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Sander van WalsumSunny Strandszene mit Strandhäusern in Trouville-sur-mer (Frankreich)2023
2023
Angaben zum Objekt
Der Journalist und Künstler Sander van Walsum war schon als Junge von Monet fasziniert. Diese Liebe entsprach nicht dem damaligen Zeitgeist, aber seine Faszination ist nie verschwunden. Deshalb begibt er sich mit Acrylfarbe und einer Tränenpalette an die Orte, an denen sein Idol gemalt hat, um eine Antwort auf die Frage zu finden: Was macht den Impressionisten so brillant?
Das wäre im März 1973 gewesen, also vor mehr als fünfzig Jahren. Im De Slegte an der Oudegracht in Utrecht schlug ich, der im benachbarten Doorn wohnt, ein deutschsprachiges Buch mit Bildern von Claude Monet (1840-1926) auf. Es hätte auch ein Buch über Cézanne oder Van Gogh sein können. Oder, wenn sich die Geschichtsabteilung näher am Eingang befand, ein Buch über den Zweiten Weltkrieg. Aber es war das reich illustrierte Buch über Monet, das mich wirklich beeindruckt hat.
Mein Interesse wurde sofort durch ein Stillleben mit Knoblauchzehen und einem Stück Rindfleisch ("Ochsenslende") von 1864 geweckt. Dann ein Blühender Garten" und eine mit bunten Blumen gesäumte Terrasse in der französischen Küstenstadt Sainte-Adresse. Aber der Superlativ der Schönheit - für meine ungeübten Augen - wurde auf Seite 25 erreicht. Es wurde eine Reproduktion des Hôtel des Roches Noires in Trouville gedruckt, ein Gemälde, das Monet im Juli 1870 gemalt hatte. Ich betrachtete es mit Bewunderung, fast ungläubig. die präzisen Pinselstriche, mit denen Monet die Opulenz des Gebäudes und die Anmut der Flaneure auf der halbschattigen Terrasse charakterisiert hatte. Vor allem aber beeindruckte mich die Bravour, mit der Monet die große (amerikanische?) Flagge im Vordergrund malte, die im auflandigen Wind knistert. Der märchenhafte Effekt wurde durch rote und weiße Striche erzielt, die Monet in wenigen leidenschaftlichen Sekunden auf einen unbemalten Teil der Leinwand gesetzt haben muss.
Sander van Walsum ist Reporter und Kommentator für de Volkskrant. Er rezensiert auch Sachliteratur. Zuvor war Van Walsum als Korrespondent in Berlin tätig.
Nach dem Kauf des Buches eilte ich zum 'American Lunchroom' Van Angeren in der Lange Viestraat, um mir die Welt von Monet näher anzusehen. Ich sah Erholungssuchende am Ufer der Seine, Segelboote in Argenteuil, Badende in Trouville, Stillleben, Damen mit Sonnenschirmen, wogende Mohnfelder, Amsterdamer Stadtansichten, dampfende Züge, die Kathedrale von Rouen in voller Sonne und bei Sonnenuntergang, die Dämmerung in Venedig, den Smog von London und die Lilien in Monets Garten in Giverny. Aber ich kehrte immer wieder auf Seite 25 zurück, zum Hôtel des Roches Noires.
Das Bild weckte in mir eine starke Sehnsucht nach einer Zeit, die - so dachte ich - so viel schöner war als unsere. Erst Jahre später, als auch ich mich für Geschichte interessierte, wurde mir klar, dass Monet die Herrlichkeit der Badesaison in Trouville festgehalten haben musste, als der Deutsch-Französische Krieg kurz vor dem Ausbruch stand - oder bereits begonnen hatte. Im Salon und auf der Terrasse des Hôtel des Roches Noires muss während der Badesaison 1870 eine gedrückte Stimmung geherrscht haben.
Monet entkam dem Krieg, indem er nach England floh. Für ihn hatte dies den zusätzlichen Vorteil, dass er auch die französischen Gläubiger abschüttelte, denen er bis dahin durch regelmäßige Umzüge entkommen war. Aus kunsthistorischer Sicht ist Monets Flucht aber noch aus zwei weiteren Gründen von Bedeutung: In England lernte er das Werk des romantischen Landschaftsmalers William Turner kennen (von dem er stark beeinflusst wurde), und er selbst wurde von dem Kunsthändler Paul Durand-Ruel entdeckt, der Monet und andere Vertreter der losen Malerei einem kunstinteressierten Publikum vorstellte. Im Jahr 1873, also vor genau 150 Jahren, vereinigte Monet die Avantgardisten seiner Zeit in der Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et engravers. Ein Jahr später organisierten die Mitglieder, die bald "Impressionisten" genannt wurden, ihre erste Gruppenausstellung.
Ich wollte in der Zeichenlehrerausbildung in Utrecht das Malen erlernen. Nicht mit der Absicht, Lehrer zu werden, sondern um die Zeit bis zu meiner Entdeckung durch einen reichen Kunstkenner zu überbrücken. Ich hatte jedoch den Zeitgeist ignoriert. Meine erste gemalte Landschaft wurde noch geduldet. Der zweite wurde von einem Lehrer gründlich abstrahiert. Aber der dritte wurde kurzerhand vom Esel gezogen. Schließlich war die figurative Kunst hoffnungslos veraltet ("Wussten Sie das noch nicht?") und Monet war von der damaligen Avantgarde (zu der auch meine Kunstlehrer gehörten) zum Ausstecher und Kalendermaler degradiert worden.
Monets "Bildsprache" wäre nicht nur in Vergessenheit geraten, sondern er hätte auch einen völligen Mangel an sozialem Engagement gezeigt, indem er zu einer Zeit "schön" gemalt hätte, die für die meisten seiner Zeitgenossen in Wirklichkeit sehr hässlich war. Ich habe verschwiegen, dass für mich genau darin der große Reiz des Impressionismus lag. Denn in jenen Jahren war ich mit sozialem Engagement überfordert. Wenn ich nicht gerade den Bericht des Club of Rome auf dem Couchtisch in meinem Elternhaus fand, lag dort eine Schrift von Joke Smit oder einer verwandten Feministin, von der meine Mutter auffallend fasziniert war.
An den Klassenabenden wurden die Themen des Tages diskutiert, manchmal mit erhobener Stimme - was die Zusammensetzung des Freundeskreises mitbestimmte: das Oberst-Regime in Griechenland, die "faschistischen" Regime in Spanien und Portugal, die Entkolonialisierung von Angola und Mosambik, der Krieg in Vietnam, die Anerkennung der DDR und der Anstand der Wehrdienstverweigerung. Auch das traditionelle Tauziehen am frühen Morgen des Himmelfahrtstages war nicht frei von solchen Gesprächsthemen.
Das unbeschwerte Werk der Impressionisten war daher eine angenehme Abwechslung zu der schweren Kost, die mir jeden Tag vorgesetzt wurde. Und das Fehlen eines aufdringlichen Engagements zieht mich immer noch zu ihrem Werk hin - in diesem Sinne habe ich als Kunstliebhaber und -praktiker seit 1973 keine wesentliche Entwicklung durchgemacht. Ich schätze Gemälde hauptsächlich wegen ihrer Schönheit (definierbar oder nicht), nicht wegen irgendeiner Botschaft. Bücher, Filme und Fotos sind dafür viel besser geeignet.
Wenn ich Gemälde sehe, die die Aufmerksamkeit auf aktuelle Themen lenken, fühle ich mich wie Karel van het Reve, als er Picassos Guernica zum ersten Mal sah: Er versuchte "mit aller Kraft, es schön zu finden", scheiterte aber. Schöne" Gemälde gelten als so verdächtig, dass das Rijksmuseum vor einigen Jahren eine Ausstellung mit schönen, stehenden Porträts zeigte, die von einer Ausstellung über Dekadenz flankiert wurde, als Disclaimer: die Sünde, die viele der Porträtierten offenbar gemeinsam hatten.
Meine Lehrer an der Hochschule in Utrecht hätten sich das ausdenken können. Ich war von ihren Dogmen so entmutigt, dass ich beschloss, Geschichte zu studieren. Nach dem Studium bin ich im Journalismus gelandet, und erst vor zehn Jahren habe ich wieder angefangen, regelmäßig zu malen - ungehindert von der Notwendigkeit eines Beweises oder der Mode der Zeit. Zum Abschluss einer 38-jährigen journalistischen Laufbahn konnte ich für diese Zeitung eine Reihe von Orten in Frankreich besuchen, die mit Monet in Verbindung gebracht werden können - mit der Absicht, dort selbst zu malen.
In Argenteuil suchte ich vergeblich nach malerischen Aussichten. Als Monet dort lebte und arbeitete (von 1871 bis '78), war es ein schöner Ort, an dem die Industrialisierung langsam Einzug gehalten hatte. Jetzt ist es ein grauer Vorort von Paris, wo ich mit einigen Schwierigkeiten die Brücke über die Seine gefunden habe, die auch von Monet verewigt wurde. Glücklicherweise ist das einige Kilometer flussabwärts gelegene Vétheuil noch in demselben Zustand wie zu Monets Zeiten. Aber in Monets Garten in Giverny gehörte ich zu einer schlurfenden Menge von Tagesausflüglern. Trouville-sur-Mer hingegen versprüht noch immer den Charme der Strandszenen von Monet. Das Hôtel des Roches Noires, das letzte Ziel meiner Pilgerreise, ist kein Hotel mehr, sondern ein etwas schäbiger Apartmentkomplex, was aber dem (kunsthistorischen) Eindruck, den es bei mir hervorrief, keinen Abbruch tat.
Am Rande der Terrasse, wo Monet an einem schönen Tag im Juli 1870 gestanden haben muss, bereitete ich mich auf eine Malsitzung en plein air - unter freiem Himmel - vor. Monet hat damit Schule gemacht. Er war zwar nicht der erste Maler, der außerhalb des Ateliers arbeitete - Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind und die so genannten "kleinen Meister" der Schule von Barbizon waren ihm vorausgegangen -, aber für Monet war das Licht mehr als ein Element in einer Landschaft: Es bildete die Seele der Landschaft. Unter dem Einfluss des Lichts wurden die Formen hart oder weich, und Landschaften oder Stadtbilder unterlagen einem ständigen atmosphärischen Wandel. Selbst im Schatten wirkt das Licht weiter. Deshalb verwendete Monet nur selten Schwarz - zum Unverständnis, ja sogar zur Belustigung der Zeitgenossen, die von den dunklen Genrebildern des frühen 19. Jahrhunderts geprägt waren.
Da stand ich nun, an einem sonnigen Maitag, gegen elf Uhr vormittags, an der Stelle, an der mein Idol in nur wenigen Stunden das Gemälde schuf, das auf meinem Mousepad, in mindestens vier meiner Kunstbücher und auf einem Poster, das seit vielen Jahren eine der Wände meines Schlafzimmers ziert, abgebildet ist. Ich hatte gehofft, dort unter denselben Lichtverhältnissen arbeiten zu können wie Monet vor 153 Jahren. Aber für ihn stand die Sonne höher - einer der Flügel des Hotels wurde bereits von ihr beleuchtet. Diesen Effekt hätte ich wahrscheinlich erst ein paar Stunden später einfangen können.
Also habe ich mich einfach mit den Umständen abgefunden, wie sie sich darstellten. Und diese Bedingungen waren nicht optimal. Es herrschte ein starker Wind, der ständig drohte, die Leinwand und die Tränenpalette, auf die ich einige Farbtupfer (auch einen schwarzen Klecks) aufgetragen hatte, mitzureißen - Acrylfarbe, weil sie schneller trocknet als Ölfarbe. In der Abgeschiedenheit des Studios ist dies ein Vorteil für Fans des Schnelltests. Aber an dem sonnigen und windigen Platz, an dem ich saß, war die Farbe schon am Erstarren, bevor ich überhaupt angefangen hatte. Damit hatte ich nicht gerechnet. Es geht auch nicht darum, dass ich auf eine Brille angewiesen bin, um in der Ferne klar sehen zu können, während sie mir den Blick auf die nahe Leinwand versperrt. Soweit ich weiß, litt Monet nicht darunter (obwohl er später im Leben ein Augenproblem hatte, das ihn vor Erblindung fürchten ließ).
Ich skizzierte die Konturen des über mir aufragenden Gebäudes und malte einige Flächen, jede mit ihrer eigenen Grundfarbe: eine Mischung aus Neapelgelb, Titanweiß, gebranntem Siena und einem Löffel rohem Umbra für die Fassade des Hotels und die bebaute Umgebung im Hintergrund. Ein paar grüne Striche markieren die Hecken, die an einer seltsamen Stelle vor dem Gebäude gepflanzt wurden. Eine beigeähnliche Substanz mit etwas Windsor-Violett für die Terrasse und einer Mischung aus Ultramarin, Brillantblau, Windsor-Blau und Titanweiß für den Himmel.
Normalerweise sind die ersten Aktionen auf einer Leinwand die angenehmsten. Man ist noch aufgeschlossen (nach Monet der optimalste Zustand, in dem sich ein Maler befinden kann), die Angst vor dem Scheitern eines Bildes ist noch nicht da und man verliert sich noch nicht in übertriebenen Details. Details - Fenster, Zäune und Dachziegel - mögen Liebhaber der figurativen Kunst mit dem ultimativen Kompliment verlocken, "dass es echt aussieht", aber sie markieren eigentlich den Weg des geringsten Widerstands: Wer es wagt, nichts auszulassen, zeichnet oder malt alles... Doch Monet gelang es in der Regel, alle Dimensionen einer Szene mit einer begrenzten Anzahl von Aktionen darzustellen. Im Fall des Hôtel des Roches Noires: die Reflexion des hellen Sonnenlichts im Schatten, die "unfertige" Fahne, der nichts fehlt, die architektonische Komplexität des Gebäudes. Er wusste, wann er aufhören musste; wann das Gemälde - nach Meinung seiner kritischen Zeitgenossen nicht mehr als eine grobe Skizze - fertig war.
Ich betrachtete besorgt die Balkone, Säulen und sonstigen Ausschmückungen, als der Hausmeister des Wohnkomplexes in meinem Blickfeld auftauchte, um mir mitzuteilen, dass ich mich auf einem Privatgrundstück befinde und daher meine Arbeit beenden müsse. In meinem besten Französisch wies ich auf meine künstlerische Pflicht hin, wohl wissend, dass dies viel zu bombastisch klang, um irgendeine Wirkung zu haben. Eigentlich hatte ich keine Probleme, die Leinwand später in meinem Büro/Atelier anhand von Fotos fertigzustellen. Denn wenn das Malen en plein air nicht auf praktische Probleme oder unvorhergesehene Wetterbedingungen stößt, wird der Spaß durch Passanten getrübt, die einem hinter dem Rücken ihre Meinung über die Kunst zuflüstern (und meist viel Zeit dafür haben).
Ich tröstete mich mit dem Gedanken, dass Monet auch Fotos verwendet hätte, wenn er bereits ein Mobiltelefon mit Kamera gehabt hätte. Und mit der IDEA, dass Malen mehr ist als das Festhalten eines Abdrucks - an jedem Ort und mit jedem Werkzeug. Das Malen beginnt, sobald man durch die Stadt oder durch einen Wald geht und sich fragt: Was macht diese Landschaft zu dieser Landschaft? Welche Elemente bestimmen seinen Charakter? Was würde ich weglassen und was würde ich betonen? Welche Farben würde ich für den Schatten verwenden? Und welches ist das Gebäude in der Ferne? Wie kann ich die Freude am Malen auf der Leinwand sichtbar machen?
Dabei spiegele ich vor allem den "frühen Monet", also den der 1970er und 1980er Jahre. In seinen jüngeren Jahren ließ er sich bei der Wahl seiner Themen noch vom Zufall leiten (obwohl es ihm einmal gelang, den Bahnhofsvorsteher des Pariser Gare Saint-Lazare zu überreden, den Fahrplan zu ändern, um die gewünschte Kombination aus Dampf und Sonnenlicht zu erreichen). Doch später versuchte er, flüchtige Momente einzufrieren, ja sogar zu manipulieren. Eine Eiche wurde von ihren Blättern befreit, als Monet einen kahlen Baum malen wollte. Bauern, die ihre Heuhaufen an die Kühe verfüttern oder ihre Pappelbäume fällen wollten - beliebte Motive in Monets Werk -, verzichteten gegen eine großzügige Entschädigung auf dieses Vorhaben.
Schließlich zog sich Monet in einen Bereich zurück, in dem er selbst Herr und Meister war: seinen Garten in Giverny, wo er sich 1890 niederließ. Dort konzentrierte er sich auf das Malen von Pflanzen, Bäumen und insbesondere Seerosen, die von sechs Gärtnern (Monet war nun sehr wohlhabend) gezüchtet wurden. Und dort scheint er sich in seinen Versuchen, die Natur nach seinem Willen zu formen, verheddert zu haben. Er begann zögerlicher zu malen und begnügte sich nicht mehr mit schnellen Eindrücken: Oft tüftelte er monatelang an mehreren Leinwänden gleichzeitig - auch in einem seiner Studios. Während der weiß gemalte Hintergrund in den frühen Werken noch zur Klarheit beiträgt, ist er in den späteren Werken unter dicken Schichten von Ölfarbe verschwunden. Der ältere Monet schien die Fähigkeit verloren zu haben, nach ein paar enthusiastischen Stunden hinter der Staffelei zu sagen: So macht man das. Oder wenn nötig: Ich werde es dabei belassen.
Es ist die Tragödie eines Malers, der sich seinen Enthusiasmus bewahrt hat, dem es aber immer schwerer fällt, ihn auszudrücken. So gesehen, hat er den Impressionismus überlebt. Und Monet ist nicht der einzige Künstler, der nur etwa zwanzig Jahre lang auf dem Höhepunkt seines Könnens arbeitete. Als Spätzünder (ich wage es, mir diese Qualifikation zuzuschreiben) kann ich daraus auch Hoffnung schöpfen: Hätte ich vor fünfzig Jahren ernsthaft mit der Malerei begonnen, wäre ich jetzt schon fertig mit der Blüte.
- Schöpfer*in:Sander van Walsum (1957, Niederländisch)
- Entstehungsjahr:2023
- Maße:Höhe: 50 cm (19,69 in)Breite: 60 cm (23,63 in)
- Weitere Editionen und Größen:unique piecePreis: 1.535 $
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
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- Referenznummer:1stDibs: LU2614213538352
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