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Stefanie Schneider4 Ecken I (Last Picture Show) Stefanie Schneider2005
2005
Angaben zum Objekt
"4 Corners I" (Letzte Filmvorführung) - 2005
58x57cm,
Auflage von 5.
Analoger C-Print, von der Künstlerin handgedruckt und vergrößert auf Archiv Fuji Chrystal Papier,
basierend auf einem Polaroid,
Nicht montiert.
Inventarnummer des Künstlers: 778.02, Signaturetikett und Zertifikat.
2005 Last Picture Show, Galerie Caprice Horn, Berlin, Deutschland (S) & 2006 Stranger Than Paradise, Galerie Drees, Hannover, Deutschland (S) (Katalog).
Stefanie Schneider im Interview mit dem niederländischen Filmemacher Willem Baptist für den Dokumentarfilm Instant Dreams, der Ende des Jahres 2017 erscheint. veröffentlicht in dem Katalog 'Instantdreams'.
Wann haben Sie beschlossen, mit Polaroids zu arbeiten? Warum scheinen Polaroids so gut auf unsere (künstlerischen) Sinne, unsere Wahrnehmung und unseren Verstand abgestimmt zu sein?
Ich habe 1996 angefangen, abgelaufene Polaroidfilme zu verwenden. Es hat die schönste Qualität und bringt meine Vision perfekt zum Ausdruck. Die Farben auf der einen Seite, aber dann der magische Moment, in dem das Bild erscheint. Die Zeit scheint stillzustehen, und man kann die Entwicklung des Bildes mit seinen Mitmenschen teilen. Es fängt einen Moment ein, der so schnell zur Vergangenheit wird, dass der Verfall der Zeit noch deutlicher wird; - es verleiht dem Bild eine gewisse Sentimentalität. Der Polaroid-Moment ist jedes Mal ein Original.
Warum ein Medium aus der Vergangenheit verwenden?
Für mich war das Analoge immer in der Gegenwart präsent. Für die neue Generation ist das Analoge interessant, weil es für sie neu ist. Ich verstehe, dass Menschen, die im digitalen Zeitalter aufgewachsen sind, sich fragen, ob das sinnvoll ist, aber sie können es sich zurückholen, wenn sie es wollen. Als ich anfing, mit Polaroid zu arbeiten, war das noch nicht die Vergangenheit. Es war ein teilweise vergessenes Medium, aber es existierte dennoch. Ich habe es mir ausgesucht. Es gibt keinen Ersatz für greifbare Schönheit.
Ist sie unvollkommen?
Die unvollkommene Perfektion auf eine "Wabi-Sabi"-Art und Weise.
Wabi-sabi (侘寂) steht für eine umfassende japanische Weltanschauung oder Ästhetik, in deren Mittelpunkt die Akzeptanz von Vergänglichkeit und Unvollkommenheit steht. Die Ästhetik wird manchmal als eine Schönheit beschrieben, die "unvollkommen, unbeständig und unvollständig" ist[1].
Wenn ein Objekt oder ein Ausdruck in uns ein Gefühl von heiterer Melancholie und spiritueller Sehnsucht hervorrufen kann, dann könnte man sagen, dass dieses Objekt Wabi-Sabi ist."[2] "Wabi-Sabi nährt alles Authentische, indem es drei einfache Realitäten anerkennt: nichts ist von Dauer, nichts ist fertig und nichts ist perfekt."[3]
Ist das Polaroidfoto wiedererkennbar oder sogar manchmal ein Klischee?
Ganz genau! Die Art und Weise, wie ich den amerikanischen Traum darstelle, hat etwas Klischeehaftes. Ich lebe es selbst und versuche, Perfektion in einer unvollkommenen Welt zu finden. Nach dem Horizont greifen. Der Traum ist zerbrochen, das Klischee stürzt ein. Es gibt verschiedene Möglichkeiten, ein Publikum einzubeziehen. Man könnte Filme wie Harmony Korines "Gummo" machen, meiner Meinung nach ein Meisterwerk, das einen großen Teil des Publikums verprellen würde. Eine gewisse Filmausbildung wird vorausgesetzt. Oder Sie beginnen mit Klischees, dann fühlt sich das Publikum sicher und wird in die Tiefe Ihrer Welt gelockt, ohne dass es weiß oder versteht, wohin genau es geführt wird. Appell an die Gefühle und das Unterbewusstsein. Normal, Wandel, New Normal.
In Ihrem Werk greifen Sie immer wieder auf die Landschaft des amerikanischen Westens zurück. Was zieht Sie zurück in diese Szene?
Südkalifornien ist für mich ein Traum. Der Kontrast zwischen Norddeutschland, wo ich aufgewachsen bin, und dem endlosen Sonnenschein von Los Angeles war es, der mich zuerst anzog. Der amerikanische Westen ist der Traum meiner Wahl. Weite, offene Räume bieten Perspektiven, die Emotionen und Sehnsüchte zum Ausdruck bringen. Isolation nährt das Gefühl von Freiheit oder manchmal auch das Grübeln über die eigene Vergangenheit. In der Hochwüste von 29 Palmen gibt es sehr klares und lebendiges Licht, was sehr wichtig ist. Abgelaufener Polaroid-Film erzeugt "Unvollkommenheiten", die meiner Meinung nach den Niedergang des amerikanischen Traums widerspiegeln. Diese so genannten "Unvollkommenheiten" veranschaulichen die Realität dieses Traums, der sich in einen Albtraum verwandelt hat. Die Desintegration der westlichen Gesellschaft.
Spielen Sie mit der Zeitlichkeit des Materials und dem Wert des Augenblicks selbst?
Der Wert des Augenblicks ist von größter Bedeutung, denn es ist dieser Augenblick, den Sie zu verändern versuchen. Alles Materielle ist vergänglich, es ist relativ, und die Zeit ist ewig.
Warum fühlt sich der analoge Film reiner und intuitiver an?
Es ist greifbar und hell und stellt einen einzigen Moment dar.
Der digitale Moment bleibt vielleicht für immer in der Schachtel (Festplatte/Kamera/Computer usw.) und wird nie angefasst, in ein Fotoalbum gelegt, in einem Brief verschickt oder an die Wand gehängt. Der Druck macht es zu einer Leistung.
Die analoge Welt ist selektiver und schafft Bilder aus unserem kollektiven Gedächtnis.
Das digitale weltweite Klicken zerstört diesen Moment. Die Generation ohne Gedächtnis aufgrund von Informationsüberlastung und Festplattenausfällen. Fotoalben gehören der Vergangenheit an.
Warum fühlt es sich so an?
So funktioniert der menschliche Instinkt.
Als ich ein Kind war, war jedes Foto, das gemacht wurde, ein besonderer Moment. Sowohl analoger Fotofilm als auch Super-8-Material waren teure Kostbarkeiten. Die Erinnerungen meiner Familie wurden durch die Wahl bestimmter Momente in der Zeit geschaffen. Hinter dem Bild steckte eine Anstrengung. Die Filmrolle konnte monatelang in der Kamera liegen, bevor sie aufgebraucht war. Danach musste der Film entwickelt werden, was noch mehr Zeit in Anspruch nahm, und schließlich, als die Fotos im Geschäft abgeholt wurden, konnte man die Erinnerungen noch einmal gemeinsam als Familie betrachten. Wer wusste damals schon, wie flüchtig diese Zeiten waren. Gemeinsame Erinnerungen waren ein Ritual.
Was ist Ihre Philosophie hinter der Kunst der Polaroidbilder?
Das "Überholte" ist alles andere als überholt. Die Dinge sind nicht immer so, wie sie erscheinen, und es gibt versteckte Botschaften. Unsere Erinnerungen und Träume werden unterbewertet. Dort beginnt echtes Lernen und Verstehen, indem man sich für andere Perspektiven öffnet.
Was hat Sie dazu inspiriert, Stop-Motion-Kinematografie zu verwenden?
Meine Arbeit hat schon immer an Filmstills erinnert. Ich erinnere mich an das erste Mal, als ich eine Schachtel mit Polaroids mitbrachte und sie auf den Schreibtisch von Susanne Vielmetter schob (meine erste Galerie). Es wurde sofort klar, dass es eine Geschichte zu erzählen gab. Die Geschichten wuchsen. Es war für mich unbestreitbar, dass die aufkommende Geschichte meine Bestimmung war. Vor meinem letzten Spielfilm, "The Girl behind the White Picket Fence", habe ich vier Kurzfilme gedreht. Dieser Film ist 60 Minuten lang und enthält über 4000 bearbeitete Polaroids. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass unser Unterbewusstsein die Lücken füllt. Die Teile, die in der Geschichte fehlen, ermöglichen eine tiefere und persönlichere Erfahrung für den Zuschauer. Das heißt, wenn Sie sich selbst überlassen und mir als Regisseur vertrauen, dass ich Sie an einen Ort führe, an dem Sie vielleicht noch nie gewesen sind.
Warum ist es Ihrer Meinung nach wichtig, Kunst zu besitzen?
Wir haben Kunst, um nicht an der Wahrheit zu sterben".
Nietzsche
- Schöpfer*in:Stefanie Schneider (1968, Deutsch)
- Entstehungsjahr:2005
- Maße:Höhe: 58 cm (22,84 in)Breite: 56 cm (22,05 in)Tiefe: 3 mm (0,12 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Morongo Valley, CA
- Referenznummer:1stDibs: LU652312892502
Stefanie Schneider
Stefanie Schneider erhielt ihren MFA in Kommunikationsdesign an der Folkwang Schule Essen, Deutschland. Ihre Arbeiten wurden u.a. im Museum für Fotografie, Braunschweig, Museum für Kommunikation, Berlin, dem Institut für Neue Medien, Frankfurt, dem Nassauischen Kunstverein, Wiesbaden, Kunstverein Bielefeld, Museum für Moderne Kunst Passau, Les Rencontres d'Arles, Foto -Triennale Esslingen, Bombay Beach Biennale 2018, 2019 gezeigt.
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