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Stefanie Schneider10525 - Teil 3- Stranger than Paradise - 20x20cm1999
1999
Angaben zum Objekt
10525" Teil 3 (Fremder als das Paradies) - 1999
20x20cm,
Ausgabe 4/10,
Archivierter C-Print, basierend auf einem Polaroid,
Zertifikat und Unterschriftsetikett, Künstlerin Inventarnummer 388_3.54
Nicht montiert.
Stefanie Schneider: Ein deutscher Blick auf den amerikanischen Westen
Die Werke von Stefanie Schneider erinnern an Ed Ruschas Besessenheit von der amerikanischen Erfahrung, an den Reichtum der Wüstenbilder von Georgia O'Keefe und an die Einsamkeit der eindringlichen Gemälde von Edward Hopper. Wie genau wurde dieser deutsche Fotograf zu einem der wichtigsten Künstler der amerikanischen Geschichte des 20. und 21. Jahrhunderts?
Die 1968 in Deutschland geborene Fotografin Schneider lebte seit den 90er Jahren abwechselnd in Berlin und Los Angeles, bis sie sich dauerhaft im amerikanischen Westen niederließ, wo sie an Orten wie den Ebenen und Wüsten Südkaliforniens ihre Motive fotografierte. In Berlin entwickelte und vergrößerte Schneider ihre Werke von Hand.
Dieses Thema der Bewahrung und des Verfalls ist ein zentraler Bestandteil von Schneiders Werk. In einem Interview mit Artnet im Oktober 2014 erklärte die Künstlerin, wie ihre eigenen Erfahrungen mit Schmerz und Verlust sie inspirieren. ''Meine Arbeit ähnelt meinem Leben: Die verlorene und unerwiderte Liebe hinterlässt ihre Spuren in unserem Leben als sinnloser Schmerz, der in der Gegenwart keinen Platz hat
der Ex-Geliebte erlebt die Überreste der Liebe wie ein Amputierter die Empfindung eines Geisterglieds - Stefanie Schneider
Schneiders Sujets sind oft in apokalyptischer Umgebung zu sehen: Wüstenflugzeuge, Wohnwagenparks, Ölfelder, heruntergekommene Motels und leere Strände, allein, oder wenn nicht, dann ohne Verbindung zueinander. es ist die greifbare Erfahrung der "Abwesenheit", die meine Arbeit inspiriert hat", erklärt Schneider.
Barnebys, 3. Mai 2017
Stefanie Schneider im Interview mit dem niederländischen Filmemacher Willem Baptist
Wann haben Sie sich zum ersten Mal für die Arbeit mit Polaroids entschieden? Warum scheinen Polaroids so gut auf unsere (künstlerischen) Sinne, unsere Wahrnehmung und unseren Verstand abgestimmt zu sein?
Ich habe 1996 begonnen, abgelaufene Polaroidfilme zu verwenden. Es hat die schönste Qualität und bringt meine Vision perfekt zum Ausdruck. Die Farben auf der einen Seite, aber dann der magische Moment, in dem das Bild erscheint. Die Zeit scheint stillzustehen, und man kann die Entwicklung des Bildes mit seinen Mitmenschen teilen. Es fängt einen Moment ein, der so schnell zur Vergangenheit wird, dass der Verfall der Zeit noch deutlicher wird; - es verleiht dem Bild eine gewisse Sentimentalität. Der Polaroid-Moment ist jedes Mal ein Original. Ein Artefakt.
Warum ein Medium aus der Vergangenheit verwenden?
Für mich war das Analoge immer in der Gegenwart präsent. Für die neue Generation ist das Analoge interessant, weil es für sie neu ist. Ich verstehe, dass Menschen, die im digitalen Zeitalter aufgewachsen sind, ihren Nutzen in Frage stellen, aber es ist ihre Sache, wenn sie es wollen. Als ich anfing, mit Polaroid zu arbeiten, war das noch nicht die Vergangenheit. Es war ein teilweise vergessenes Medium, aber es existierte dennoch. Ich habe es mir ausgesucht, denn es gibt keinen Ersatz für greifbare Schönheit.
Ist sie unvollkommen?
Die unvollkommene Perfektion auf eine "Wabi-Sabi"-Art und Weise.
Wabi-sabi (侘寂) steht für eine umfassende japanische Weltanschauung oder Ästhetik, in deren Mittelpunkt die Akzeptanz von Vergänglichkeit und Unvollkommenheit steht. Die Ästhetik wird manchmal als eine Schönheit beschrieben, die unvollkommen, unbeständig und unvollständig ist.
wenn ein Objekt oder ein Ausdruck in uns ein Gefühl von heiterer Melancholie und spiritueller Sehnsucht hervorrufen kann, dann könnte man sagen, dass dieses Objekt Wabi-Sabi ist". wabi-Sabi nährt alles Authentische, indem es drei einfache Realitäten anerkennt: Nichts ist von Dauer, nichts ist fertig und nichts ist perfekt
Ist das Polaroidfoto wiedererkennbar oder sogar manchmal ein Klischee?
Ganz genau! Die Art und Weise, wie ich den amerikanischen Traum darstelle, hat etwas Klischeehaftes. Ich lebe es selbst und versuche, in einer unvollkommenen Welt Vollkommenheit zu finden. Nach dem Horizont greifen. Der Traum ist zerbrochen, das Klischee stürzt ein. Es gibt verschiedene Möglichkeiten, ein Publikum einzubeziehen. Man könnte Filme wie Harmony Korines "Gummo" machen, der in meinen Augen ein Meisterwerk ist, aber wahrscheinlich einen großen Teil des Publikums abschrecken würde. Eine gewisse Filmausbildung wird vorausgesetzt. Oder Sie beginnen mit Klischees, dann fühlt sich das Publikum sicher und wird in die Tiefe Ihrer Welt gelockt, ohne es zu wissen oder zu verstehen, wohin genau es geführt wird. Appell an die Gefühle und das Unterbewusstsein. Normal, Veränderung, neue Normalität.
In Ihrem Werk greifen Sie immer wieder auf die Landschaft des amerikanischen Westens zurück. Was zieht Sie zurück in diese Szene?
Südkalifornien ist für mich ein Traum. Der Kontrast zwischen Norddeutschland, wo ich aufgewachsen bin, und dem endlosen Sonnenschein von Los Angeles war es, der mich zuerst anzog. Der amerikanische Westen ist der Traum meiner Wahl. Weite, offene Räume bieten Perspektiven, die Emotionen und Sehnsüchte zum Ausdruck bringen. Isolation nährt das Gefühl von Freiheit oder manchmal auch das Grübeln über die eigene Vergangenheit. In der Hochwüste von 29 Palmen gibt es sehr klares und lebendiges Licht, was sehr wichtig ist. Abgelaufener Polaroid-Film erzeugt "Unvollkommenheiten", die meiner Meinung nach den Niedergang des amerikanischen Traums widerspiegeln. Diese so genannten "Unvollkommenheiten" veranschaulichen die Realität dieses Traums, der sich in einen Albtraum verwandelt hat. Die Desintegration der westlichen Gesellschaft.
Spielen Sie mit der Zeitlichkeit des Materials und dem Wert des Augenblicks selbst?
Der Wert des Augenblicks ist von größter Bedeutung, denn es ist dieser Augenblick, den Sie zu verändern versuchen. Alles Materielle ist vergänglich, es ist relativ, und die Zeit ist ewig.
Warum fühlt sich der analoge Film reiner und intuitiver an?
Es ist greifbar und hell und stellt einen einzigen Moment dar.
Der digitale Moment kann in der Schachtel bleiben (Festplatte / Kamera / Computer usw.)
für immer, ohne je berührt zu werden, ohne in ein Fotoalbum gesteckt zu werden, ohne einen Brief zu verschicken, ohne an der Wand zu hängen.
Der Druck macht es zu einer Leistung.
Die analoge Welt ist selektiver, weil sie real ist. Film ist eine Entscheidung.
Das digitale weltweite Klicken zerstört diesen Moment. Die Generation ohne Gedächtnis aufgrund von Informationsüberlastung und Festplattenausfällen. Fotoalben gehören der Vergangenheit an.
Warum fühlt es sich so an?
So funktioniert der menschliche Instinkt. Als ich ein Kind war, war jedes Foto, das gemacht wurde, ein besonderer Moment. Sowohl analoger Fotofilm als auch Super-8-Material waren teure Schätze. Die Erinnerungen meiner Familie wurden durch die Wahl bestimmter Momente in der Zeit geschaffen. Hinter dem Bild steckte eine Anstrengung. Der Film konnte monatelang in der Kamera liegen, bevor er vollständig verbraucht war. Danach musste der Film entwickelt werden, was noch mehr Zeit in Anspruch nahm, und als die Fotos schließlich im Geschäft abgeholt wurden, konnte man die Erinnerungen noch einmal gemeinsam als Familie betrachten. Wer wusste damals schon, wie flüchtig diese Zeiten waren. Gemeinsame Erinnerungen waren ein Ritual.
Was ist Ihre Philosophie hinter der Kunst der Polaroidbilder?
Das "Überholte" ist alles andere als überholt. Die Dinge sind nicht immer so, wie sie erscheinen, und es gibt versteckte Botschaften. Unsere Erinnerungen und Träume werden unterbewertet. Dort beginnt echtes Lernen und Verstehen, indem man sich für andere Perspektiven öffnet. Wer wir sind und woher wir kommen, ist wichtig. Ein Polaroid ist ein Zeugnis für unsere Existenz. Aber unsere Zeit vergeht schnell.
Was hat Sie dazu inspiriert, Stop-Motion-Kinematografie zu verwenden?
Meine Arbeit hat schon immer an Filmstills erinnert. Ich erinnere mich an das erste Mal, als ich eine Schachtel mit Polaroids mitbrachte und sie auf den Schreibtisch von Susanne Vielmetter schob (meine erste Galerie). Es wurde sofort klar, dass es eine Geschichte zu erzählen gab. Die Geschichten wuchsen. Es war für mich unbestreitbar, dass die sich abzeichnende Geschichte der Weg war, den ich einschlagen sollte. Vor meinem letzten Spielfilm, The Girl behind the White Picket Fence, habe ich vier Kurzfilme gedreht. Dieser Film ist 60 Minuten lang und enthält über 4000 bearbeitete Polaroids. Denken Sie daran, dass unser Unterbewusstsein Lücken füllt, die Teile, die in der Geschichte zwischen den Fotos fehlen, ermöglichen eine tiefere und persönlichere Erfahrung für den Betrachter. Das heißt, wenn Sie sich selbst hingeben und darauf vertrauen, dass ich als Regisseur Sie an einen Ort führe, an dem Sie vielleicht noch nie waren.
Warum ist es Ihrer Meinung nach wichtig, Kunst zu besitzen?
wir haben Kunst, um nicht an der Wahrheit zu sterben"
Nietzsche
- Schöpfer*in:Stefanie Schneider (1968, Deutsch)
- Entstehungsjahr:1999
- Maße:Höhe: 20 cm (7,88 in)Breite: 20 cm (7,88 in)Tiefe: 1 mm (0,04 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Morongo Valley, CA
- Referenznummer:1stDibs: LU65238563102
Informationen zu dem*der Anbieter*in
4,9
Platin-Anbieter*in
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