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James RosenquistGrande litografia astratta a colori di Pop Art americana "Black Tie" James Rosenquist1977
1977
Informazioni sull’articolo
Black TIE, 1977
James Rosenquist, americano, 1933-2017.
Stampato da Maurice Sanchez presso Derrière L'Étoile Studios, Inc.
Pubblicato da Sidney Singer
Litografia a colori su carta Arches Cover bianca arrotolata
Timbro a secco di un uomo con cappello, in basso a destra
Firmato a mano a matita. Datato 1977 in basso a destra. Titolato e numerato 76/100 in basso a sinistra.
Misura 73 1/2" x 37
James Rosenquist (29 novembre 1933 - 31 marzo 2017) è stato un artista americano e uno dei sostenitori del movimento della pop art. Attingendo al suo passato di pittore di insegne, le opere di Rosenquist esploravano spesso il ruolo della pubblicità e della cultura del consumo nell'arte e nella società, utilizzando le tecniche apprese nella produzione di arte commerciale per raffigurare icone culturali popolari e banali oggetti quotidiani. Sebbene le sue opere siano state spesso paragonate a quelle di altre figure chiave del movimento della pop art, come Andy Warhol, Jim Dine e Roy Lichtenstein, i lavori di Rosenquist erano unici per il modo in cui spesso impiegavano elementi di surrealismo utilizzando frammenti di pubblicità e immagini culturali per enfatizzare la natura travolgente degli annunci. Nel 2001 è stato inserito nella Florida Artists Hall of Fame.
Rosenquist è nato il 29 novembre 1933 a Grand Forks, nel Nord Dakota, unico figlio di Louis e Ruth Rosenquist. I suoi genitori erano piloti dilettanti di origine svedese che si spostavano da una città all'altra per cercare lavoro, stabilendosi infine a Minneapolis, nel Minnesota. Sua madre, anch'essa pittrice, incoraggiò il figlio ad avere interessi artistici. Durante le scuole medie, Rosenquist vinse una borsa di studio a breve termine per studiare alla Minneapolis School of Art e successivamente studiò pittura all'Università del Minnesota dal 1952 al 1954. Nel 1955, all'età di 21 anni, si trasferì a New York City con una borsa di studio per frequentare l'Art Students League, studiando con pittori come Edwin Dickinson e George Grosz. Parlando della sua esperienza all'Art Students League, Rosenquist disse: "Ho studiato solo con gli artisti astratti. C'erano artisti commerciali che insegnavano lavori commerciali, io non mi sono preoccupato di questo. Mi interessava solo... Ecco come è iniziata la storia. Mi interessava imparare a dipingere la Cappella Sistina. Sembra ambizioso, ma volevo frequentare la scuola di muralismo". Mentre studiava a New York, Rosenquist ha iniziato a lavorare come autista, prima di decidere di entrare a far parte della International Brotherhood of Painters and Allied Trades. Come membro del sindacato, Rosenquist dipingeva cartelloni pubblicitari intorno a Times Square, per poi diventare il pittore principale di Artkraft-Strauss e dipingere espositori e vetrine sulla Fifth Avenue. Nel 1960, Rosenquist abbandonò la pittura di insegne dopo che un amico morì cadendo da un'impalcatura durante il lavoro. Invece di lavorare su opere commerciali, scelse di concentrarsi su progetti personali nel suo studio, sviluppando un proprio stile pittorico che manteneva il tipo di immagini, le tonalità audaci e la scala che utilizzava quando dipingeva cartelloni pubblicitari.
La carriera di Rosenquist nell'arte commerciale iniziò all'età di 18 anni, dopo che sua madre lo incoraggiò a fare un lavoro estivo di pittura. Ha iniziato dipingendo le insegne di Phillips 66, andando nelle stazioni di servizio dal North Dakota al Wisconsin. Dopo aver lasciato la scuola, Rosenquist svolse una serie di lavori saltuari e poi si dedicò alla pittura su cartello. Dal 1957 al 1960, Rosenquist si guadagnò da vivere come pittore di cartelloni pubblicitari. Rosenquist applicò le tecniche di pittura di segni ai dipinti di grandi dimensioni che iniziò a creare nel 1960. Come altri artisti pop, Rosenquist adattò il linguaggio visivo della pubblicità e della cultura pop al contesto delle belle arti: "Ho dipinto cartelloni pubblicitari sopra ogni negozio di caramelle di Brooklyn. "Sono arrivato al punto di poter dipingere una bottiglia di whisky Schenley nel sonno", ha scritto nella sua autobiografia del 2009, Painting Below Zero: Notes on a Life in Art. La rivista Time ha dichiarato che "il suo potente stile grafico e i suoi montaggi dipinti hanno contribuito a definire il movimento della Pop Art degli anni '60".
Nel 2003, il critico d'arte Peter Schjeldahl ha chiesto, a proposito dell'applicazione delle tecniche di pittura su cartello da parte di Rosenquist alle belle arti: "Importare il metodo nell'arte è un po' un trucco da quattro soldi? Così come le serigrafie fotografiche di Warhol e il rivestimento di pannelli di fumetti di Lichtenstein. In tutti i casi l'obiettivo era quello di fondere l'estetica pittorica con la semiotica della realtà contemporanea impregnata di media. L'efficienza nuda e cruda dell'arte anti-personale definisce il Pop classico. È come se qualcuno ti invitasse a ispezionare il pugno con cui contemporaneamente ti prende a pugni".
Rosenquist tenne le sue prime due mostre personali alla Greene Gallery nel 1962 e nel 1963. Nel 1965 espone alla Galleria Leo Castelli il suo quadro F-111, un dipinto a grandezza naturale, con il quale ottiene un successo internazionale.
Ma Rosenquist ha detto quanto segue riguardo al suo coinvolgimento nel movimento della Pop Art: "Loro [i critici d'arte] mi chiamavano artista Pop perché usavo immagini riconoscibili. Ai critici piace raggruppare le persone. Ho conosciuto Andy Warhol solo nel 1964. Non conoscevo bene né Andy né Roy Lichtenstein. Siamo emersi tutti separatamente".
Nel 1971 Rosenquist arrivò nel sud della Florida dopo aver ricevuto un'offerta da Donald Saff, preside del College of Fine Arts della University of South Florida, per partecipare al Graphicstudio, un'iniziativa di arte collaborativa della scuola. Negli anni successivi Rosenquist rimase un collaboratore chiave dello studio, collaborando con studenti e altri artisti e producendo numerose opere proprie, creando infine il suo studio Aripeka nel 1976. Rosenquist continuerà a recarsi in Florida per tutta la sua carriera e l'artista svilupperà diverse opere commissionate per la comunità, tra cui due murales per l'edificio del Campidoglio della Florida e una scultura per il Johns Hopkins All Children's Hospital, oltre a far parte del Consiglio di Amministrazione del Tampa Museum of Art.
I dipinti di Rosenquist sono stati esposti nell'atrio della Key Tower di Cleveland, Ohio. Il suo F-111 è stato esposto lì per molti anni.
Dopo l'acclamazione, Rosenquist realizzò commissioni su larga scala. Tra questi, la suite di tre dipinti The Swimmer in the Econo-mist (1997-1998) per il Deutsche Guggenheim di Berlino, Germania, e un dipinto progettato per il soffitto del Palais de Chaillot di Parigi, Francia.
Zona: Un'opera chiave nello sviluppo del suo stile caratteristico, Rosenquist cita l'opera Zone del 1961 come un punto di svolta nello sviluppo della sua estetica personale. L'opera è stata la prima a utilizzare la scala monumentale, un aspetto ricorrente dell'arte di Rosenquist che è esemplificato nei suoi numerosi murales. Zone è stata anche una pietra miliare nella produzione di Rosenquist, in quanto si è discostata dai suoi lavori precedenti, che lo hanno visto allontanarsi dai precedenti esperimenti di espressionismo astratto. Realizzata a olio su due pezzi di tela separati, l'opera esemplifica gli inizi del movimento della pop art nel modo in cui Rosenquist prende immagini dai mass media, utilizzando la foto di un pomodoro e un ritaglio di una pubblicità di una crema per le mani. Le due immagini sono divise in zone separate, che servono a concentrarsi su parallelismi visivi come l'arco del gambo del pomodoro e le ciglia della donna, oltre a illustrare la composizione frammentata, spesso surreale, tipica di Rosenquist.
President Elect: Pubblicato lo stesso anno di Zone, President Elect di James Rosenquist è una delle sue opere più conosciute: l'artista traduce un ritratto di John F. Kennedy da un manifesto elettorale a un'imponente esposizione. Il dipinto include anche un'immagine sovrapposta di una mano che regge una torta in scala di grigi, oltre al retro di una Chevrolet. Rosenquist utilizza le icone della cultura pop per esaminare la fama e il rapporto tra pubblicità e consumatore, esplorando il tipo di fama e iconografia che accompagna la politica americana. Con President Elect, Rosenquist cerca di fare una dichiarazione sul nuovo ruolo che la pubblicità e i mass media hanno avuto durante la campagna elettorale di Kennedy. "All'epoca ero molto interessato alle persone che si facevano pubblicità", ha dichiarato Rosenquist. "Perché hanno messo una loro pubblicità? Quindi quella era la sua faccia. E la sua promessa è stata mezza Chevrolet e un pezzo di torta rafferma". Nel dipinto, Rosenquist contrappone il ritratto di Kennedy alla torta e alla Chevrolet per mostrare come ogni elemento sia commercializzato ai consumatori americani.
F-111: nel 1965 James Rosenquist completò F-111, una delle opere più grandi e ambiziose della sua collezione. Con un'estensione di oltre 83 piedi e 23 tele, la scala del dipinto evoca il lavoro di Rosenquist sui cartelloni pubblicitari, illustrando una rappresentazione a grandezza naturale dell'aereo F-111 Aardvark. Inizialmente il dipinto doveva coprire tutte e quattro le pareti della sala principale della galleria Castelli a Manhattan, occupando l'intera parete senza alcun tipo di rilievo visivo, per dare una visione imponente e continua della guerra. Dipinto durante la guerra del Vietnam, F-111 contrappone immagini di guerra a immagini commerciali tratte da pubblicità, mostrando pneumatici, una torta, lampadine, una ragazza con un asciugacapelli, bolle e spaghetti. Rosenquist giustappone le immagini degli annunci pubblicitari all'aereo come un modo per suggerire scene grafiche della guerra: le lampadine rotte vicino alla cabina di pilotaggio rispecchiano le bombe che cadono dall'aereo e il cappuccio dell'asciugacapelli richiama l'aspetto di un missile. Rosenquist utilizza il dipinto per mettere in discussione il ruolo del marketing e della copertura della guerra, descrivendo l'aereo come "in volo attraverso la contraerea della società dei consumi per mettere in discussione la collusione tra la macchina della morte del Vietnam, il consumismo, i media e la pubblicità".
Rosenquist ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui la selezione come "Art In America Young Talent USA" nel 1963, la nomina per un mandato di sei anni nel Consiglio del National Council of the Arts nel 1978 e il premio Golden Plate Award dell'American Academy of Achievement nel 1988. Nel 2002, la Fundación Cristóbal Gabarrón gli ha conferito il suo premio internazionale annuale per l'arte, in riconoscimento del suo contributo alla cultura universale.
A partire dalle prime retrospettive della sua prima carriera, organizzate nel 1972 dal Whitney Museum of American Art di New York e dal Wallraf-Richartz Museum di Colonia, le opere di Rosenquist sono state oggetto di numerose mostre in gallerie e musei, sia negli Stati Uniti che all'estero. Nel 2003 il Solomon R. Guggenheim Museum ha organizzato una retrospettiva dedicata all'intera carriera, che ha viaggiato a livello internazionale ed è stata curata dai curatori Walter Hopps e Sarah Bancroft.
Il suo F-111, esposto al Jewish Museum nel 1965, è stato citato in un capitolo di Polaroids from the Dead di Douglas Coupland.
Rosenquist è morto nella sua casa di New York il 31 marzo 2017.
- Creatore:James Rosenquist (1933, Americano)
- Anno di creazione:1977
- Dimensioni:Altezza: 99,06 cm (39 in)Larghezza: 190,5 cm (75 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:Il pezzo è ottimo. qualche leggero foxing sul tappetino. la cornice presenta una leggera usura Può essere spedito senza cornice per 65,00.
- Località della galleria:Surfside, FL
- Numero di riferimento:1stDibs: LU3829934722
James Rosenquist
Sebbene insistesse sul fatto che lui e i suoi artisti Pop sviluppassero i loro stili artistici in modo indipendente, il pittore americano James Rosenquist apparteneva al tavolo con Andy Warhol e Roy Lichtenstein.
Conosciuto per il suo caratteristico uso del montaggio visivo, Rosenquist produceva tableaux di grandi dimensioni e dai colori vivaci, caratterizzati da frammentazione e sovrapposizione. An He ha spesso utilizzato motivi e oggetti familiari tratti dalla cultura popolare contemporanea - hot dog, tubetti di rossetto, bandiere americane - che ha manipolato per formare composizioni disorientanti i cui elementi costitutivi sono quasi irriconoscibili.
Nato nel North Dakota da genitori svedesi, Rosenquist fu incoraggiato a dedicarsi alla pittura dalla madre, anch'essa artista. Studia pittura per due anni alla University of Minnesota, ma abbandona gli studi all'età di 21 anni per frequentare l'Art Students League di New York grazie a una borsa di studio. Un lavoro come pittore di cartelloni pubblicitari alla fine degli anni '50 lo ha portato a perseguire il suo stile caratteristico, che prende in prestito la sua grafica audace e l'estetica kitsch remixata dal vocabolario visivo della pubblicità. Opere come Flamingo Capsule (1983) incarnano la sua caratteristica dissonanza visiva, facendo dialogare i motivi delle sigarette con le strisce della bandiera americana e gli involucri di carta d'alluminio.
Oltre a enormi dipinti, Rosenquist creò disegni, stampe e collage. La litografia del 2011 The Memory Continues but the Clock Disappears è un montaggio di orologi e coriandoli che si sciolgono, tutti immersi in una vasca d'acqua. Mentre allude ironicamente all'inevitabilità del decadimento e del deterioramento - suggerendo che la vita è un orologio che ticchetta - la composizione allude anche al motivo caratteristico di Salvador Dalí, il simbolo che definisce il Surrealismo . Queste composizioni dimostrano come Rosenquist sia riuscito a combinare magistralmente elementi apparentemente incongrui in un insieme armonioso e poetico.
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