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Roy LichtensteinLettera scritta a mano su cartoncino a tema indiano americano II firmata al cameraman della CBS News1983
1983
2470,19 €
Informazioni sull’articolo
Roy Lichtenstein
Nota scritta a mano su un biglietto
inchiostro su carta
firmato a mano da Roy Lichtenstein
Il biglietto recita
"Grazie mille per le meravigliose stampe
Sei stato molto gentile a mandarmeli
Cordiali saluti,
Roy Lichtenstein
Questo biglietto raffigura l'opera American Indian Theme II (dalla serie American Indian Theme) di Roy Lichtenstein, 1980, xilografia a colori su carta a mano Suzuki.
Provenienza: Questa cartolina è stata acquistata da Dan Pope, fotografo e cameraman di lunga data della CBS, che ha accumulato una superba collezione di autografi di artisti visivi nel corso di molti decenni.
Quest'opera è stata elegantemente fluttuata e incorniciata in una cornice di legno di qualità museale con plexiglass UV.
Misure:
Incorniciato
14,75 pollici in verticale per 11,5 in orizzontale per 1,5 in profondità
Scheda (immagine)
Roy Lichtenstein Biografia
Roy Lichtenstein è stato uno degli artisti più influenti e innovativi della seconda metà del XX secolo. An He è identificato in modo preminente con la Pop Art, un movimento che ha contribuito a far nascere, e i suoi primi dipinti completamente realizzati erano basati su immagini di fumetti e pubblicità e resi in uno stile che imitava i rozzi processi di stampa della riproduzione dei giornali. Questi dipinti rinvigorirono la scena artistica americana e modificarono la storia dell'arte moderna. Il successo di Lichtenstein è stato accompagnato dalla sua concentrazione ed energia e, dopo il trionfo iniziale nei primi anni '60, ha continuato a creare un'opera di oltre 5.000 dipinti, stampe, disegni, sculture, murales e altri oggetti celebrati per la loro arguzia e invenzione.
Roy Fox Lichtenstein nacque il 27 ottobre 1923 a New York, primo di due figli nati da Milton e Beatrice Werner Lichtenstein. Milton Lichtenstein (1893-1946) era un agente immobiliare di successo e Beatrice Lichtenstein (1896-1991), casalinga, aveva studiato da pianista e aveva esposto Roy Lichtenstein e sua sorella Rénee a musei, concerti e altri aspetti della cultura newyorkese. Roy dimostrò presto capacità artistiche e musicali: da adolescente disegnava, dipingeva e scolpiva e trascorreva molte ore al Museo Americano di Storia Naturale e al Museo di Arte Moderna. Suonava il pianoforte e il clarinetto e sviluppò un amore duraturo per il jazz, frequentando i locali notturni di Midtown per ascoltarlo.
Lichtenstein frequentò la Franklin School for Boys, una scuola media e superiore privata, e si diplomò nel 1940. Quell'estate studiò pittura e disegno dal modello presso l'Art Students League di New York con Reginald Marsh. A settembre è entrato alla Ohio State University (OSU) di Columbus nel College of Education. I suoi primi idoli artistici erano Rembrandt, Daumier e Picasso e spesso diceva che Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid), allora in prestito a lungo termine al Museum of Modern Art, era il suo quadro preferito. Già da studente, Lichtenstein si opponeva all'idea che un insieme di linee (i disegni di una persona) "fosse considerato brillante, e quello di qualcun altro, che a te poteva sembrare migliore, fosse considerato nullo da quasi tutti".i La messa in discussione dei canoni di gusto accettati da Lichtenstein fu incoraggiata da I.L.A. Sherman, un insegnante che secondo lui fu la persona che gli mostrò come vedere e il cui approccio all'arte basato sulla percezione plasmò il suo.
Nel febbraio 1943 Lichtenstein fu arruolato e nel 1945 fu inviato in Europa. Come membro della fanteria, ha combattuto in Francia, Belgio e Germania. Per tutto il periodo trascorso in Europa realizzò degli schizzi e, dopo la dichiarazione di pace, intendeva studiare alla Sorbona. Lichtenstein arrivò a Parigi nell'ottobre del 1945 e si iscrisse a corsi di lingua e civiltà francese, ma presto apprese che suo padre era gravemente malato. Tornò a New York nel gennaio del 1946, poche settimane prima che Milton Lichtenstein morisse. Nella primavera di quell'anno, Lichtenstein tornò alla OSU per completare il suo BFA e in autunno fu invitato a unirsi alla facoltà come istruttore. Nel giugno del 1949 sposò Isabel Wilson Sarisky (1921-80), che lavorava in una galleria d'arte cooperativa di Cleveland dove Lichtenstein aveva esposto le sue opere. Mentre insegnava, Lichtenstein lavorava al suo master, che conseguì nel 1949. Durante il suo secondo periodo alla OSU, Lichtenstein si avvicinò a Sherman e iniziò a insegnargli il suo metodo su come organizzare e unificare una composizione. Lichtenstein continua ad apprezzare l'impatto di Sherman su di lui. Ha dato al suo primo figlio il secondo nome "Hoyt" e nel 1994 ha donato dei fondi per istituire lo Studio Art Center Hoyt L. A. Studio presso la OSU.
Alla fine degli anni '40 e all'inizio degli anni '50, Lichtenstein iniziò a lavorare in serie e la sua iconografia era tratta da immagini stampate. Il suo primo tema sostenuto, dipinti e stampe intime nella vena di Paul Klee che prendevano in giro cavalieri, castelli e fanciulle medievali, potrebbe essere stato ispirato da un libro sull'Arazzo di Bayeux. Lichtenstein ha poi guardato con ironia ai dipinti di genere americani del XIX secolo che aveva visto nei libri di storia, creando interpretazioni cubiste di cowboy e indiani condite con un capriccio finto-primitivo.
Come per i suoi più celebri dipinti Pop degli anni '60, Lichtenstein gravitava verso ciò che definiva "il più stupido" o "il peggiore" oggetto visivo che riusciva a trovare e che poi andava a modificare o migliorare. Negli anni '60, l'arte commerciale era considerata con disprezzo dal mondo dell'arte; all'inizio degli anni '50, con l'ascesa dell'Espressionismo Astratto, i dipinti narrativi e di genere americani del XIX secolo erano al nadir della loro reputazione tra i critici e i collezionisti. La parafrasi, in particolare la parafrasi di immagini disprezzate, divenne una caratteristica fondamentale dell'arte di Lichtenstein. Ben prima di trovare la sua modalità espressiva nel 1961, Lichtenstein richiamò l'attenzione sull'artificio delle convenzioni e del gusto che permeava l'arte e la società. Ciò che gli altri consideravano banale lo affascinava come classico e idealizzato - nelle sue parole, "un soggetto mitologico puramente americano. "ii
Il contratto di insegnamento di Lichtenstein alla OSU non fu rinnovato per l'anno accademico 1951-52 e nell'autunno del 1951 lui e Isabel si trasferirono a Cleveland. Isabel Lichtenstein divenne un'arredatrice d'interni specializzata in design moderno, con una clientela composta da ricche famiglie di Cleveland. Mentre la sua carriera fiorì, Lichtenstein non continuò a insegnare a livello universitario. Ha svolto una serie di lavori part-time, tra cui disegnatore industriale, designer di mobili, vetrinista e disegnatore di quadranti meccanici per un'azienda di strumenti elettrici. In risposta a queste esperienze, An He ha introdotto nei suoi dipinti e nelle sue stampe motori, valvole e altri elementi meccanici resi in modo bizzarro. Nel 1954 nacque il primo figlio dei Lichtenstein, David, e due anni dopo il secondo, Mitchell. Nonostante la relativa mancanza di interesse per il suo lavoro a Cleveland, Lichtenstein ha piazzato le sue opere presso i commercianti di New York, che hanno sempre avuto un'enorme importanza per lui. Nel 1951 tenne la sua prima mostra personale presso la Carlebach Gallery di New York, seguita da una rappresentanza presso la John Heller Gallery dal 1952 al 1957.
Per recuperare la sua carriera accademica e avvicinarsi a New York, Lichtenstein accettò un posto di assistente alla State University of New York di Oswego, nella parte settentrionale dello stato. Fu assunto per insegnare disegno industriale, a partire dal settembre 1957. Oswego si rivelò più isolata geograficamente ed esteticamente di quanto non lo fosse mai stata Cleveland, ma il trasferimento fu propizio, sia per la sua arte che per la sua carriera. Lichtenstein si allontanò dalla rappresentazione per passare a uno stile completamente astratto, applicando ampie strisce di pigmento sulla tela trascinando la vernice sulla superficie con uno straccio avvolto intorno al braccio. Allo stesso tempo, Lichtenstein inserisce personaggi dei fumetti come Topolino e Paperino in sfondi spazzolati ed espressionistici. Nessuno dei dipinti proto-cartoon di questo periodo sopravvive, ma diversi studi a matita e a pastello di quel periodo, che An He conservò, documentano le sue intenzioni. Infine, mentre si trovava a Oswego, Lichtenstein incontrò Reginald Neal, il nuovo direttore del dipartimento d'arte del Douglass College, il college femminile della Rutgers University, a New Brunswick, nel New Jersey. La scuola stava rafforzando ed espandendo il suo programma di studio artistico e quando Neal ebbe bisogno di aggiungere un membro della facoltà al suo dipartimento, Lichtenstein fu invitato a candidarsi. A Lichtenstein fu offerta la posizione di professore assistente e iniziò a insegnare a Douglass nel settembre 1960.
A Douglass, Lichtenstein fu gettato in un vortice di fermento artistico. Con i musei e le gallerie di New York a un'ora di distanza e i colleghi Geoffrey Hendricks e Robert Watts alla Douglass e Allan Kaprow e George Segal alla Rutgers, l'ambiente non poteva che galvanizzarlo. Nel giugno del 1961, Lichtenstein tornò all'idea con cui si era trastullato a Oswego: combinare i personaggi dei fumetti con sfondi astratti. Ma, come ha detto Lichtenstein, "mi è venuto in mente di imitare lo stile dei cartoni animati senza la trama della pittura, la linea calligrafica, la modulazione, tutte cose che sono coinvolte nell'espressionismo". iii Più di tutti, Lichtenstein si è appropriato dei Dot Dot Dot, i minuscoli motivi meccanici utilizzati nelle incisioni commerciali, per trasmettere la trama e le gradazioni di colore, un linguaggio stilistico sinonimo del suo soggetto. I puntini sono diventati un marchio di fabbrica identificato per sempre con Lichtenstein e la Pop Art. Lichtenstein forse non ha calibrato subito la profondità della sua svolta, ma si è reso conto che l'effetto piatto e la presentazione senza toni del pannello del fumetto ingrandito e riorganizzato nel modo influenzato da Sherman "era molto più convincente "iv dell'astrazione gestuale che aveva praticato.
Tra i primi dipinti esistenti in questa nuova modalità, basati su fumetti e illustrazioni di pubblicità, ci sono Braccio di Ferro e Guarda Topolino, seguiti rapidamente da L'anello di fidanzamento, Ragazza con palla e Can con gamba. Kaprow riconobbe l'energia e il radicalismo di queste tele e fece in modo che Lichtenstein le mostrasse a Ivan Karp, direttore della Leo Castelli Gallery. Castelli era il principale mercante d'arte contemporanea di New York e aveva allestito mostre importanti di Jasper Johns e Robert Rauschenberg nel 1958 e di Frank Stella nel 1960. Karp fu subito attratto dai dipinti di Lichtenstein, ma Castelli fu più lento a prendere una decisione, in parte a causa delle radici plebee dei dipinti nell'arte commerciale, ma anche perché, all'insaputa di Lichtenstein, altri due artisti erano recentemente giunti alla sua attenzione - Andy Warhol e James Rosenquist - e Castelli era pronto solo per uno di loro. Dopo una certa riflessione, Castelli scelse di rappresentare Lichtenstein e la prima mostra dei dipinti dei fumetti si tenne presso la galleria dal 10 febbraio al 3 marzo 1962. La mostra fece il tutto esaurito e rese Lichtenstein famoso. Al momento della seconda mostra personale di Lichtenstein ai Castelli, nel settembre 1963, le sue opere erano già state esposte in musei e gallerie di tutto il paese. Di solito viene raggruppato con Robert Rauschenbergs, Warhol, Rosenquist, Segal, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Indiana e Tom Wesselmann. Nel complesso, il loro lavoro fu visto come uno schiaffo all'Espressionismo Astratto e, in effetti, gli artisti Pop spostarono l'attenzione da molti membri della Scuola di New York.
Con l'avvento del successo critico e commerciale, Lichtenstein apportò cambiamenti significativi nella sua vita e continuò a indagare nuove possibilità nella sua arte. Dopo la separazione dalla moglie, nel 1963 si trasferì dal New Jersey a Manhattan; nel 1964 si dimise dall'incarico di insegnante alla Douglass per concentrarsi esclusivamente sul suo lavoro. L'artista si è anche avventurato oltre i soggetti dei fumetti, realizzando dipinti basati su oli di Cézanne, Mondrian e Picasso, oltre a nature morte e paesaggi.
Lichtenstein divenne un prolifico produttore di stampe e si espanse nella scultura, che non aveva più tentato dalla metà degli anni '50. Sia nelle opere bidimensionali che in quelle tridimensionali, utilizzò una serie di materiali industriali o "non artistici" e progettò oggetti in edizione di massa che erano meno costosi dei dipinti e delle sculture tradizionali. Partecipando a uno di questi progetti - la mostra American Supermarket del 1964 presso la Paul Bianchini Gallery, per la quale disegnò una borsa della spesa - Lichtenstein conobbe Dorothy Herzka (nata nel 1939), un'impiegata della galleria, che sposò nel 1968. La fine degli anni '60 vide anche le prime esposizioni museali di Lichtenstein: nel 1967 il Pasadena Art Museum avviò una retrospettiva itinerante, nel 1968 lo Stedelijk Musem di Amsterdam presentò la sua prima retrospettiva europea e nel 1969 ebbe la sua prima retrospettiva newyorkese, presso il Solomon R. Guggenheim Museum.
Desideroso di crescere, Lichtenstein si allontanò dai soggetti dei fumetti che lo avevano portato alla ribalta. Alla fine degli anni '60 il suo lavoro divenne meno narrativo e più astratto, mentre continuava a meditare sulla natura stessa dell'impresa artistica. An He iniziò a esplorare e decostruire la nozione di pennellata, gli elementi costitutivi della pittura occidentale. Le pennellate sono convenzionalmente concepite come veicoli di espressione, ma Lichtenstein le ha trasformate in un soggetto. Gli artisti moderni hanno sempre sostenuto che il soggetto di un dipinto è la pittura stessa. Lichtenstein fece un ulteriore passo avanti: un elemento compositivo poteva fungere da soggetto di un'opera e rendere vero quel bromuro.
La ricerca di nuove forme e fonti fu ancora più accentuata dopo il 1970, quando Roy e Dorothy Lichtenstein acquistarono una proprietà a Southampton, New York, e ne fecero la loro residenza principale. Durante il fertile decennio degli anni '70, Lichtenstein sondò un aspetto della percezione che lo aveva sempre preoccupato: la facilità con cui l'irreale viene convalidato come reale perché gli spettatori hanno accettato così tante concezioni visive da non analizzare ciò che vedono. Nella serie Mirror, l'artista si è occupato della luce e dell'ombra sul vetro, mentre nella serie Entablature ha preso in considerazione gli stessi fenomeni astraendo elementi architettonici della Beaux-Art come cornici, dentelli, capitelli e colonne. Allo stesso modo, Lichtenstein creò una pionieristica scultura in bronzo dipinto che sovvertiva la convenzionale tridimensionalità e permanenza del mezzo. Le forme in bronzo erano il più possibile piatte e sottili, più legate alla linea che al volume, e ritraevano le sensazioni più fugaci: riccioli di vapore, raggi di luce e riflessi sul vetro. Il vapore, i riflessi e l'ombra erano segni per se stessi che sarebbero stati immediatamente riconosciuti come tali da qualsiasi spettatore.
Un'intera panoplie di opere prodotte negli anni '70 è costituita da complessi incontri con il Cubismo, il Futurismo, il Purismo, il Surrealismo e l'Espressionismo. Lichtenstein espanse la sua tavolozza oltre il rosso, il blu, il giallo, il nero, il bianco e il verde, inventando e combinando forme. An He non si limitava a isolare le immagini trovate, ma le giustapponeva, le sovrapponeva, le frammentava e le ricomponeva. Secondo le parole dello storico dell'arte Jack Cowart, le composizioni virtuosistiche di Lichtenstein erano "un ricco dialogo di forme, tutte modificate intuitivamente e svincolate dalle loro fonti nominali".v All'inizio degli anni '80, che coincidevano con il ristabilimento di uno studio a New York City, Lichtenstein era anche all'apice di un'intensa carriera di murales. Negli anni '60 e '70 aveva realizzato quattro murales; tra il 1983 e il 1990 ne ha creati cinque. Ha anche completato importanti commissioni per sculture pubbliche a Miami Beach, Columbus, Minneapolis, Parigi, Barcellona e Singapore.
Lichtenstein ha creato tre serie principali negli anni '90, ognuna emblematica del suo continuo interesse a risolvere i problemi pittorici. Gli Interiors, tele di dimensioni murali ispirate a una minuscola pubblicità su un elenco telefonico italiano, si addentrano nuovamente nelle ambiguità percettive dei riflessi di finestre e specchi. I Nudi riprendono il tema delle donne in modalità romantico-comica, che Lichtenstein aveva introdotto negli anni '60 e amplificato in lussureggianti scene di spiaggia di ispirazione surrealista negli anni '70. Come per gli Interiors, vi è un'ampia citazione di elementi di tele precedenti, i mobili del mondo dipinto di Lichtenstein. An He utilizzò la serie anche per sperimentare la miscelazione del chiaroscuro (da lui ideato con punti e ombreggiature) con aree piatte di colore. Questo effetto è stato portato all'apice nei Paesaggi cinesi, l'ultimo incontro di Lichtenstein con una tradizione artistica monumentale e uno dei suoi più sottili. Le configurazioni di terra, acqua, montagne e aria presenti nei dipinti e nelle pergamene della dinastia Song sono simulate da campi di punti graduati che si muovono dolcemente. Nessuno dei consueti contorni neri di Lichtenstein definisce le forme monocromatiche, il che accentua la qualità contemplativa e astratta della serie.
4 pollici per 5 pollici (fronte del biglietto)
4,5 pollici per 6,75 pollici sul retro (scrittura)
- Creatore:Roy Lichtenstein (1923 - 1997, Americano)
- Anno di creazione:1983
- Dimensioni:Altezza: 37,47 cm (14,75 in)Larghezza: 29,21 cm (11,5 in)Profondità: 3,81 cm (1,5 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:Ottime condizioni; viene spedito incorniciato.
- Località della galleria:New York, NY
- Numero di riferimento:1stDibs: LU1745216590032
Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein è una delle figure principali del movimento americano della Pop art, insieme a Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg e Robert Rauschenberg.
Ispirandosi ai fumetti, Lichtenstein si appropriò delle tecniche di stampa commerciale nei suoi dipinti , introducendo una sensibilità vernacolare nel paesaggio visivo dell'arte contemporanea. An He ha utilizzato elementi visivi come i punti di mezzatinta che compongono un'immagine stampata e un uso dei colori primari ispirato ai fumetti ha dato ai suoi dipinti la loro caratteristica tavolozza "Pop".
Nato e cresciuto a New York, Lichtenstein apprezzava la miriade di offerte culturali di Manhattan e i fumetti in egual misura. Ha iniziato a dipingere seriamente da adolescente, studiando acquerello alla Parsons School of Design alla fine degli anni '30 e successivamente alla Art Students League, dove ha lavorato con il pittore realista americano Reginald Marsh. Iniziò la sua formazione universitaria presso Ohio State University nel 1940 e, dopo un periodo di tre anni nell'esercito degli Stati Uniti durante la Seconda Guerra Mondiale, completò la sua laurea e poi il suo master in belle arti. Le radici dell'interesse di Lichtenstein per la convergenza tra l'alta arte e la cultura popolare sono evidenti già nei suoi primi anni a Cleveland, dove alla fine degli anni '40 insegnò all'Ohio State, disegnò vetrine per un grande magazzino e dipinse le sue opere.
Lavorando all'apice del movimento espressionista astratto negli anni '50, Lichtenstein evitò deliberatamente il tipo di pittura che era tenuto in grande considerazione dal mondo dell'arte e scelse invece di esplorare il mondo visivo della pubblicità stampata e dei fumetti. Questo gesto di ricontestualizzare un'immagine di basso livello importandola in un contesto artistico di pregio sarebbe diventato un marchio di fabbrica dello stile artistico di Lichtenstein, oltre che un veicolo per la sua critica al concetto di buon gusto. Il suo dipinto del 1963 Whaam! mette lo spettatore di fronte a una scena d'impatto tratta da un numero del 1962 della DC Comics All American Men of War. Isolata dal suo contesto più ampio, questa immagine combina il lettering giocoso e l'illustrazione dai colori vivaci del fumetto originale con un messaggio più cupo sul conflitto militare all'apice della Guerra Fredda. Crying Girl dello stesso anno presenta un altro dei motivi di Lichtenstein: una donna in difficoltà, raffigurata con un misto di drammaticità e umorismo. Il suo lavoro ha conquistato un pubblico più ampio con la creazione di un murale ispirato ai fumetti per il Padiglione dello Stato di New York dell'Esposizione Universale del 1964, ha continuato a essere rappresentato dal leggendario gallerista newyorkese Leo Castelli per 30 anni.
Negli anni '70 e '80, Lichtenstein sperimentò l'astrazione e iniziò ad esplorare gli elementi di base della pittura, come in quest'opera del 1989 Brushstroke Contest. Oltre ai dipinti in cui la pennellata stessa diventa il soggetto centrale, nel 1984 ha creato una scultura di grandi dimensioni chiamata Brushstrokes in Flight per l'aeroporto internazionale di Port Columbus in Ohio. Natura morta con mulino a vento del 1974 e il trittico Cow Going Abstract del 1982 dimostrano entrambi una rottura con le sue opere precedenti in cui i soggetti erano derivati da immagini esistenti. In questo caso, Lichtenstein dipinge soggetti più in linea con le norme della storia dell'arte - una scena pastorale e una natura morta - ma ha tradotto le loro composizioni nel suo caratteristico stile grafico, in cui gli elementi visivi dei fumetti stampati sono ancora una caratteristica distintiva.
Le opere di Lichtenstein sono presenti nelle collezioni del Metropolitan Museum of Art, del Museum of Modern Art, del TATE Modern e di molti altri. Nel 1995, due anni prima di morire, gli fu conferita la National Medal of Arts.
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