Signiert Öl auf Karton Interieur von Französisch Les Nabis Maler Edouard Vuillard. Das Werk stellt einen Raum mit einem großen Fenster dar, vor dem kahle Bäume stehen. Im Inneren des Raumes stehen drei Stühle und ein gemusterter Teppich auf dem Boden.
Unterschrift:
Signiert unten links
Abmessungen:
Gerahmt: 20 "x13"
Ungerahmt: 13 "x6"
Provenienz:
Prinz Antoine Bibesco (1878-1951) - Sondergesandter Rumäniens in den Vereinigten Staaten
Piasa Encheres - Paris Los Nr. 88 - 8. April 2005 - Zuschlagspreis EUR 118.000
Erworben von Thomas Gibson Fine Art - London (siehe oben)
Erworben vom Vorbesitzer bei Thomas Gibson Fine Art - TEFAF Maastricht November 2005
Literatur:
Dieses Werk ist im Werkverzeichnis von Edouard Vuillard unter der Nr. 172 des Bandes II enthalten - abgebildet und beschrieben
Der Online-Zugang zur Raisonne ist auf der Website des Wildenstein-Plattner-Instituts zu finden.
Das Werk wurde in der Zeit von 1899 bis 1904 von Antoine Salomon und Guy Cogeval ausgeführt.
Édouard Vuillard besuchte das Lycée Condorcet in Paris, wo er sich mit Maurice Denis, Lugné-Poe und Ker-Xavier Roussel, seinem späteren Schwager, anfreundete. Er studierte im Studio von Maillart, kam für sechs Wochen unter die Anleitung von Jean-Léon Gérôme an der École des Beaux-Arts in Paris und später unter William Bouguereau und Robert an der Académie Julian, wo er eng mit der Gruppe der Nabis (vom hebräischen Wort für "Prophet") verbunden war. 1902 lernte er Marcel Proust kennen. Ab 1908 unterrichtete er an der Académie Ranson. Im Jahr 1937 wurde er zum Mitglied des Instituts gewählt.
Zunächst malte Édouard Vuillard kleine Themen, diszipliniert und gekonnt, Eigenschaften, für die die renommierte École Française berühmt war. Seine frühesten Stillleben (1888) sind erstaunlich in ihrer Entschiedenheit und Subtilität. Seine Empathie für das Objekt hatte ihn bereits gezwungen, seine Erscheinung zu mildern; das Objekt, das aufgrund seiner hellen oder glänzenden Präsenz für so viele andere das Nicht-Ich und das "Dargestellte" blieb. Zwischen dem Maler und dieser bescheidenen Umgebung entwickelte sich sofort eine "Intimität"; indem er sie täglich bewohnte, konnte er ihre Pracht zelebrieren, und sie sollte seine Lieblingsumgebung bleiben. Aber er wechselte bereits zwischen kleinen Porträts und Stillleben, die aufgrund ihrer natürlichen Qualitäten und der Würde des Tons Anerkennung fanden: eine seltene Kombination für einen Anfänger.
Um 1890 brachen unter dem indirekten Einfluss von Paul Gauguin plötzlich alle Gewissheiten zusammen, mit denen sich die selbsternannten Nabis-Maler zufrieden gegeben hatten. Alles wurde erneut in Frage gestellt: sowohl die lineare Anordnung des Bildes als auch seine Farbgebung; die Wahl des Themas und sein materieller Aspekt; seine Herstellung und sein Zweck. Vuillards Bilder zeigen damals überraschende, kühne Innovationen und eine willkürliche Kraft, die man 15 oder 20 Jahre später auf dem Höhepunkt des Fauvismus erwarten würde. Die Beschäftigung mit einer inneren Geometrie unterscheidet sie von früheren Studien. Von da an basierten die Gemälde auf Formen, Linien und Farben. Vuillard machte Zugeständnisse. Er schuf ein Porträt oder ein Interieur mit seinen Möbeln und Tapeten, in dem sich die Familie, die es bewohnt, weiterentwickelt. Mit flächigen Farbflächen und einfarbigen Ocker-, Rot-, Blau- und Safrangelb-Tönen ohne Modulation behandelt, scheinen sie bestimmte Gemälde von Henri Matisse und Roger de La Fresnaye zu präfigurieren.
1891 malte Édouard Vuillard eine Elegante Dame, eine Silhouette von hinten gesehen; eine lange vertikale Form, die von den mit braunen Federn geschmückten Haaren ausgeht; eine Art rosafarbener Mantel, der enge und nicht enden wollende schwarze Rock, aufgerichtet vor einer halb geöffneten, leuchtend orangefarbenen Tür in einer grünen Wand, aus der das Licht einer anderen vertikalen Form austritt, die leuchtend gelb ist und sich in Rot auf dem Parkett zu Füßen der eleganten Dame spiegelt. Dieses Gemälde entspricht seinem Anliegen, "unserem Gefühl entsprechende Harmonien" zu schaffen, und nimmt mit seiner fast geometrischen Struktur, seiner völlig detailfreien Zeichnung, seinen Lichteffekten und Farbharmonien Aspekte der späteren Abstraktionsbewegung vorweg und erinnert auf seltsame Weise an die letzte Periode von Nicolas de Staël.
Allzu oft wird Édouard Vuillard nur in seiner Rolle als Harmonist bewundert, als heiterer Kontemplator, der ein exquisites Gespür für Nuancen, Rhythmen und Werte mit genauester Beobachtung verbindet. Diese singulären Untersuchungen, diese dreidimensionalen Meditationen mit einem Tisch, einem faltbaren Metallbett, einer liegenden Figur, einem vertrauten Gesicht (oft sein eigenes) waren Vorwände; sie ermöglichen ein tieferes Verständnis für das ganze Ausmaß seiner manchmal rasenden Untersuchungen, die die Wurzel seiner Kunst sind. Die natürliche Geläufigkeit des Stils stützt sich auf eine immer klarere Unterwerfung unter die technischen Erfordernisse und auf alles, was es dem Werk ermöglicht, sich zu entwickeln und seinen Reichtum zu erfassen.
Auf dem Höhepunkt der symbolistischen Bewegung bleibt Vuillard, wie Pierre Bonnard, mit dem er eine Zeit lang ein gemeinsames Studio teilte, den gewöhnlichen Interieurs treu, ohne ins Seltsame oder Instabile abzuschweifen. Als Maler intimer Szenen kehrte er zu den damals so geschmähten kleinen Themen zurück. Seine Sujets sind von Spannung, Präsenz und Geheimnis durchdrungen. Die Druckgrafik, die Dega und die Japaner (die Einfachheit der japanischen Kunst und Dekoration war damals ein starker Einfluss in Frankreich) befürwortet hatten, gab er schnell auf. Er wendet sich auch von den Impressionisten und Gauguin ab, für die ein wesentliches Ziel der Malerei darin bestand, ein Maximum an Brillanz und Leuchtkraft zu erreichen. Vuillards Vorliebe für weniger intensive Harmonien führte ihn umgekehrt zu franziskanischen Tugenden, zu einer Art Bereicherung durch Armut (gegen Ende seines Lebens änderte er seine Einstellung und "intensivierte" seine Palette wieder). Mit der Technik der Leimfarbe, die er bei der Herstellung von Bühnenbildern für Lugné-Poe entdeckte, erforschte Vuillard folgende Effekte: matt und körnig, wobei der Grad der Deckkraft die charakteristischen Merkmale seiner Kunst sind.
Vuillard, der sich sehr zum Theater hingezogen fühlte, schuf zahlreiche Lithografien für Programme und Plakate. Er interessierte sich auch für die dekorativen Künste und malte Tafeln, Glasfenster und Keramiken. Um 1893 beginnt er mit der Anfertigung von "Wohnungsfresken" für Frau Desmarais, für die Gebrüder Natanson mit Variationen zum Thema der öffentlichen Gärten (1894, neun Tafeln) sowie für Claude Anet, Dr. Vaquez, Henri Bernstein, die Galerie Bernheim-Jeune und die Comédie des Champs-Élysées. Gleichzeitig porträtierte er seine Mutter, die zeitlebens seine größte Stütze war, in alltäglichen häuslichen Szenen. 1899 fertigt er für Ambroise Vollard ein Buch mit Lithografien Landschaften und Innenräume ( Paysages et Intérieurs).
Ab 1918 reifte Vuillards Stil und er schuf Porträts des Pariser Großbürgertums und Interieurszenen im traditionellen Stil; diese Werke sind eher konventionell und akademisch. Vuillards Werke strahlen so viel Gelassenheit, Charme und Harmonie aus, dass oft übersehen wird, wie viel Mühe, Nachforschungen und Unruhe sie gekostet haben. Aber Vuillards extreme Bescheidenheit sorgte dafür, dass diese Aspekte verborgen blieben, ebenso wie eine vollständige Sammlung seiner Werke, die erst nach seinem Tod entdeckt wurde. Obwohl er sehr gesellig war, schützte niemand mit größerer Sensibilität seine Einsamkeit vor den Indiskretionen und Eitelkeiten der Zeit.
Édouard Vuillard stellte 1903 auf dem Salon d'Automne in Paris und 1905 auf dem Salon de la Libre Esthétique in Brüssel aus. Er stellte in Einzelausstellungen aus - zu seinen Lebzeiten eine Retrospektive im Musée des Arts Décoratifs, Paris, im Jahr 1938. Nach seinem Tod wurden ihm Einzelausstellungen gewidmet: 1968 in der Orangerie des Tuileries in Paris mit Ker-Xavier Roussel; 1971 in der Art Gallery of Ontario in Toronto; 1971-1972 im California Palace of the Legion of Honor in San Francisco und im Art Institute of Chicago; 1983, Graphisches Kabinett, Bremen; 1989, Brooklyn Museum, New York; 1990, The Intimate Interiors of Édouard Vuillard ( Les Intérieurs Intimes de Vuillard) in der Phillips Collection, Washington, DC, und der Yale University Art Gallery, New Haven; 1990-1991 fand eine Retrospektive seiner Werke im Musée des Beaux-Arts, Lyon, in der Fundacio Caixa de Pensions, Barcelona, und im Musée des Beaux-Arts, Nantes, statt; 2003 fand eine Retrospektive im Musée des Beaux-Arts, Montreal, in der National Gallery of Art, Washington, DC, im Grand Palais in Paris und in der Royal Academy, London, statt.
Seine Werke wurden auch in Ausstellungen der Gruppe der Nabis gezeigt: 1891-1896, Impressionistische und symbolistische Maler ( Peintres Impressionistes et Symbolistes) in der Galerie Le Barc de Boutteville; 1897, 1898, Galerie Ambroise Vollard; 1899, Post- und Neoimpressionisten ( Post et Néo-Impressionistes) in der Galerie Durand-Ruel; 1900, 1902, Galerie Bernheim-Jeune mit Bonnard, Denis und Félix Vallotton; 1934, Gauguin, seine Freunde, die École de Pont-Aven und die Académie Julian ( Gauguin, ses Amis, l'École de Pont-Aven et l'Académie Julian) in der Galerie des Beaux-Arts; 1943, die Galerie Parvillée; 1955, Bonnard, Vuillard und die Nabis ( Bonnard, Vuillard et les Nabis) im Musée d'Art Moderne de la Ville; 1966, La Revue Blanche in der Galerie Maeght; 1990, Zur Zeit der Nabis ( Au Temps des Nabis) in der Galerie Hubert Berès. Seine Werke wurden auch in der Provinz und im Ausland ausgestellt: 1951 in der Kunsthalle Bern, 1967 im Musée des Beaux-Arts d'Agen, 1983 in der Wildenstein Gallery, New York, 1984 in der National Gallery of Art, Washington, DC, und in der Yale University Art Gallery, New Haven, sowie 1985 im Musée Départemental du Prieuré, St-Germain-en-Laye.
Museen und Galerien:
Albi (Mus. Toulouse-Lautrec): Porträt im linken Profil von Toulouse-Lautrec, bekannt als mit weichem Filzhut (1897)
Amsterdam (Stedelijk Mus.): Ölgemälde von Henri de Toulouse-Lautrec, Kochen (1898)
Berlin (Nationalmuseum): Der Blick aus dem Fenster (zwei Werke); Modell
Brüssel (MBA): Zwei Schulkinder (1894, dekorative Tafel für "Öffentliche Gärten" für Alexandre Natanson)
Chicago (AI): Vuillards Schlafzimmer im Château de Clayes
Cleveland (MA): Unter den Bäumen (1894, dekorative Tafel für "Öffentliche Gärten" für Alexandre Natanson)
Köln (Wallraf-Richartz Mus.): Frau am Schrank
Dijon (MBA): Mühlstein
Glasgow (AG und Mus.): Mutter und Kind
Grenoble (Mus. de Grenoble): Frau in blauer Bluse (1915)
Hamburg (Kunsthalle): Blick auf die Binnenalster
Houston (MFA): Promenade (1894, dekorative Tafel für "Public Gardens" für Alexandre Natanson)
Karlsruhe (Staatliche Kunsthalle): Misia am Klavier, Cipa beim Zuhören
Lausanne (Kantonale MFA): Porträt von Dr. Widmer; Madame Vuillard beim Nähen
London (Courtauld Institute of Art): Interieur mit einem Paravent (1909-1910, Öl/Papier/Karton)
London (Tate Collection'S): Girl in an Interior (um 1910, Öl/Karton); weitere Gemälde und Arbeiten auf Papier
Lyon (MBA): Misia in Villeneuve-sur-Yonne (um 1897, Öl auf Holz)
Marseille (Mus. Cantini): Straßenbahn (1908, Pastell, Gouache und Klebstoff auf Karton)
Moskau (MFA Puschkin): Kinder in einem Interieur
New Haven (AG, Yale University): Die Naht; Küche (1892, Öl auf Holz)
New York (Metropolitan MA): Self-Portrait mit Waroqui (1889); Mutter und Schwester des Künstlers (1893); Figur vor einem Fenster sitzend
New York (MoMA): Mutter und Schwester des Künstlers (1893); Stickerinnen oder die Tapisserie
Northampton, MA (Smith College MA): Studio für Näharbeiten (1893)
Paris (BNF): Zwei Schwägerinnen; Tisch mit großem Lampenschirm; Über Felder; Landschaften und Interieurs (Stich, Vollard-Illustriertes Buch); Entwurf für das Rideau des Arts; Spielende Kinder (1897, Lithographie); Auf der Pont de l'Europe (1898-1899, kolorierte Lithographie); Die Köchin (1899, Lithographie); Interieur mit Rosenmustertapete (1899, Lithographie); Die Konditorei (1899, Lithographie)
Paris (Louvre, Drawings Collection): Reine Natanson
Paris (Mus. d'Orsay): Stilleben mit Salat (um 1887); Erste Schritte (1894); Die öffentlichen Gärten (1894, fünf Tafeln, darunter "Spielende Mädchen", "Kreuzverhör", "Kindermädchen", "Gespräch", "Rote Sonnenschirme"); Porträt von Félix Vallotton in seinem Studio (1900); Mittagessen (um 1903); Blumenvase (1904); Le Pouliguen, Frachtschiff am Kai (ca. 1908); Rotes Esszimmer (ca. 1908); Interieur (ca. 1910); Bibliothek (1911); Narzissenstrauß (1912); Porträt von Geneviève Bernheim de Villers (1920); Porträt von Madame Bénard (1930); Sacré Coeur, Blick auf die Wohnung des Künstlers (1935); Wassertank in Les Clayes (1936); Porträt von Claude Bernheim de Villers; Porträt von Madame Vaquez; Porträt von Madame Suzanne Després; Porträt von Romain Coolus; Nach dem Essen; Schlaf; Self-Portrait; Im Bett; Porträt von Madame Jeanne Lanvin; Porträt von Monsieur Arthur Fontaine; Die öffentlichen Gärten (sechs Studien, Zeichnung)
Paris (Mus. du Petit Palais): Die Bibliothek (1896); Musik (1896)
Richmond (Virginia MFA): Der goldene Stuhl (1906, Öl/Panel)
Rochester (Memorial AG, Universität Rochester): Porträt von Lugné-Poé
São Paulo (MA): Kleid mit Blättermuster (Öl auf Leinwand)
Seattle (AM)
St-Tropez (Mus. de l'Annonciade): Zwei Frauen unter der Lampe (1892)
Straßburg (Mus. d'Art Moderne et Contemporain): Rund um die Lampe (1910)
Stuttgart: Innenraum
Washington, DC (NGA): Frau im gestreiften Kleid (1895, Öl auf Leinwand, dekorative Tafel für Thadée Natanson); Place Vintimille (1911, Leimfarbe/Papier/Leinwand, fünfteilige Leinwand); Der Besuch (1931, Mischtechnik/Leinwand)
Washington, DC (Phillips Collection'S): Zeitungsartikel (1895)
Winterthur (Kunstmus.): Frauen in einem Interieur (1893); Interieur mit Chiffonnier
Zürich (Kunsthaus): Großes Interieur mit sechs Figuren (1897); Lucie Hessels (die Maniküre) Schlafzimmer (um 1907); Blue Hills