des pierres précieuses. Les plis sont bombés autour de ses avant-bras ; sur le haut du corps, des marques incisées arrondies indiquent une tentative de représentation d'une robe fine. Celle-ci tombe dans des configurations idiosyncratiques autour des rotules lisses pour frapper le sol de manière parallèle. Ici, le textile apparaît épais comme un luxueux tissu de brocart ; une bordure supposée dense tombe entre les pieds de Marie comme le seul élément asymétrique dans les plis en zigzag suggérés. Les plis doux comme de la pâte qui recouvrent les formes arrondies semblent être le transfert d'une technique de peinture bidimensionnelle à l'objet sculpté tridimensionnel. La technique chrysographique byzantine et le travail de l'émail sont rappelés ici, en particulier pour les représentations d'icônes.
Des traces de polychromie ont subsisté dans les rainures, indiquant que la robe de la Vierge était teinte en vert et son manteau en bleu. Les traces de couleur rouge clair sur la robe de l'enfant renvoient à sa coloration rouge et, dans la tradition du symbolisme chrétien des couleurs, à l'imminence de la Passion du Christ. Cependant, il pourrait également s'agir de Bolus - un silicate d'alumine - qui sert de support à une dorure ultérieure à la feuille d'or. Le trône est recouvert de restes d'une couche sombre et oxydée, indiquant un placage d'argent antérieur. Celui-ci est également structuré de manière symétrique : Un groupe de trois colonnes étroites, chacune se terminant par un arc, flanque la représentation de la Majestic de manière majestueuse. Ces arcades supportent chacune un panneau avec un ornement décoratif elliptique inscrit dans un épais cadre rectangulaire. La référence au mobilier luxueux contemporain se retrouve également dans un plus grand nombre de ces premières représentations de la Madone.
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