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Toko Shinoda
Tischau, japanische Lithographie in limitierter Auflage, schwarz, weiß, rot, signiert, nummeriert

1993

Angaben zum Objekt

Tableau, japanisch, limitierte Auflage Lithographie, schwarz, weiß, rot, signiert, nummeriert Shinodas Werke wurden von öffentlichen Galerien und Museen gesammelt, darunter das Museum of Modern Art, das Solomon R. Guggenheim Museum, das Brooklyn Museum und das Metropolitan Museum (alle in New York City), das National Museum of Modern Art in Tokio, das British Museum in London und das Art Institute of Chicago, Arthur M. Sackler Gallery of the Smithsonian in Washington, D.C., das Singapore Art Museum, das National Museum of Singapore, das Kröller-Müller Museum in Otterlo, Niederlande, die Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, New York, das Cincinnati Art Museum und die Yale University Art Gallery in New Haven, Connecticut. New York Times Nachruf, 3. März 2021 von Margalit Fox, Alex Traub hat berichtet. Toko Shinoda, einer der bedeutendsten japanischen Künstler des 20. Jahrhunderts, dessen Werk die antike Gelassenheit der Kalligrafie mit der modernistischen Dringlichkeit des Abstrakten Expressionismus verband, starb am Montag in einem Krankenhaus in Tokio. Sie war 107. Ihr Tod wurde von ihrem Galeristen in den Vereinigten Staaten bekannt gegeben. Als Malerin und Grafikerin erlangte Frau Shinoda um die Jahrhundertmitte internationales Renommee und ist seit mehr als fünf Jahrzehnten bei den großen Museen und Galerien weltweit gefragt. Ihre Arbeiten wurden u. a. im Metropolitan Museum of Art und im Museum of Modern Art in New York, im Art Institute of Chicago, im British Museum und im National Museum of Modern Art in Tokio ausgestellt. Zu den privaten Sammlern gehört auch die japanische kaiserliche Familie. Die britische Zeitung The Independent schrieb über eine 1998 in einer Londoner Galerie gezeigte Ausstellung von Frau Shinodas Werken: "Elegant, minimalistisch und sehr, sehr komponiert", und fügte hinzu: "Ihre Wurzeln als Kalligraphin sind klar, ebenso wie ihre Verbindungen zur amerikanischen Kunst der 1950er Jahre, aber sie ist ganz offensichtlich eine bedeutende Künstlerin mit eigenem Recht." Als Malerin arbeitete Frau Shinoda hauptsächlich mit Sumi-Tinte, einer festen Form von Tinte, die aus in Stöcke gepresstem Ruß hergestellt wird und in Asien seit Jahrhunderten verwendet wird. Die Stifte werden auf einem nassen Stein gerieben, um ihr Pigment freizusetzen, und ergeben eine subtile Tinte, die, da sie schnell vom Papier aufgesogen wird, auffallend flüchtig ist. Der Sumi-Künstler muss jeden Pinselstrich mit Bedacht ausführen, denn die Natur des Mediums schließt die Möglichkeit aus, auch nur einen einzigen Strich zu überarbeiten. "Die Farbe der Tinte, die mit dieser Methode hergestellt wird, ist sehr empfindlich", erklärte Frau Shinoda 2014 gegenüber der Business Times of Singapore. "Es ist also notwendig, seine Arbeit sehr schnell zu beenden. Bevor ich den Pinsel in die Hand nehme, muss die Komposition in meinem Kopf festgelegt sein. Dann, so sagt man, fällt das Bild einfach vom Pinsel. Frau Shinoda malte fast ausschließlich in Schwarzabstufungen, gelegentlich auch in Sepia- und Blautönen. Die Tuschestäbchen, die sie benutzte, waren für die großen Sumi-Künstler der Vergangenheit hergestellt worden, manche sogar schon vor 500 Jahren. Ihre Linie - fließend, elegant, tadellos platziert - hatte viel mit Kalligraphie zu tun. Seit ihrer Kindheit war sie in dieser Disziplin streng erzogen worden, aber sie hatte schon in jungen Jahren begonnen, gegen die Grenzen zu verstoßen. Beeinflusst von amerikanischen abstrakten Expressionisten wie Jackson Pollock, Mark Rothko und Robert Motherwell, deren Arbeiten sie in den späten 1950er Jahren in New York kennenlernte, mied Frau Shinoda die Repräsentation. "Wenn ich eine bestimmte Idee habe, warum soll ich sie dann malen?", fragte sie 1980 in einem Interview mit United Press International. "Das ist bereits bekannt und akzeptiert. Ein Bambusbestand ist schöner, als ein Gemälde es sein könnte. Der Berg Fuji ist eindrucksvoller als jede mögliche Nachahmung". Die sparsamen und kraftvollen Gemälde von Frau Shinoda sind auf traditionellen chinesischen und japanischen Papieren oder auf Hintergründen aus Blattgold, -silber oder -platin gemalt und verwenden viel weißen Raum. Sie sind oft asymmetrisch und können eine strenge geometrische Form mit einfachen kalligrafischen Strichen überlagern. Die kombinierte Wirkung scheint etwas Flüchtiges einzufangen und festzuhalten - "so schwer fassbar wie die Erinnerung an einen angenehmen Duft oder die Bewegung des Windes", wie sie 1996 in einem Interview sagte. Zu den Arbeiten von Frau Shinoda gehören auch Lithografien, dreidimensionale Werke aus Holz und anderen Materialien sowie Wandbilder im öffentlichen Raum, darunter eine Serie für den Zojoji-Tempel in Tokio. Als fünftes von sieben Kindern einer wohlhabenden Familie wurde Frau Shinoda am 28. März 1913 in Dalian in der Mandschurei geboren, wo ihr Vater, Raijiro, eine Tabakfabrik betrieb. Ihre Mutter, Joko, war eine Hausfrau. Die Familie kehrte nach Japan zurück, als sie noch ein Baby war, und ließ sich in Gifu nieder, auf halbem Weg zwischen Kyoto und Tokio. Einer der Onkel ihres Vaters, ein Bildhauer und Kalligraph, war offizieller Siegelschnitzer des Meiji-Kaisers gewesen. Er vermittelte seine Liebe zur Kunst und Poesie an Tokos Vater, der sie wiederum an Toko weitergab. "Ich bin sehr traditionell aufgewachsen, mit Verwandten, die bei meinen Eltern leben", sagte sie im U.P.I.-Interview. "Ich wuchs in einer akademischen Atmosphäre auf und wusste, dass ich diese Dinge machen und Künstler werden wollte." Mit 6 Jahren begann sie mit dem Studium der Kalligraphie und erlernte Stunde für Stunde die tadellose Beherrschung der Linie. Doch schon als Teenager suchte sie nach einem künstlerischen Ausdruck, den ihr die Kalligrafie mit ihren jahrhundertealten Konventionen nicht bieten konnte. "Ich hatte es satt und beschloss, meinen eigenen Stil auszuprobieren", sagte Frau Shinoda 1983 dem Time Magazine. "Mein Vater hat mich immer gescholten, weil ich frech war und von der Tradition abwich, aber ich musste es tun." Als junge Erwachsene zog Frau Shinoda nach Tokio und wurde in ganz Japan als eine der besten lebenden Kalligraphinnen des Landes gefeiert, was damals eine große Ehre für eine Frau war. Ihre erste Einzelausstellung hatte sie 1940 in einer Tokioter Galerie. Während des Zweiten Weltkriegs, als sie aus der Stadt aufs Land in die Nähe des Berges Fuji zog, verdiente sie ihren Lebensunterhalt als Kalligraphin, aber Mitte der 1940er Jahre begann sie mit der Abstraktion zu experimentieren. 1954 erlangte sie mit ihrer Teilnahme an einer Ausstellung japanischer Kalligrafie im MoMA auch außerhalb Japans Bekanntheit. Im Jahr 1956 reiste sie nach New York. Damals konnten unverheiratete Japanerinnen nur ein dreimonatiges Visum für Reisen ins Ausland erhalten, aber durch eifrige Verlängerungen gelang es Frau Shinoda, zwei Jahre lang zu bleiben. Dort lernte sie viele Titanen des Abstrakten Expressionismus kennen, deren Werke sie in ihren Bann zogen. "Als ich in den 50er Jahren in New York lebte, war ich oft mit diesen Künstlern zusammen, mit Leuten wie Mark Rothko, Jackson Pollock, Motherwell und so weiter", sagte sie 1998 in einem Interview mit The Business Times. "Sie waren sehr großzügige Menschen, und ich wurde oft in ihre Studios eingeladen, wo wir Ideen und Meinungen über unsere Arbeit austauschten. Es war eine großartige Erfahrung, mit Menschen zusammen zu sein, die die gleichen Gefühle teilen. Während dieser Zeit wurden die Werke von Frau Shinoda in den Vereinigten Staaten von Betty Parsons verkauft, der New Yorker Händlerin, die Pollock, Rothko und viele ihrer Zeitgenossen vertrat. Nach ihrer Rückkehr nach Japan begann Frau Shinoda, Kalligrafie und die Ästhetik des Expressionismus ernsthaft miteinander zu verbinden. Das Ergebnis war, wie der Plain Dealer aus Cleveland 1997 schrieb, "eine Kunst von eleganter Einfachheit und großer Dramatik". Zu den zahlreichen Ehrungen von Frau Shinoda gehört, dass sie 2016 auf einer japanischen Briefmarke abgebildet wurde. Sie ist die einzige japanische Künstlerin, die zu Lebzeiten so geehrt wurde. Keine unmittelbaren Familienangehörigen überleben. Als sie noch sehr jung und fest entschlossen war, ein Leben als Künstlerin zu führen, traf Frau Shinoda die Entscheidung, den Weg zu verlassen, der für Frauen ihrer Generation vorbestimmt zu sein schien. "Ich habe nie geheiratet und habe keine Kinder", sagte sie 2017 gegenüber der Japan Times. "Und ich nehme an, dass es seltsam klingt, wenn ich meine Bilder an ihre Stelle setze - das ist natürlich nicht dasselbe. Aber ich sage, wenn Bilder, die ich vor Jahren gemalt habe, wieder in mein Bewusstsein kommen, ist es, als ob ein alter Freund oder sogar ein Teil von mir zurückgekommen ist, um mich zu sehen." Werke einer Frauenhand Toko Shinoda basiert neue Abstraktionen auf alter Kalligraphie Eine gewundene Seitenstraße im Aoyama-Viertel im Westen Tokios hinunter, in ein klobiges weißes Apartmentgebäude, dann mit einem Aufzug nach oben, der klein genug ist, um eine Handvoll westlicher Passagiere zu Freunden oder Feinden auf Lebenszeit zu machen. Am Ende eines Flurs im vierten Stock befindet sich rechts eine schlichte braune Tür. Die Zulassung bedeutet, durch den Spiegel zu gehen. Sayonara heute. Hallo (Konichiwa) gestern und morgen. Toko Shinoda, 70, lebt und arbeitet hier. Sie kann, wenn sie will, eine der besten Kalligraphinnen Japans sein, die eine komplizierte Schreibweise beherrscht, deren Linien bis ins alte China vor etwa 3.000 Jahren zurückreichen. Sie ist auch eine international bekannte Avantgarde-Künstlerin, deren abstrakte Gemälde und Lithografien in Museen auf der ganzen Welt zu sehen sind. Diese verschiedenen Talente scheinen nicht in dieselbe Epoche zu gehören. Und doch haben sie sich irgendwie in dieser zierlichen Frau vereint, die in ihrem winzigen Foyer erscheint und Hausschuhe und rituelle Verbeugungen zur Begrüßung anbietet. Sie sieht aus wie jemand, der zu anständig ist, um eine Teetasse zu zerschlagen, geschweige denn eine alte und geheiligte Kunstform zu revolutionieren. Sie trägt einen blau-weißen Kimono, den sie selbst entworfen hat. Die Muster, so erklärt sie, stammen aus Edo, also aus der Zeit der Tokugawa-Shogune, bevor die Stadt 1868 in Tokio umbenannt wurde. Ihr schwarzes Haar hat sie aus dem Gesicht gestrichen, das praktisch faltenfrei ist, abgesehen von der goldumrandeten Brille, die tief auf ihrer Nase sitzt (die Seherin ist offenbar kurzsichtig). Shinoda könnte direkt einem Meji-Druck aus dem 19. Jahrhundert entsprungen sein. Ihre Umgebung vermittelt ein ähnliches Gefühl von alter Ästhetik, ein Rückzugsort inmitten einer modernen, hektischen Stadt. Der Lärm des dichten Verkehrs auf der nahen Hochstraße klingt in dieser Höhe wie ferne Brandung. Zarte Bambusschirme filtern das Tageslicht. Die Farbgestaltung ist beruhigend: niedrige Decken aus sichtbarem Holz, cremefarbene Wände, pastellfarbene Teppiche in Blau, Grün und Grau. Das alles ist so typisch japanisch, dass Shinodas einleitende Worte überraschend sind. Sie weist (über einen Übersetzer) darauf hin, dass sie gar nicht in Japan, sondern in Darien in der Mandschurei geboren wurde. Ihr Vater war dorthin entsandt worden, um unter der Ägide der japanischen Besatzungstruppen, die die Region 1905 von Russland übernommen hatten, ein Tabakunternehmen zu leiten. Sie sagt: "Menschen, die in der Fremde geboren sind, denken sehr frei und sind nicht eingeschränkt." Aber da ihre Familie 1915 nach Japan zurückkehrte, als sie zwei Jahre alt war, konnte sie sich kaum an eine befreite Kindheit erinnern. Sie antwortet: "Ich glaube, wenn meine Mutter in Japan geblieben wäre, wäre sie eine gewöhnliche japanische Hausfrau gewesen. Als sie in die Mandschurei ging, konnte sie ihre eigene Persönlichkeit durchsetzen, und das hat mich sehr geprägt." Offensichtlich ja. Sie trägt ihren Obi tief auf den Hüften, im männlichen Stil. Die porzellanhafte Unnahbarkeit, die sie auf Fotos zeigt, zerbricht in Wirklichkeit. Ihre Sprache ist kraftvoll, ihre Mimik lebhaft und ihr Lachen kehlig und ansteckend. Die Hand, die sie zum Mund führt, um ihr Amüsement zu verbergen (eine traditionelle weibliche Geste der Bescheidenheit), hat keine Chance. Auch ihr Vater hat das fünfte seiner sieben Kinder stark geprägt: "Er stammte aus einer sehr alten Familie und war in mancher Hinsicht ziemlich streng und in anderer ziemlich liberal." Er besaß eines der ersten drei Fahrräder, die jemals nach Japan importiert wurden, und bastelte ständig daran herum. Er beschloss auch, dass seine kleine Tochter eine strenge Ausbildung in einer prokrustesartigen Antike erhalten sollte. "Ich war gezwungen, ab dem sechsten Lebensjahr Kalligrafie zu lernen", sagt Shinoda. Das junge Mädchen lernte pflichtbewusst die gängigen Vorlagen auswendig und kopierte sie. In gewisser Weise hatte ihr Vater sie in eine vielversprechende Richtung gedrängt, in eines der wenigen Berufsfelder in Japan, die Frauen offen stehen. Zu den antiken Begriffen, die sich rund um die Kalligrafie entwickelt hatten, gehörte auch Onnade, die Schrift der Frau. Ketzerei lag vor uns. Als sie 15 Jahre alt war, hatte sie bereits neun Jahre intensiver Disziplin hinter sich: "Ich hatte es satt und beschloss, meinen eigenen Stil auszuprobieren. Mein Vater hat mich immer gescholten, weil ich frech war und von der Tradition abwich, aber ich musste es tun." Sie nimmt einen Pinsel und ein Blatt Papier zur Hand, um die Natur ihrer Rebellion zu demonstrieren. "Das ist kawa, das anerkannte kalligrafische Zeichen für Fluss", sagt sie und skizziert geschickt drei kurze vertikale Striche. "Aber ich wollte mehr als drei Zeilen verwenden, um die Kraft des Flusses zu zeigen." Ihr Pinsel fließt über die weiße Seite und hinterlässt einen erkennbaren Fluss, der ebenfalls fließt." Das einfache kawa in der traditionellen Sprache war mir nicht genug. Ich wollte ein neues Symbol finden, um das Wort Fluss auszudrücken." Ihre Überzeugung wuchs, dass Tinte das Unbeschreibliche, das Gefühl, "wie sie sagt, des sanft wehenden Windes", vermitteln kann. Eine weitere Demonstration. Sie geht zur hölzernen Schiebetür eines Vorzimmers und verschwindet dahinter; die einzige Spur von ihr ist ein dreieckiges Stück des rechten Ärmels ihres Kimonos, das sie zu diesem Zweck arrangiert hat. Es dämmert eine Erkenntnis. Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, dieses dreiseitige Muster so zu malen, dass die unsichtbare Frau, die damit verbunden ist, für alle Betrachter sichtbar wird. Gen, das speziell für TIME gemalt wurde, zeigt Shinodas Theorie in der Praxis. Sie nennt das Werk "meine Vorstellung von Japan in visueller Form". Ein dunkler Streifen auf der linken Seite, der von Rot unterbrochen wird, steht für die Geschichte. In der Mitte befindet sich das chinesische Schriftzeichen gen, was so viel bedeutet wie in der Gegenwart oder in der Aktualität. Ein leeres Muster auf der rechten Seite deutet auf eine unbekannte Zukunft hin. Nach der Schule schlug Shinoda einen Weg ein, der ihrer Kultur deutlich zuwiderlief. Sie erkannte, was die Ehe für ihre Karriere bedeuten könnte ("eine Einschränkung") und entschied sich dagegen. Mit traditioneller Kalligrafie konnte man seinen Lebensunterhalt verdienen: Sie nutzte ihre Freizeit, um ihre Variationen zu malen. Im Jahr 1940 stellte eine Tokioter Galerie ihre Werke aus. (Vierzehn Jahre sollten vergehen, bis sie eine zweite Ausstellung bekam.)Es kam der Krieg und damit schlechte Zeiten für fast alle, auch für die aufstrebende Künstlerin, die sich in eine ländliche Gegend in der Nähe des Mount Fuji zurückzog und ihre Kimonos gegen Eier tauschte. 1954 wurde Shinodas Werk in eine Gruppenausstellung im Museum of Modern Art in New York City aufgenommen. Zwei Jahre später überwand sie bürokratische Hindernisse, um in die USA zu reisen. Unverheiratete Japanerinnen dürfen nur für drei Monate ein Visum beantragen. Durch geduldiges Beantragen von Verlängerungen um jeweils zwei Monate gelang es Shinoda, das Land zwei Jahre lang zu bereisen. Sie holt ein Sammelalbum aus dieser Zeit hervor. Während sie darin blättert, hebt sie plötzlich eine Hand und berührt ihre Wange: "Wie jung ich aussah!" Eine Inspektion ist erforderlich. Die Frau auf dem körnigen, vergilbten Zeitungsfoto könnte durchaus diejenige sein, die in diesem Raum sitzt. Darauf angesprochen, nickt sie und lächelt. Keine Übersetzung erforderlich. Ihr Aufenthalt in den USA erwies sich als entscheidend für die Anerkennung und Entwicklung von Shinodas Kunst. Berühmte Persönlichkeiten wie der Schauspieler Charles Laughton und John Lewis vom Modern Jazz Quartet kauften ihre Bilder und verbreiteten die gute Nachricht. Sie sah auch die Werke der abstrakten Expressionisten, die damals in der New Yorker Kunstwelt in aller Munde waren, und erkannte, dass diese westlichen Künstler, die aus einer völlig anderen Tradition stammten, für das gleiche Ziel kämpften, von dem sie besessen war. Nach ihrer Rückkehr in die Heimat wurde sie durch ihre Arbeit langsam berühmt. Obwohl Shinoda viele Materialien verwendet hat (Stoff, Edelstahl, Keramik, Zement), bleiben Pinsel und Tinte ihre wichtigsten Ausdrucksmittel. Sie hatte gesagt: "Solange ich mich der Erschaffung neuer Formen widme, kann ich sogar mit schlammigem Wasser zeichnen." Zum Glück muss sie das nicht. Mit sichtlichem Stolz zeigt sie auf ihren Tintenstein, eine samtschwarze Felsplatte mit einer Vertiefung, die etwa einen Meter breit und zwei Meter lang ist. Sie ist mehr als 300 Jahre alt. Jeden Morgen schüttet Shinoda etwa einen halben Liter Wasser hinein und wählt dann ein Tuschestäbchen aus ihrer umfangreichen Sammlung, von denen einige bis in die chinesische Ming-Dynastie zurückreichen. Sie drückt den Stock gegen den Stein und beginnt zu reiben. Langsam löst sich die getrocknete Tinte im Wasser auf und wird für den Pinsel bereit. So sind zwei Chargen Sumi (Tusche) genau gleich; etwas Altes, etwas Neues. Sie setzt Farbe sparsam ein. Ihre klare Vorliebe gilt der Farbe Schwarz mit all ihren Abstufungen. "In manchen Gemälden bringt Sumi das Blau besser zum Ausdruck als das Blau." Es ist an der Zeit, die Treppe zu den Wohnräumen hinunterzugehen. Eine geschiedene Nichte und ihre 10-jährige Tochter wohnen hier bei Shinoda; die Künstlerin, die sich zu Beginn ihrer Karriere gezwungen sah, auf Familie und Häuslichkeit zu verzichten, scheint diese nun willkommen zu heißen. Sake wird angeboten, in kleine Zedernholzkisten gegossen und gerne angenommen. Vorsichtig halten. Trinken Sie aus einer Ecke. Ambrosi. Und genau richtig für die Umgebung und die Gastgeberin. Eine konservative Abtrünnige, eine liberale Traditionalistin, eine Frau, die von den von Männern dominierten Konventionen durchdrungen war, die sie konsequent ablehnte. Ihre bahnbrechenden Leistungen sind mit denen Picassos vergleichbar. Beim Abschied verbeugt sie sich. -von Paul Gray Time Magazine, 1. August 1983
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