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Pittura fiamminga del XVII secolo, Olio su rame con allegoria di Pieter Van Lint
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Pieter Van Lint (Anversa, 1609-1690)
Allegoria della laboriosità che porta alla pace e all'abbondanza
Olio su rame; la cornice misura cm H 132 x L 159 x P 8, il rame misura cm H 104 x W 130
Opera d'arte firmata (in basso al centro) "P.V. F.B.A. I.B.
L'importante e prezioso dipinto, realizzato a olio su rame, raffigura l'Allegoria dell'operosità che porta alla pace e all'abbondanza.
L'opera è firmata in basso e al centro "P V Lint", ovvero Pieter Van Lint (Anversa, 28 giugno 1609 - Anversa, 25 settembre 1690), famoso pittore e disegnatore fiammingo attivo ad Anversa nella seconda metà del XVII secolo.
Van Lint elabora una composizione complessa e articolata in cui inserisce diverse figure tratte anche dalla mitologia per proporre il messaggio allegorico dell'operosità che porta alla pace e all'abbondanza. Lo stile artistico dell'autore è caratterizzato da un realismo meticoloso e da un'attenta cura dei dettagli e della resa dei materiali che compongono gli oggetti descritti. Come vedremo in seguito, ogni dettaglio rappresentato all'interno dell'opera contiene un significato simbolico e allegorico che rafforza il messaggio che già le stesse figure esprimono.
Le notevoli dimensioni del supporto in rame, non così infrequenti nella produzione artistica dell'artista, contribuiscono a rendere l'opera di grande valore: Purtroppo molti di questi manufatti sono andati perduti perché il rame veniva spesso recuperato in tempi di guerra e carestia e riutilizzato per ottenere armi e utensili comuni. Il foglio di rame si rivelò ideale per la pittura a olio perché costituiva un supporto non assorbente, rigido, liscio e caratterizzato dalla stessa colorazione rossastra che veniva utilizzata per la preparazione dei fondi. I principali centri di produzione erano Anversa, Amburgo e Amsterdam, anche se la tecnica era ampiamente utilizzata in Italia.
Il costo considerevole del materiale indica un cliente facoltoso, interessato a possedere un'opera preziosa e durevole nel tempo, caratteristica che la lamina metallica ha in più rispetto alla tela.
Il dipinto è noto agli studiosi. È registrato nel catalogo dell'artista del RKD Netherlands Institute for Art History (con misure 104 x 129 cm). Nel 2013 è apparso anche sul mercato antiquario francese come opera autentica di Peter Van Lint, con il titolo Minerve recevant la Paix et l'Abondance. Sul retro, una scheda documenta un passaggio del dipinto in territorio ungherese. Oggi è conservato in una collezione privata italiana.
Il dipinto, che rappresenta simbolicamente la celebrazione della vita operosa in pace e prosperità, vede al centro la dea Minerva (l'Atena greca), seduta davanti a una tavola riccamente imbandita. Minerva è raffigurata secondo la tradizione iconografica, con l'aspetto di una giovane vergine guerriera, che indossa la lunga veste greca (chitone) e, sul petto, l'armatura pettorale (egida) decorata dalla testa di Medusa. Indossa un elmo piumato ed è armata di lancia.
Divinità romana della lealtà nella lotta, delle virtù eroiche, della guerra giusta, ma anche della saggezza, della forza, è protettrice degli artigiani. L'attenzione dell'osservatore viene immediatamente catturata dalla sua figura; tuttavia, la dea guarda alla sua destra, invitandola a seguirla per prestare attenzione alle due ancelle che la precedono. Sono figure allegoriche di Pace e Abbondanza. Il primo, all'estrema sinistra dell'osservatore, è riconoscibile per il ramo d'ulivo che tiene delicatamente in mano mentre guarda Minerva. È vestita con una lunga tunica circondata da un nastro e ha il capo ornato da una corona di ulivo, una pianta simbolo di vita e rinascita, da sempre considerata un emblema di pace.
La seconda ragazza porge un vassoio pieno di frutta verso il tavolo dove siede la dea, ma il suo sguardo è rivolto alla figura maschile seduta di fronte a lei.
Una giovane donna bella e prosperosa, vestita con una tunica che cade delicatamente dalla spalla destra mostrando la sua nudità. Un mantello verde e drappeggiato, preziosamente orlato da un ricamo d'argento, la avvolge al fianco. La testa è ornata da una ricca corona di fiori e spighe di grano che ricordano la fertilità agricola. Gli orecchini e la collana di perle incorniciano il viso e rimandano al benessere. Ai suoi piedi una mela rossa, una pera e alcune spighe di grano rafforzano il tema dell'abbondanza e della fertilità.
La figura maschile ricambia lo sguardo dell'Abbondanza allungando la mano sinistra come per renderle omaggio. Vestito in stile antico, senza scarpe e con un voluminoso drappeggio rosso che poggia sulla spalla destra, un corpo giovane, atletico e forte, ha capelli ondulati e una barba scura dai tratti tipicamente virili. È identificato con l'antico dio romano Vulcano (An Heestus nella mitologia greca), signore del fuoco e della lavorazione dei metalli. Infatti, siede su una grande base di metallo forgiato e ha riposto gli strumenti per lavorare la terra che lui stesso ha preparato. Tra gli attrezzi, oltre alla falce e al martello, si può riconoscere il correggiato, strumento agricolo usato un tempo dai contadini per la battitura del grano, che quindi è legato alla figura dell'Abbondanza. Vulcano poggia la mano destra sulla testa di un grande bue, sicuramente un riferimento alla lavorazione dei campi, ma anche animale strettamente legato alla figura di Vulcano nella mitologia cretese: come Dio della fertilità, a volte era il toro sacro, che nel mito cretese si univa a Pasiphae generando il Minotauro.
In posizione più arretrata, ma certamente non meno importante, appare il dio titano Saturno/Tempo (il greco Kronos o Crono), rappresentato dalla tradizione iconografica come un anziano con una lunga barba, vestito con una toga, mentre con un braccio regge la clessidra a simboleggiare lo scorrere del tempo mentre con l'altra mano impugna la falce con la quale la tradizione mitologica racconta che sfrattò il padre Urano per punirlo della crudeltà manifestata nei confronti dei suoi discendenti.
Titano della fertilità e dell'agricoltura, è la personificazione del tempo.
Un giovane moro osserva il passare del tempo, rafforzando con la sua fisionomia il concetto di operosità su cui si basa l'intero programma iconografico.
Due paffuti cherubini, con ali colorate e di chiara ispirazione rubensiana, svolazzano con grazia sopra le figure descritte; uno di loro contribuisce a portare un ramo e una corona d'ulivo come simbolo di pace e abbondanza.
La scena è ambientata in una sala di un maestoso edificio architettonico di gusto classico, con portico e fornici oltre ai quali è possibile vedere un paesaggio con grandi alberi e un cielo azzurro segnato da qualche nuvola vaporosa. Due grandi telamoni, figure ad alto rilievo, adornano le pareti della sala. Questo è Ercole (Herache in greco), sulla sinistra, riconoscibile dalla pelle del Leone di Nemea che sconfisse durante le dodici mitiche fatiche. A destra c'è Onfale, una figura mitologica greca strettamente legata alla leggenda di Ercole. Appare come una regina della Lidia ed Ercole si mise al suo servizio, si unì a lei e fece discendere dai loro figli la dinastia dei re di Lidia. La composizione complessiva, equilibrata e armoniosa, restituisce un'atmosfera idilliaca di grande intensità espressiva. Il programma iconografico colto è supportato dallo scambio di vedute tra le figure che si relazionano tra loro permettendo allo spettatore di cogliere il messaggio allegorico che va a valorizzare l'opera per raggiungere la pace e l'abbondanza.
Caratteristica della produzione del pittore, la tavolozza cromatica utilizzata è composita e luminosa, in cui prevalgono alcuni colori saturi, come i rossi cremisi.
Il dipinto è accompagnato da una cornice in legno intagliato e dorato non coeva.
Esiste un'altra opera autografa di Pieter Van Lint, anch'essa realizzata su rame, che propone lo stesso soggetto, l'Allegoria del lavoro premiato dalla pace e dall'abbondanza, anche se con alcune variazioni compositive e cromatiche.
Questo secondo rame, più piccolo del dipinto oggetto di studio, è apparso sul mercato antiquario in coppia con il pendente raffigurante Apollo e Dafne.
Van Lint scelse più volte il supporto in rame che gli permetteva quella resa luminosa e quei dettagli minuziosi che amava introdurre nelle sue opere. [... ]
Pieter van Lint nacque ad Anversa il 28 giugno 1609. [... ]
Artista versatile e di grande abilità, dipinse scene storiche, mitologiche, pastorali e di genere e, su commissione, dipinse anche ritratti e cartoni per arazzi. Oltre alle commissioni religiose, l'artista realizzò numerose piccole scene di genere, nello stile dei Bamboccianti.
Dopo il suo viaggio in Italia, dove studiò l'antichità, alcune opere sono caratterizzate da un marcato interesse per il classicismo dell'architettura e delle figure. È quindi possibile ipotizzare che il dipinto in questione possa essere stato concepito dopo il soggiorno italiano.
Ci scusiamo per eventuali errori di traduzione. Contattaci per avere la competenza in italiano.
- Creatore:Peter Van Lint (Pittore)
- Dimensioni:Altezza: 132 cm (51,97 in)Larghezza: 159 cm (62,6 in)Profondità: 8 cm (3,15 in)
- Stile:Barocco (Del periodo)
- Materiali e tecniche:
- Luogo di origine:
- Periodo:Metà XVII secolo
- Data di produzione:Metà del XVII secolo
- Condizioni:Usura compatibile con l’età e l’utilizzo. Esistono alcuni restauri del dipinto nel XIX e XX secolo.
- Località del venditore:IT
- Numero di riferimento:1stDibs: LU4405240656972
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